Una transición cinematográfica es una técnica utilizada en el proceso de postproducción de edición de películas y edición de vídeo mediante la cual se combinan escenas o tomas . Lo más común es que esto se realice mediante un corte normal al siguiente plano. La mayoría de las películas también incluirán el uso selectivo de otras transiciones, generalmente para transmitir un tono o estado de ánimo, sugerir el paso del tiempo o partes separadas de la historia. Estas otras transiciones pueden incluir disoluciones , cortes en L , desvanecimientos (generalmente a negro), cortes coincidentes y barridos .
Hoy en día, cada película, ya sea de acción real, generada por computadora o animación tradicional dibujada a mano, se compone de cientos de tomas individuales que se colocan juntas durante la edición para formar una única película que ve el público . La transición de plano es la forma en la que se unen dos de estos planos individuales. [1]
Principalmente un término literario que denota una pausa rítmica y una interrupción en una línea de verso. En poesía, la cesura se utiliza para diversificar el progreso rítmico y así enriquecer el verso acentuado. [2]
El término adquirió importancia por primera vez en el arte cinematográfico gracias a los experimentos de edición de Sergei Eisenstein . Al aplicar su concepto de montaje como "colisión de planos", Eisenstein incluía a menudo cesuras (rupturas rítmicas) en sus películas. Los actos de El acorazado Potemkin (1925) están separados por cesuras que contrastan rítmicamente con la acción anterior. A la intensa y frenética acción del motín, por ejemplo, le sigue el lírico viaje de un bote hasta la orilla. Las tres secuencias musicales de Burt Bacharach en Butch Cassidy and the Sundance Kid (1969) proporcionan cesuras contrastantes que separan las acciones principales de la película. Varias secuencias de acción intensa en Master and Commander (2003), que incluyen una tormenta marina furiosa y escenas de lucha, son seguidas por cesuras: interludios tranquilos y escénicos que a menudo van acompañados de música melódica de violonchelo. [2]
La continuidad es el desarrollo y estructuración de segmentos e ideas de la película de modo que el significado deseado sea claro y las transiciones empleadas para conectar las partes de la película. En un significado más específico, "continuidad" se refiere a la combinación de elementos escénicos individuales de un plano a otro, de modo que los detalles y acciones, filmados en momentos diferentes, se editen juntos sin error. Este proceso se conoce como "edición de continuidad". Para mantener la continuidad dentro de las secuencias, el editor a menudo corta la acción de los personajes para que la escena fluya sin saltos notables (ver más abajo). Los fallos en el flujo de acción se pueden evitar mediante dispositivos de transición y corte (ver más abajo). La música y el sonido a menudo se utilizan para brindar una sensación de continuidad a una escena o secuencias que pueden contener una variedad de tomas inigualables tomadas en diferentes ubicaciones. Por ejemplo, en Rocky (1976), la canción "Getting High" sirvió como dispositivo de continuidad durante la secuencia altamente fragmentaria que muestra a Rocky en los diversos preparativos de entrenamiento para su pelea por el título. La canción conectaba los numerosos planos breves para que aparecieran como una unidad única y completa dentro de la película. [3]
El corte es el tipo de transición más básico y común. En un corte, una imagen en la pantalla es reemplazada instantáneamente por otra, a menudo con un cambio en el ángulo de la cámara. El plano A termina abruptamente y comienza el plano B. [4] Los cortes se pueden clasificar en diferentes tipos, [5] como se detalla a continuación.
Una toma editada en una escena que presenta información que no forma parte de la primera toma. El plano cortado suele ir seguido de una vuelta al plano original, y suele utilizarse para condensar el tiempo de una escena eliminando acciones no deseadas o para tapar una pérdida de continuidad en la acción. Por ejemplo, es posible que una serie de tomas de una mujer fumando un cigarrillo no coincidan correctamente en la edición debido a las diferentes longitudes de la ceniza del cigarrillo de una toma a otra. Un corte de un reloj de sobremesa, marcando la hora, proporcionaría una distracción suficiente para cubrir la pérdida de continuidad. O el corte del reloj podría insertarse entre una toma de la mujer fumando un cigarrillo y otra de la mujer leyendo un libro. El corte permitiría al editor avanzar la acción en el tiempo. [6]
Plano que presenta el material de una escena con mayor detalle, generalmente a través de un primer plano . Un corte aísla y enfatiza un elemento de la puesta en escena para darle valor dramático o informativo. Cada movimiento progresivo a lo largo de la secuencia de planos, desde el plano general hasta el primer plano , constituye una forma de corte. Un corte realizado desde un plano general hasta un gran primer plano puede tener un efecto sorprendente en el espectador debido a esta ampliación inmediata. Esta técnica es frecuentemente un método de edición de películas de suspenso.
