Un violín barroco es un violín configurado a la manera de la música del período barroco . El término incluye instrumentos originales que han sobrevivido sin modificaciones desde el período barroco, así como instrumentos posteriores adaptados a la configuración barroca y réplicas modernas. Los violines barrocos se han vuelto relativamente comunes en las últimas décadas gracias a una interpretación históricamente informada , y los violinistas regresan a modelos de instrumentos más antiguos para lograr un sonido auténtico.
Las diferencias entre un violín barroco y un instrumento moderno incluyen el tamaño y la naturaleza del mástil , el diapasón , el puente , la barra del bajo y el cordal . Los violines barrocos casi siempre están equipados con cuerdas de tripa, a diferencia de las cuerdas metálicas y sintéticas más comunes en un instrumento moderno, y se tocan con un arco hecho según el modelo barroco en lugar del moderno arco Tourte . Los violines barrocos no están equipados con mentonera y se tocan sin apoyahombros .
El desarrollo del violín se inició en el siglo XVI. Los "violines renacentistas" de este período son de una amplia variedad de tamaños, desde pequeños pochettes hasta instrumentos contralbantes, agudos y tenores, a modo de consorte . Alrededor de 1610, Giovanni Paolo Cima escribió las primeras sonatas para violín, marcando el inicio de su uso como instrumento solista. [1] El tamaño y el diseño amplio del violín se volvieron bastante consistentes hacia el comienzo del período barroco, alrededor de 1660. [2] En los siglos siguientes, hubo una serie de cambios graduales en el violín y el arco. El efecto principal de estos cambios fue aumentar el sonido general y el volumen del instrumento, mejorar el rendimiento del instrumento en registros más altos y permitir frases legato más largas. Los violines barrocos actuales están configurados, en la medida de lo posible, a la manera de los violines utilizados entre 1650 y 1750.
No existía un modelo único de violín en el período barroco. Entonces, como ahora, los instrumentos eran fabricados por artesanos individuales, de diferentes maneras. Los instrumentos utilizados para tocar la obra de Claudio Monteverdi a principios del Barroco diferían un poco de los de los compositores del Barroco tardío. Como resultado, un intérprete moderno que toca repertorio de todo el período barroco pero que sólo puede permitirse un instrumento tiene necesariamente que hacer un compromiso con un instrumento que tenga características reconocibles del barroco, pero que combine imperfectamente con los instrumentos de cualquier parte del barroco. [3]
El mástil de un violín barroco puede estar en un ángulo menor con respecto al cuerpo del instrumento que en el caso de un violín moderno, pero nuevamente hubo una gran variación. El ángulo del mástil puede hacer que las cuerdas ejerzan menos presión sobre el puente. El mástil antiguo también generalmente estaba pegado a las costillas del violín y clavado desde el bloque superior interior a través del talón del mástil, más grueso y con una inclinación más suave, mientras que el mástil moderno está encajado en una abertura cortada en las costillas y el borde superior del violín. [4] El puente, a su vez, tiene una forma diferente, con menos masa y mayor flexibilidad en la mitad superior, debido a la ubicación alta de sus "ojos", agujeros a cada lado.
El diapasón de un violín barroco también es más corto que el de un violín moderno. Durante el período barroco aumentó el uso de posiciones más altas en el violín. En 1600, la nota más alta en uso regular era la C por encima de la cuerda E, mientras que en 1700 la nota A una octava por encima de la cuerda E era relativamente común (siendo, por ejemplo, la nota más alta utilizada en la música para violín de Bach). [5] Los violinistas virtuosos de todo el período continuaron superando los límites de las posibilidades, y se dice que Locatelli tocaba en la posición 22.
Los violines barrocos suelen estar encordados con cuerdas de tripa E, A y D, y una tripa G simple o una tripa G entorchada en metal. [6] Las tripas en cuestión son las de oveja, enrolladas en un material históricamente denominado "catline". ", y en ocasiones (aunque de forma inexacta) se le conoce como tripa de gato.
Los arcos barrocos generalmente parecen rectos o ligeramente curvados hacia afuera en el medio, con una elegante cabeza puntiaguda en forma de "pico de cisne". Por lo general, están hechos de madera de serpiente fuerte y pesada . Por el contrario, un arco moderno está hecho de pernambuco y tiene una marcada curvatura hacia adentro, particularmente cuando el cabello está relajado, y tiene una cabeza de "hacha" en ángulo recto con respecto al palo.
