Los elementos de diseño son las unidades básicas de cualquier diseño visual que forman su estructura y transmiten mensajes visuales. [1] [2] El pintor y teórico del diseño Maitland E. Graves (1902-1978), quien intentó gestar los principios fundamentales del orden estético en el diseño visual, [3] en su libro, El arte del color y el diseño (1941), definió los elementos del diseño como línea, dirección, forma , tamaño , textura , valor y color , concluyendo que "estos elementos son los materiales con los que se construyen todos los diseños". [4]
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El color es el resultado de la luz que se refleja desde un objeto a nuestros ojos. [5] El color que nuestros ojos perciben está determinado por el pigmento del objeto en sí. [5] La teoría del color y la rueda de colores se mencionan a menudo cuando se estudian combinaciones de colores en el diseño visual. [6] El color se considera a menudo un elemento importante del diseño, ya que es un lenguaje universal que presenta las innumerables posibilidades de comunicación visual. [7] El color cumple varios propósitos para contribuir a la eficacia general del diseño. Se utiliza como un elemento para transmitir significado y emoción, crear jerarquía visual, mejorar la identidad de marca, mejorar la legibilidad y la accesibilidad, crear interés y atractivo visual, diferenciar información y elementos, y hacer significado cultural y contextual.
El tono , la saturación y el brillo son las tres características que describen el color. [8]
La teoría del color estudia la mezcla y las combinaciones de colores. Es una de las primeras cosas que marcó un enfoque de diseño progresivo. [7] En el diseño visual, los diseñadores se refieren a la teoría del color como un conjunto de orientación práctica para lograr ciertos impactos visuales con combinaciones de colores específicas. [ cita requerida ] El conocimiento teórico del color se implementa en los diseños para lograr un diseño de color exitoso. [10]
La armonía del color , a menudo denominada una "medida de la estética", [10] estudia qué combinaciones de colores son armoniosas y agradables a la vista, y cuáles no. [8] La armonía del color es una preocupación principal para los diseñadores, dado que los colores siempre existen en presencia de otros colores en la forma o el espacio. [10]
Cuando un diseñador armoniza colores, las relaciones entre un conjunto de colores se mejoran para aumentar la forma en que se complementan entre sí. Los colores se armonizan para lograr un efecto equilibrado, unificado y estéticamente agradable para el espectador. [8]
La armonía del color se logra de diversas maneras, algunas de las cuales consisten en combinar un conjunto de colores que comparten el mismo tono, o un conjunto de colores que comparten los mismos valores para dos de las tres características del color (tono, saturación, brillo). [8] La armonía del color también se puede lograr simplemente combinando colores que se consideran compatibles entre sí [8] como se representa en la rueda de colores .
Los contrastes de color se estudian con un par de colores, a diferencia de la armonía de colores, que estudia un conjunto de colores. En el contraste de colores, se colocan uno al lado del otro dos colores con diferencias perceptibles en aspectos como la luminancia o la saturación para crear contraste. [ cita requerida ]
Johannes Itten presentó siete tipos de contrastes de color: contraste de luz y oscuridad, contraste de tono, contraste de temperatura, contraste de saturación , contraste simultáneo, contraste de tamaños y contraste de complementarios. [8] Estos siete tipos de contrastes de color han inspirado trabajos anteriores que involucran esquemas de color en el diseño. [8]
Los esquemas de color se definen como el conjunto de colores elegidos para un diseño. A menudo están compuestos por dos o más colores que lucen atractivos uno al lado del otro y que crean una sensación estética cuando se usan juntos. Los esquemas de color dependen de la armonía de colores , ya que indican qué colores lucen agradables uno al lado del otro. [10]
Un producto de diseño satisfactorio suele ir acompañado de una combinación de colores acertada. Con el tiempo, se desarrollaron herramientas de diseño de color con la función de generar combinaciones de colores para facilitar la armonización de colores a los diseñadores. [11]
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La línea es un elemento del arte definido por un punto que se mueve en el espacio. Más específicamente, la línea se define como una serie de puntos, o la conexión entre dos puntos, o la trayectoria de un punto en movimiento. [13] La importancia de la línea proviene de su versatilidad, ya que sus características son significativamente expresivas. [14] Las líneas pueden ser verticales, horizontales, diagonales o curvas, también pueden aparecer como formas lineales que adquieren una calidad de enlace de línea, o como una línea sugerida percibida por los ojos mientras siguen una secuencia de formas relacionadas. La línea se puede utilizar en formas bidimensionales con el encierro de un espacio como contorno y la creación de forma, o en formas tridimensionales. Pueden tener cualquier ancho o textura, y pueden ser continuas, implícitas o discontinuas. Además de eso, hay diferentes tipos de líneas además de las mencionadas anteriormente. Por ejemplo, podría tener una línea que sea horizontal y en zigzag o una línea que sea vertical y en zigzag. Diferentes líneas crean diferentes estados de ánimo, todo depende de qué estado de ánimo esté utilizando la línea para crear y transmitir.
Un punto es básicamente el comienzo de “algo” en la “nada”. Obliga a la mente a pensar en su posición y ofrece algo sobre lo que construir tanto en la imaginación como en el espacio. Algunos puntos abstractos en un grupo pueden provocar que la imaginación humana los relacione con formas o figuras familiares.