Relacionado, está el plano insertado , que es un plano que contiene detalles visuales que se insertan en una escena con fines informativos o para proporcionar énfasis dramático. Una vista en primer plano del material impreso de un libro, intercalada mientras un personaje lee, es un tipo de encarte informativo con un punto de vista. La intercalación de una vista en primer plano de un arma apoyada sobre un escritorio dentro de una habitación donde se produce una discusión violenta constituye un tipo de inserción dramática. Plano de detalle es otro término para insertar corto. [6]
Un editor puede cortar estratégicamente para yuxtaponer dos temas. Por ejemplo, alguien que sueña con un hermoso campo de flores, en el plano A, puede despertarse repentinamente dentro de un edificio en llamas, en el plano B. El sonido sería sereno y pacífico en el plano A, y repentinamente fuerte y doloroso en el plano B. Este contraste entre La paz y el caos se intensifican a través de la transición repentina. [1]
El corte dinámico es un enfoque del montaje cinematográfico en el que el corte de una toma a la siguiente se hace abruptamente evidente para el espectador. En el corte combinado o en la edición invisible , los cortes no son tan obvios para el espectador porque estos enfoques se adhieren a procedimientos de continuidad diseñados para ocultar la edición (por ejemplo, cortar en acción). El corte dinámico, por otro lado, es consciente de sí mismo y a menudo sorprende al espectador al moverse abruptamente en el tiempo o el espacio o al cortar rápidamente dentro de una escena con fines tanto expresivos como narrativos. All That Jazz (1979) de Bob Fosse , The Stunt Man (1980) de Richard Rush y JFK (1991) y Natural Born Killers (1994) de Oliver Stone emplearon ampliamente el corte dinámico. El corte dinámico es un elemento de edición destacado en las películas de Quentin Tarantino , desde Reservoir Dogs (1992) hasta Django Unchained (2012). [7]
Relacionado con el corte dinámico, el corte directo es un cambio instantáneo de planos, generalmente a un nuevo lugar o marco temporal, y ejecutado sin un dispositivo de transición óptica. El corte directo sirve para sustituir, de forma dinámica, un plano por otro. [8]
Un L Cut es una técnica de edición que da como resultado un corte que ocurre en un momento diferente para audio que para video. Por ejemplo, podemos escuchar las voces de los personajes unos segundos antes de verlas en la película. Para lograr este efecto, el editor tuvo que realizar un corte en forma de L en la propia tira de película. Incluso hoy en día, con la llegada de los sistemas computarizados de edición no lineal , la representación digital de la película en el programa todavía adopta esta apariencia en forma de L. [9]
El corte a juego une dos piezas de película que contienen dos objetos de formas similares en posiciones similares en el encuadre. Uno de los ejemplos más famosos de esto es la edición de 2001: Una odisea en el espacio, donde el hueso arrojado por un simio prehistórico corta a una estación espacial futurista. [1]
Al igual que el corte a juego, el corte invisible intenta unir dos planos con encuadres similares. El corte invisible, sin embargo, está diseñado para ocultar completamente la transición al público. El público puede deducir que se ha producido un corte, pero le resultaría difícil precisar el momento exacto. Por ejemplo, si un personaje camina hacia la cámara cubriéndola completamente, el corte se introduce cuando se muestra la espalda del personaje alejándose. El corte invisible también puede quedar oculto por un látigo , entrando/saliendo de un ambiente muy oscuro o muy luminoso, o por un objeto que cruza la pantalla.