Los arcos sufrieron más cambios durante el período barroco que los violines. Los arcos de principios del siglo XVII se utilizaban indistintamente entre violines y violas . Eran particularmente cortos y ligeros, y muy adecuados para la música de baile. La música italiana de la primera mitad del siglo XVIII, por ejemplo la obra de Arcangelo Corelli , se tocaba con un arco más largo, más adecuado para notas largas y cantadas. Fue en respuesta a este deseo continuo de tocar más tiempo y con más legato que se introdujo la curva hacia adentro a mediados del siglo XVIII, y el arco moderno deriva de los diseños realizados por François Tourte a finales del siglo XVIII. [7]
El mecanismo de tornillo para cambiar la tensión del cabello se menciona por primera vez en un inventario de una tienda francesa de 1747. No fue aceptado universalmente durante más de una década, ya que los jugadores estaban perfectamente satisfechos con los modelos "clip-in": una rana extraíble que se sujeta mediante la tensión del cabello en una mortaja tallada en el palo, cuya tensión se ajustaba mediante cuñas entre el pelo y la superficie de la rana. Sin embargo, los arcos de estilo barroco que se fabrican hoy en día adoptan casi universalmente el mecanismo de tornillo.
Los arcos se hacían con el pelo de la cola del caballo.
Normalmente, un violín barroco se toca de una "manera histórica", utilizando una técnica y un estilo musical que pretende parecerse lo más posible a la interpretación barroca real. Debido a que este estilo había caído en desuso mucho antes de que se inventara la tecnología de grabación, los intérpretes modernos dependen en gran medida de la evidencia documental para recrear una técnica de estilo barroco. Luego aplican esta técnica a la música de la época, buscando en particular ediciones facsímiles o críticas de la música para reproducir, ya que muchas ediciones posteriores incluyen "mejoras" editoriales que se apartan de la práctica barroca.
Los primeros violines y violas normalmente se sostenían contra el lado izquierdo del pecho, debajo del hombro. En el siglo XVIII, la posición típica era un poco más alta, encima del hombro, con la barbilla ocasionalmente haciendo contacto con el violín. No se utilizan mentoneras ni hombreras: la mentonera que se utiliza universalmente en un violín moderno no se inventó hasta principios del siglo XIX, aunque Abbe Fils utilizó algún tipo de dispositivo para un propósito similar. Los reposahombros estaban ausentes, siendo un invento del siglo XX. [8]
La posición del violín afecta la capacidad de cambio del intérprete y, por tanto, el rango del instrumento. En la posición del pecho es fácil jugar en primera posición pero es difícil subir mucho. Es más fácil subir cuando el violín se sostiene sobre la clavícula, y es probable que el movimiento del violín a lo largo del cuerpo y el desarrollo del repertorio en posiciones cada vez más altas fueran de la mano. [8]
Incluso en la posición del barroco tardío, con el violín apoyado sobre la clavícula, el cambio de posición es más complicado que en un instrumento moderno, ya que se requiere el apoyo de la mano izquierda para mantener el violín en posición. (Por el contrario, la técnica moderna suele tener el violín firmemente encajado entre el hombro y la barbilla, manteniendo su posición incluso cuando la mano izquierda está ausente). En particular, cambiar de posición hacia abajo es más difícil.
Como resultado, los instrumentistas eligen digitaciones que resultan en pocos cambios o pequeños cambios "progresivos". Eligen cuidadosamente los momentos para los cambios, utilizando cuerdas al aire y puntos de articulación en la música donde los cambios de posición en la mano izquierda pueden realizarse de manera inaudible. Mientras que en el período romántico se utilizan a menudo cambios audibles ( portamento y glissando ), estos están ausentes en la interpretación barroca. Algunas fuentes barrocas indican el uso deliberado de una posición más alta en una cuerda más baja, típicamente para un piano o un efecto misterioso, pero en general se prefieren las posiciones bajas para una mayor sonoridad. [9]
En general, se acepta que el vibrato se usó con mucha más moderación en la interpretación barroca de lo que es típico en el repertorio romántico y que el uso continuo del vibrato data de principios del siglo XX, alrededor de la época de Fritz Kreisler . [10] Según este punto de vista, el vibrato se utilizó para lograr efectos en el período barroco, en notas largas o acentuadas, pero nunca en notas cortas o al final de ligaduras. [11]
En el capítulo 11 de su tratado sobre cómo tocar el violín, Leopold Mozart escribe:
El trémolo [vibrato] es una ornamentación que surge de la propia Naturaleza y que puede ser utilizada encantadoramente en una nota larga, no sólo por buenos instrumentistas sino también por cantantes inteligentes... Ahora bien, debido a que el trémolo no se toca puramente en una nota sino que suena ondulante, Así sería si cada nota se tocara con el trémolo. Hay intérpretes que tiemblan constantemente con cada nota, como si tuvieran parálisis. El trémolo sólo debe usarse en lugares donde la propia naturaleza lo produciría....