Una forma se define como un área bidimensional que se destaca del espacio que la rodea o la limita con un límite definido o implícito, o debido a diferencias de valor, color o textura. [15] Las formas son objetos y formas reconocibles [5] y generalmente están compuestas de otros elementos de diseño. [16]
Por ejemplo, un cuadrado dibujado en una hoja de papel se considera una forma. Se crea con una serie de líneas que sirven como límite que le da forma al cuadrado y lo separa del espacio que lo rodea y que no forma parte del cuadrado. [5]
Las formas geométricas o formas mecánicas son formas que se pueden dibujar utilizando una regla o un compás, como cuadrados , círculos , triángulos , elipses , paralelogramos , estrellas , etc. [5] Las formas mecánicas, ya sean simples o complejas, producen una sensación de control y orden. [16]
Las formas orgánicas son formas irregulares [5] que a menudo son complejas y se asemejan a formas que se encuentran en la naturaleza . [16] Las formas orgánicas se pueden dibujar a mano, por lo que a veces son subjetivas y solo existen en la imaginación del artista. [5]
Las formas curvilíneas se componen de líneas curvas y bordes suaves. Transmiten una sensación más natural a la forma. Por el contrario, las formas rectilíneas se componen de bordes afilados y ángulos rectos , y transmiten una sensación de orden en la composición . Parecen más artificiales , estructuradas y hechas por el hombre . Los artistas pueden optar por crear una composición que gire principalmente en torno a uno de estos estilos de forma, o pueden optar por combinar ambos. [5]
La textura se refiere a las cualidades físicas y visuales de una superficie. [ cita requerida ]
La textura es la variación de los datos a una escala menor que la escala del objeto principal. [17] Si tomamos como ejemplo a una persona que lleva una camisa hawaiana, siempre que consideremos a la persona como el objeto principal que miramos, los patrones de su camisa se consideran textura. Sin embargo, si tratamos de identificar el patrón de la camisa, cada flor o pájaro del patrón es un objeto sin textura, ya que no se puede reconocer ningún detalle menor en su interior. La textura en nuestro entorno nos ayuda a comprender mejor la naturaleza de las cosas, ya que una carretera pavimentada lisa indica un paso seguro y una niebla espesa crea un velo sobre nuestra vista. [13]
La textura en el diseño incluye la superficie física literal empleada en una pieza impresa, así como la apariencia óptica de la superficie. La textura física afecta la sensación que se siente al tocar la pieza y también la forma en que transmite el diseño, ya que una superficie brillante, por ejemplo, refleja la luz de manera diferente a una superficie suave o con guijarros. Sin embargo, muchas de las texturas manipuladas por los diseñadores gráficos no se pueden experimentar físicamente, ya que se utilizan en el aspecto de la representación visual del diseño. La textura agrega detalles a una imagen de una manera que transmite la calidad general de una superficie. [13] Los diseñadores gráficos usan la textura para establecer un estado de ánimo, reforzar un punto de vista o transmitir una sensación de presencia física, ya sea al configurar un tipo o al dibujar un árbol. [13]
La textura táctil , también conocida como "textura real", se refiere a la textura física tridimensional de un objeto. La textura táctil se puede percibir mediante el sentido del tacto. Una persona puede sentir la textura táctil de una escultura al pasar la mano sobre su superficie y sentir sus crestas y abolladuras. [5]
La textura visual , también llamada "textura implícita", no es detectable por nuestro sentido del tacto, sino por nuestro sentido de la vista. [ cita requerida ] La textura visual es la ilusión de una textura real en una superficie bidimensional. [5] Cualquier textura percibida en una imagen o fotografía es una textura visual. Una fotografía de la corteza rugosa de un árbol se considera una textura visual. Crea la impresión de una textura real en una superficie bidimensional que permanecería suave al tacto sin importar cuán rugosa sea la textura representada. [16]
En pintura se utilizan diferentes pinturas para lograr distintos tipos de texturas. Las pinturas como el óleo , la acrílica y la encáustica son más espesas y opacas y se utilizan para crear impresiones tridimensionales en la superficie. Otras pinturas, como la acuarela , tienden a utilizarse para texturas visuales, porque son más finas y tienen transparencia, y no dejan mucha textura táctil en la superficie. [5]
Muchas texturas parecen repetir el mismo motivo . [5] Cuando un motivo se repite una y otra vez en una superficie, da como resultado un patrón . [16] Los patrones se utilizan con frecuencia en el diseño de moda o diseño textil , donde los motivos se repiten para crear patrones decorativos en telas u otros materiales textiles . [ cita requerida ] Los patrones también se utilizan en el diseño arquitectónico , donde elementos estructurales decorativos como ventanas , columnas o frontones , se incorporan al diseño del edificio. [ cita requerida ]
En el diseño, el espacio se relaciona con el área profunda dentro del momento designado para el diseño, en el que se llevará a cabo el diseño. En el caso de un diseño bidimensional, el espacio se relaciona con la creación de la ilusión de una tercera dimensión en una superficie plana: [16]
En el diseño visual, la forma se describe como la forma en que un artista organiza los elementos en la totalidad de una composición. [5] También puede describirse como cualquier objeto tridimensional . La forma se puede medir de arriba a abajo (altura), de lado a lado (ancho) y de atrás hacia adelante (profundidad). La forma también se define por la luz y la oscuridad. Puede definirse por la presencia de sombras en las superficies o caras de un objeto. Hay dos tipos de forma, geométrica (artificial) y natural (forma orgánica). La forma puede crearse mediante la combinación de dos o más formas. Puede realzarse con tono, textura o color. Puede ilustrarse o construirse.
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