Por ejemplo, imagina una escena de acción en la que un villano persigue al héroe de la película. Pasar toda la escena de la persecución tratando de mantener al héroe y al villano en el encuadre al mismo tiempo se volverá muy difícil y poco atractivo después de un tiempo. Una mejor manera de abordar este problema es mediante el uso de corte paralelo . En este ejemplo, la escena consistiría en varias tomas del héroe corriendo en una dirección y algunas tomas del villano corriendo en la misma dirección. Quizás el héroe mira hacia atrás, fuera del cuadro, a su perseguidor. En este punto, el editor insertaría una toma del villano. Ninguno de los personajes ocupa el mismo espacio en la pantalla, pero el público aún comprende que uno está persiguiendo al otro. [10] Esta técnica se parodia en la película "Naked Gun 2½", donde la edición cambia entre mostrar al héroe y al villano disparándose entre sí, y finalmente, en un plano general, nos damos cuenta de que, de hecho, están a sólo cuatro pies de distancia el uno del otro. otro. [11]
Un corte de salto suele ser el resultado de un error de continuidad y no una elección estilística del director. Pero el director puede usarlo intencionalmente para crear un efecto de paso del tiempo sin mostrar todo el evento. Un corte de salto ocurre cuando un corte, diseñado para actuar simplemente como un cambio de ángulo de la cámara (menos de 30 grados ), revela una discrepancia de continuidad entre las dos tomas. Por ejemplo, si un personaje se tapa la boca con la mano en un plano medio , y no en un primer plano , este pequeño detalle, que probablemente no se notó en el set, ahora es dolorosamente obvio para los espectadores. [10]
La transición de desenfoque es un tipo de transición que se logra girando el enfoque de la lente hasta que la escena se vuelve borrosa. Se puede sugerir el paso del tiempo dentro de una escena reenfocando la toma después de realizar modificaciones en la escena: cambio de vestuario, iluminación y otros elementos de continuidad . El dispositivo de desenfoque también se ha empleado frecuentemente en transiciones a secuencias de sueños o fantasías . [12]
Un desvanecimiento ocurre cuando la imagen cambia gradualmente a un solo color, generalmente negro, o cuando una imagen aparece gradualmente en la pantalla. Los fundidos de aparición generalmente ocurren al comienzo de una película o acto, mientras que los desvanecimientos generalmente se encuentran al final de una película o acto. [13]
Al igual que el desvanecimiento, una disolución implica cambiar gradualmente la visibilidad de la imagen. Sin embargo, en lugar de pasar de una toma a un color, una fusión es cuando una toma cambia gradualmente a otra toma. Los fundidos, al igual que los cortes, se pueden utilizar para crear un vínculo entre dos objetos diferentes, un hombre que cuenta una historia y una imagen de su historia, por ejemplo. [13]
Una disolución ondulada es un tipo de transición caracterizada por una imagen vacilante que generalmente se emplea para indicar un cambio en el material de flashback , comúnmente el recuerdo de un evento por parte de un personaje. A veces, la ondulación se utiliza como transición a un evento o acción imaginado. ¡Una serie de tres ondas disueltas apareció en Mamma mia ! (2008) como Donna ( Meryl Streep ) descubre a sus tres antiguos amantes en el ático de su villa griega. La breve onda disuelta transporta visualmente a cada hombre atrás en el tiempo para revelar sus apariencias "hippy" y de "niños enamorados" de los años 60 tal como Donna los recuerda. [14]
El lavado es una transición óptica utilizada con fines de edición que es similar al desvanecimiento. A diferencia del desvanecimiento, donde las imágenes se vuelven negras, en un desvanecimiento las imágenes repentinamente comienzan a decolorarse o colorearse hasta que la pantalla se convierte en un marco de luz blanca o de color. Luego seguirá una nueva escena.
Además, el lavado es la forma más extrema de sobreexposición , que es el acto de exponer cada fotograma de la película a más luz o durante un período de tiempo más largo del que sería necesario para producir una exposición "normal" del mismo sujeto. Hay poco o ningún detalle visible en las luces (las áreas brillantes de la imagen) y las imágenes aparecen descoloridas, más o menos descoloridas. El efecto se logra dirigiendo la cámara a una fuente de luz brillante que borraría la mayor parte, si no toda, del área del encuadre , o procesando el efecto en el laboratorio cinematográfico. Si bien en 2014 algunos directores de cine todavía optaban por materiales fotográficos basados en emulsión cinematográfica en lugar de imágenes recuperadas digitalmente, el número de directores que lo hacían estaba disminuyendo rápidamente. [15]
Ingmar Bergman hizo un amplio uso del lavado en esta película psicológica Gritos y susurros (1972). Bergman varió la técnica tanto con fines de transición como para continuar con su uso expresivo del color en la imagen. Los lavados aportaban un color único y rico al final de una escena para simbolizar las emociones y pasiones psicológicas que actúan en la historia. Los fracasos también se emplearon eficazmente en las secuencias de fantasía de Catch-22 (1970). Monster (2003) concluye con un fracaso cuando Aileen Wuornos ( Charlize Theron ) abandona la sala del tribunal después de ser sentenciada a muerte. De manera similar, un lento lavado hacia el blanco lleva a Hours (2012) a un final lloroso pero feliz en una toma donde un padre ( Paul Walker ) abraza a su hija prematura, cuya vida salvó en un hospital de Nueva Orleans sin electricidad mientras el huracán Katrina hace estragos. [dieciséis]
Un barrido implica que una toma reemplaza a otra, viajando de un lado del cuadro a otro. Piense en una línea vertical que pasa desde el lado derecho del marco hacia la izquierda. En el lado izquierdo de esta línea, hemos tomado la toma A, y en el lado derecho de esta línea está la toma B. Cuando esta línea llega al borde izquierdo del encuadre, la toma B llenará completamente la escena y la transición estará completa. Este ejemplo describe un barrido de línea vertical, aunque éste es solo un tipo de barrido.
