La ejecución del violonchelo se realiza sentado con el instrumento apoyado en el suelo. Las puntas de los dedos de la mano izquierda detienen las cuerdas en el diapasón para determinar el tono de la nota digitada. La mano derecha pulsa o frota las cuerdas para hacer sonar las notas.
El violonchelo se toca sentado. Su peso se sostiene principalmente por su punta , o pico, que descansa sobre el suelo. [1] El violonchelo se sostiene sobre la parte inferior entre las rodillas del intérprete sentado, y sobre la parte superior contra la parte superior del pecho. El mástil del violonchelo se coloca por encima del hombro izquierdo del intérprete, mientras que la clavija de afinación de la cuerda C se coloca justo detrás de la oreja izquierda. El arco se coloca horizontalmente a través de las cuerdas. En los primeros tiempos, las violonchelistas femeninas a veces tocaban de lado, ya que se consideraba inapropiado que una dama separara las rodillas en público. [2] La lateralidad de un intérprete no altera la forma en que se sostiene o se usa el violonchelo. En casos raros, un intérprete ha utilizado una postura de imagen especular, generalmente debido a una discapacidad física del brazo o la mano que hace que la técnica requerida sea imposible para ese lado del cuerpo. En tal situación, el músico debe decidir si desea o no invertir la configuración del violonchelo (las posiciones de las cuerdas, la barra de graves, el poste de sonido, la forma del diapasón y el tallado del puente son todos asimétricos).
Las puntas de los dedos de la mano izquierda detienen las cuerdas a lo largo de su longitud, determinando el tono de cada nota digitada. Detener la cuerda más cerca del puente da como resultado un sonido más agudo porque la longitud de la cuerda vibrante se ha acortado. En las posiciones de mástil (que utilizan un poco menos de la mitad del diapasón más cercano a la parte superior del instrumento), el pulgar descansa en la parte posterior del mástil; en la posición de pulgar (un nombre general para las notas en el resto del diapasón) el pulgar generalmente descansa junto a los dedos en la cuerda y el lado del pulgar se usa para tocar notas. Los dedos normalmente se mantienen curvados con cada nudillo doblado, con las puntas de los dedos en contacto con la cuerda. Si se requiere un dedo en dos (o más) cuerdas a la vez para tocar quintas perfectas (en notas dobles o acordes), se usa plano. En una interpretación más lenta o más expresiva, el punto de contacto puede alejarse ligeramente de la uña hacia la yema del dedo, lo que permite un vibrato más completo.
El vibrato es una técnica expresiva que imita la voz en la oscilación del tono hacia arriba y hacia abajo. [3] [ ¿ Fuente no confiable? ] No se crea con un movimiento del brazo superior; más bien, es más un movimiento del antebrazo. El punto fijo de contacto de la punta del dedo en la cuerda absorbe este movimiento balanceándose hacia adelante y hacia atrás, con el pulgar típicamente alineado con el dedo medio. Este cambio en la actitud de la punta del dedo con respecto a la cuerda varía el tono. El uso del vibrato también es muy personal, algunos pueden preferir hacerlo más rápido mientras que otros pueden preferir hacerlo más lento. Dado que el vibrato generalmente se considera un dispositivo expresivo clave, una técnica de vibrato bien desarrollada es un elemento esencial de la habilidad de un violonchelista moderno.
Los armónicos tocados en el violonchelo se dividen en dos clases: naturales y artificiales.
Los armónicos naturales se producen tocando ligeramente (pero sin presionar) la cuerda con el dedo en ciertos lugares y luego tocando con el arco (o, en raras ocasiones, punteando) la cuerda. Por ejemplo, el punto medio de la cuerda producirá un armónico que está una octava por encima de la cuerda no digitada (al aire). Los armónicos naturales solo producen notas que son parte de la serie armónica de una cuerda en particular.