[12]
Esta creencia ha sido cuestionada por musicólogos que creen que no había un acuerdo universal sobre el significado del vibrato o el grado en que su uso era apropiado. [13] [14]
El influyente violinista barroco Francesco Geminiani recomendó que el vibrato se aplicara de forma continua, incluso en notas cortas.
Del Cercano BATIDO. Las Notas no pueden describir esto como en los Ejemplos anteriores. Para ejecutarlo se debe presionar fuertemente el Dedo sobre la Cuerda del Instrumento, y mover la Muñeca hacia adentro y hacia afuera lenta e igualmente [...] cuando se hace en Notas cortas, sólo contribuye a hacer más agradable su Sonido; y por esta razón se debe utilizar con la mayor frecuencia posible.
El compositor Jean-Jacques Rousseau escribió que el vibrato debería utilizarse "en todos los contextos donde la duración de la nota lo permita".
Incluso los autores críticos con el uso del vibrato constante reconocieron que se trataba de una práctica común. Por ejemplo, Robert Bremner escribe:
Muchos caballeros que tocan instrumentos de arco son tan aficionados al trémolo que lo utilizan siempre que pueden.
El debate sobre el uso del vibrato se complica por la terminología inconsistente y el desacuerdo incluso sobre el mecanismo del vibrato en los escritos de la época. [10]
Hoy en día se reconoce generalmente que el vibrato se utilizó más ampliamente en el Barroco, no exclusivamente para ornamentación, pero que el grado en que se utilizó varió significativamente según la región, el gusto individual y la moda que cambiaba rápidamente. [15] [16] [14]
Los arcos barrocos generalmente se sostienen de la misma manera que los arcos modernos, con el pulgar en la parte inferior del palo hacia la rana, aunque en el período barroco anterior también se usaba un "agarre francés" con el pulgar colocado en el pelo del arco. . [17]
Un aspecto importante, pero a menudo exagerado, de la interpretación barroca es la "regla del arco hacia abajo", que dice que cualquier tiempo acentuado, y en particular el primer tiempo de un compás, debe tocarse con un arco hacia abajo. El arco hacia abajo es naturalmente más fuerte que el hacia arriba gracias a la acción de la gravedad, y esta tendencia es aún más cierta con un arco barroco, que es rígido hacia la parte inferior y media y débil hacia la punta. En el violín romántico y posterior, esta tendencia natural se nivela lo más posible con el objetivo de producir frases melódicas claras. Sin embargo, gran parte de la música barroca se basaba en un fuerte énfasis rítmico, lo que hacía que el contraste entre el arco hacia arriba y hacia abajo fuera una virtud. [18]
La orquesta de Lully , en particular, imponía una estricta disciplina con el arco según la regla del arco hacia abajo, que fue documentada por Muffat . Si bien son importantes en la interpretación de música de baile, las reglas del arco se vuelven menos importantes cuando se trata de composiciones contrapuntísticas alemanas e italianas.
Los arcos barrocos tienen una gama de técnicas mucho más limitada que los arcos modernos. En particular, los golpes rápidos en la mitad superior ( detaché y martelé ), los golpes que se inician con un alto nivel de tensión entre el arco y la cuerda ( collé ) y los golpes deliberadamente rebotados ( spiccato y ricochet ) son inventos posteriores difíciles de lograr. con arcos barrocos y no son auténticos para una interpretación histórica.