Otro tipo común de borrado utiliza objetos en la escena, en lugar de una línea vertical invisible. Una aplicación interesante de esto crea la ilusión de una cámara que atraviesa el techo del piso inferior de una casa de varios pisos hasta el suelo del piso superior. En este caso, el plano A consistiría en que la cámara se elevara hasta el techo y el plano B, la cámara se elevaría desde el suelo. Una transición de barrido da la impresión de que la cámara pasa entre los pisos de una casa.
Una técnica de transición lograda mediante un elemento dentro de la puesta en escena más que mediante un proceso de laboratorio. Un personaje o un objeto se acerca a la lente de la cámara y borra la escena bloqueando o desenfocando completamente el encuadre. Una puerta que se cierra suele servir como paño natural. A la limpieza natural le sigue una nueva escena. Una transición frontal y trasera es un tipo de barrido natural que se utiliza para finalizar una escena y revelar otra. [17]
La forma de la toallita también puede ser circular mediante el uso del iris de la cámara. Al cerrar el iris, un círculo borroso se desplaza hacia el centro del encuadre, llamando la atención sobre el sujeto que ocupa este espacio central. [1]
Aunque no siempre se limita a transiciones de tomas, una transformación puede considerarse como una fusión combinada con un efecto visual . En lugar de simplemente mezclar los colores, una transformación puede remodelar gradualmente un objeto para convertirlo en otro objeto, creando una conexión mucho más fuerte que la que puede proporcionar una simple fusión. Un ejemplo famoso de esto se puede encontrar hacia el final de la película Salvar al soldado Ryan . El rostro del joven soldado Ryan (interpretado por el actor Matt Damon ) [18] se transforma lentamente en un Ryan soldado mayor (interpretado por Harrison Young ), [18] mientras que al mismo tiempo se disuelve el fondo de una ciudad asediada durante el Mundial. War 2, en un cementerio ambientado en la actualidad; No hay duda en la mente del público de que los dos hombres son uno y el mismo.
Un sonido superpuesto suele ser un efecto de sonido o un discurso que continúa brevemente de una toma a la siguiente. El sonido superpuesto puede ser un avance de sonido , donde un discurso o efecto de sonido en un plano entrante se escucha brevemente en el plano saliente. Se puede utilizar sonido superpuesto para conectar, dinámicamente, dos piezas separadas de acción dramática o para mejorar el ritmo del desarrollo de la historia. [19]
Es el avance de un sonido, para ser escuchado en un nuevo plano o escena, tomado del final de la escena anterior. Los avances de sonido, comunes en las películas modernas, en realidad se combinan con transiciones cortadas para impulsar la acción de la historia de manera dinámica. [20]
Alfred Hitchcock patentó bastante bien el avance del sonido en su clásico Chantaje de 1929 . Una joven ( Anny Ondra ) que deambula por las calles de Londres en estado de shock después de matar a un hombre, se encuentra con un borracho tirado en la acera, con el brazo extendido de la misma manera que el artista acaba de ser asesinado por la mujer en su estudio. La imagen del brazo parece precipitar un grito de la joven. Un corte, sin embargo, revela que el grito proviene de una casera que acaba de descubrir el cuerpo del artista muerto en su apartamento. El avance sonoro también tiene posibilidades conceptuales, satíricas y dramáticas. En Five Easy Pieces (1970), el sonido inesperado de una bola de bolos rodando por una pista de bolos se escucha en los últimos segundos de una escena en una habitación de motel donde Jack Nicholson ha tomado novia. Justo cuando la bola golpea el bolo, se hace un corte a una nueva escena donde Nicholson está jugando a los bolos con la mujer. El avance del sonido combinado y la transición cortada sirven juntos como una metáfora sexual . [20]
Un sonido asincrónico es un término para el sonido que no se ha sincronizado con la imagen de la pantalla . El sonido asincrónico también incluye el uso estético del sonido con fines expresivos. Debido a la naturaleza compuesta del arte cinematográfico, el elemento sonoro (música, diálogo, efectos de sonido) es altamente manipulador. Los sonidos de un pollo cacareando se pueden yuxtaponer con una toma de un político despotricando para lograr un efecto satírico.
Una variación popular del sonido asincrónico en el cine contemporáneo ha sido el uso de avances sonoros en las escenas de edición. Un avance de sonido asincrónico puede ocurrir cuando el editor muestra el rostro de un personaje gritando de horror, y en lugar de usar el sonido natural de la voz horrorizada del personaje, inserta la sirena estridente y estridente de un coche de policía, que se verá en la siguiente escena. . El dispositivo de avance del sonido combina sonido asíncrono y sincrónico de una manera excepcionalmente cinematográfica. Francis Ford Coppola hizo un uso extensivo del sonido combinado sincrónico-asincrónico en la escena del bautismo de El Padrino (1972). Cerca del final de la película, se yuxtaponen planos de una solemne ceremonia religiosa con escenas de una venganza que ocurre simultáneamente en varias partes de la ciudad. Los sonidos de la gran música de la iglesia y las entonaciones sacerdotales del rito bautismal continúan ininterrumpidamente mientras los pistoleros llevan a cabo sus tareas. Mediante el uso de sonido sincrónico-asincrónico y cruces visuales , se produce una conexión psicológica irónica entre el pasado, el presente y el futuro. El sonido asincrónico puede servir para crear ironía entre sonido e imagen, satirizar y parodiar situaciones dramáticas y vincular momentos separados de tiempo de manera expresiva. [21]
Tiempo psicológico es un término que se refiere al uso de dispositivos de filmación que, en la continuidad de una narrativa cinematográfica, sugieren no un tiempo cronológico sino el tiempo tal como lo percibe la mente de un personaje. Una fusión (ver arriba), por ejemplo, comúnmente revela un paso de tiempo cuando se usa dentro de una escena en curso . La disolución, por tradición, sirve para incluir tiempo y acción intermedios. Sin embargo, si se utiliza una disolución en lugar de un corte en una acción continua e ininterrumpida, su ubicación poco convencional conlleva implicaciones psicológicas. Los psicodramas subjetivamente inspirados por cineastas experimentales, como Meshes of the Afternoon (1943) de Maya Deren , a menudo explotan la disolución psicológica para lograr un efecto de tiempo mental. El tiempo psicológico también puede ser sugerido por el uso repetido de una acción. El último y desesperado esfuerzo del traidor condenado en An Occurrence at Owl Creek Bridge (1962) por llegar a su esposa se transmite en tiempo psicológico mediante una repetida toma de teleobjetivo del hombre corriendo por el camino hacia su casa. Aparece suspendido en el tiempo y en el lugar, como en realidad lo está; Poco después de estas repeticiones de planos, el espectador descubre que toda la huida del traidor ha sido una fantasía revelada a través de un uso prolongado del tiempo psicológico. Un uso particularmente atractivo y a veces desconcertante de la percepción psicológica del personaje ocurre en Memento (2000), una película sobre un hombre que busca al asesino de su esposa. La búsqueda se complica porque el hombre ha perdido la memoria a corto plazo. Los acontecimientos van y vienen en la pantalla sin que su significado quede claro en la primera revelación. El tiempo psicológico es un elemento distintivo en la película de ciencia ficción experimental de Shane Carruth de 2013 , Upstream Color . Evitando una estructura narrativa bien hecha, la trama de Upstream Color se centra en un hombre y una mujer que son objetivos de ingeniería parasitaria y cuyas vidas se disuelven en un desorden mental y psicológico. El tiempo se presenta en fragmentos abruptos y discontinuos, con la realidad cotidiana entremezclada con apariciones mentales e imágenes abstractas. [22]