En los tratados de la época se atestiguan dos golpes de arco principales. En pasajes rápidos de allegro, particularmente donde hay saltos entre notas, los intérpretes barrocos usaban un golpe de arco corto con las notas claramente separadas. Tartini aconsejó a un corresponsal que practicara tocar semicorcheas como semicorcheas seguidas de un descanso, aumentando gradualmente el tempo pero manteniendo la separación entre notas. Por el contrario, en los pasajes cantabile más lentos , debe haber poca separación entre las notas, pero se recomienda a los instrumentistas comenzar cada nota suavemente y desarrollarla para lograr un efecto, por ejemplo, usando una messa di voce . [19]
Hay varios manuales de interpretación musical de la época barroca. Entre los más importantes se encuentran El arte de tocar el violín [20] de Francesco Geminiani (Londres, 1752; fasc. rpt. Londres: Oxford Univ. Pr., 1952) y Versuch einer grundlichen Violinschule de Leopold Mozart (Augspurg 1756; trad. de Editha Knocker : Tratado sobre los principios fundamentales de la interpretación del violín [Londres: Oxford University Press, 1937, 1948, etc.]). Los investigadores de la interpretación históricamente informada también encuentran información relevante en la correspondencia de los músicos de la época, así como en los manuales dirigidos a los intérpretes de otros instrumentos. Sin embargo, el uso de estas fuentes no está exento de problemas. En ocasiones, las fuentes se contradicen entre sí y es posible que hayan dejado puntos "obvios" sin decir.
Los violines/violas barrocos alemanes y la viola da amores todavía eran fabricados por fabricantes alemanes hasta bien entrado el siglo XIX; En el taller de Johann Heinl en Böhmen se produjo en 1886 la tradicional versión antigua alemana de una típica viola barroca. Este estilo tradicional de viola estaba destinado principalmente a ser interpretado por grupos de música folclórica local alemana. Otra característica interesante de este instrumento es que tiene afinadores similares a la mandolina en lugar de un clavijero. La viola barroca de Heinl toca con buen volumen y también es adecuada para orquesta. Se le puede equipar una cuerda de Mi de viola, afinarlo en GDAE y tocarlo de la misma manera que un violín.
Estaba equipado con trastes extraíbles para poder tocarlo como viola da gamba . También podría tener una mentonera y tocarse como una viola da braccio o podría tener clavijas y tocarse como una viola de mesa. El diapasón es más corto, lo cual es típico de un instrumento barroco y afina CGDA como lo haría una viola moderna, pero tiene un sonido más profundo y rico, único en sí mismo.
Hubo otros fabricantes de violines alemanes de la misma época que Johann Heinl que continuaron produciendo antiguos instrumentos barrocos alemanes para el músico que deseaba especialmente un violín tradicional alemán. Un tipo interesante de patrón alemán antiguo hecho por Grunwald tiene un cuerpo similar en tamaño al del violín moderno pero con el diapasón una pulgada y media más largo que el estándar actual. Este cambio en la longitud del diapasón permite encordar el instrumento como un violín con las cuerdas afinadas en GDAE o como una viola haciendo que las cuerdas se afinen en CGDA o se instalaría un cordal más corto para permitir la afinación en GDAE en la octava del violonchelo y ser tocado como un violín tenor de tamaño mediano. A menudo se colocaban trastes que se podían quitar y volver a colocar fácilmente según las preferencias del músico. El violín de Grunwald de 1929 tiene siete barras de resonancia especiales que están unidas a la parte inferior de la placa superior para provocar un efecto de resonancia simpática que amplifica enormemente el sonido, más parecido a lo que se esperaría de una viola de 16 o 17 pulgadas. Aproximadamente en este mismo período, el propio Charles Manby inventó un diapasón con trastes para su marca de "violines de nuevo estilo", que fue una idea nacida de estos violines de finales del siglo XIX que tenían innovaciones y variaciones del período barroco en su diseño. Otro diseño de violín famoso que incorpora en su diseño facetas de variación del período barroco es el Gusetto, que es un diseño de viola del período barroco, y el patrón común de violín más moderno se unieron, creando un violín completamente único en sí mismo.
Los violines barrocos son parte del creciente interés por la interpretación auténtica que comenzó en la década de 1950 y aumentó durante las décadas de 1970 y 1980. Su uso refleja un intento de redescubrir el estilo de tocar el violín que mejor se adapta a la música de su época. Hoy en día, muchos luthiers ofrecen instrumentos de la familia del violín en configuraciones tempranas, aunque aún se desconoce mucho, dada la relativa escasez de instrumentos originales inalterados para estudiar. Por lo general, los instrumentistas de época intentan aprender el estilo y la estética apropiados para la música y los instrumentos en tratados de época y ediciones facsímiles. Esta práctica se conoce como desempeño históricamente informado (HIP).
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