Los armónicos artificiales (también llamados falsos armónicos o armónicos detenidos), en los que el intérprete presiona la cuerda a fondo con un dedo mientras toca la misma cuerda ligeramente con otro dedo, pueden producir cualquier nota por encima del do central. Suelen aparecer con la nota que toca una cuarta perfecta por encima de la nota detenida , lo que produce un sonido dos octavas por encima de la nota detenida, aunque hay otros intervalos disponibles.
Glissando (que en italiano significa "deslizamiento") es un efecto que se realiza deslizando el dedo hacia arriba o hacia abajo por el diapasón sin soltar la cuerda. Esto hace que el tono suba y baje suavemente, sin pasos separados y discernibles.
En la interpretación del violonchelo, el arco es muy parecido al aliento de un intérprete de instrumentos de viento . [ cita requerida ] Podría decirse que es el principal determinante de la expresividad de la interpretación. [ cita requerida ] El brazo del arco se divide en tres partes independientes: el brazo, el antebrazo y la mano. La flexibilidad en las tres partes es necesaria para tocar de forma relajada y con el arco recto. La mano derecha sostiene el arco y controla la duración y el carácter de las notas. El arco se extiende a través de las cuerdas aproximadamente a mitad de camino entre el extremo del diapasón y el puente, en una dirección perpendicular a las cuerdas y paralela al puente.
El arco se sostiene con los cinco dedos de la mano derecha, el pulgar opuesto a los demás dedos y más cerca del cuerpo del violonchelista. La forma de la mano debe parecerse a la de su estado relajado, con todos los dedos curvados, incluido el pulgar. La muñeca se inclina ligeramente hacia las cuerdas al hacer un arco hacia arriba, manteniendo el arco recto al moverse. La transmisión de peso del brazo al arco se produce a través de la pronación (rotación hacia adentro) del antebrazo, que empuja el dedo índice y, en menor grado, el dedo medio sobre el arco. La contrafuerza necesaria la proporciona el pulgar. Los otros dos dedos se utilizan en diversos grados para ayudar a mantener el ángulo del arco con la cuerda y son fundamentales para controlar el arco cuando está fuera de la cuerda. [ cita requerida ] [4] (Véase también spiccato ).
La flexibilidad de la muñeca es necesaria para cambiar la dirección del arco de arriba a abajo y viceversa. Para movimientos muy rápidos del arco, se utiliza la muñeca para realizar el movimiento horizontal del arco. Para golpes más largos, se utiliza el brazo además de la muñeca. [ cita requerida ]
La producción de sonido y el volumen del mismo dependen de una combinación de varios factores. Los tres más importantes son: la velocidad del arco, el peso aplicado a la cuerda y el punto de contacto de las cerdas del arco con la cuerda. Cuanto más cerca del puente se toca la cuerda, más proyectado y brillante es el sonido, y el extremo ( sul ponticello ) produce un sonido metálico y brillante. Si se toca más cerca del diapasón ( sul tasto ), el sonido producido será más suave, más dulce y menos definido, lo que a menudo se enseña a evitar a los principiantes. [ cita requerida ]
El legato es una técnica que requiere que las notas se toquen con el arco de manera conectada sin interrupción del sonido entre cada nota. Se puede lograr mediante détaché , tocando cada nota con un arco separado de manera suave, sin interrupciones ni acentos entre los cambios de arco. También se puede lograr mediante ligadura [5] , o tocando múltiples notas sucesivas con un arco, lo que se indica en la música mediante una ligadura (línea curva) que marca por encima o por debajo, según su posición en el pentagrama, las notas del pasaje que se tocará en legato.
En el staccato , el ejecutante mueve el arco una pequeña distancia y lo detiene en la cuerda, produciendo un sonido corto, y el resto de la duración escrita se ocupa con silencio. En algunos casos, la nota marcada como staccato debe tocarse a la mitad de su valor, y la otra mitad es un silencio. En otras palabras, una negra se convertiría en una corchea con un silencio de corchea. [6] Se indica escribiendo un pequeño punto encima o debajo de una nota según su posición en el pentagrama.
En un tempo rápido , resulta difícil utilizar el arco para extraer el sonido de la cuerda en cada nota y se hace necesario golpear la cuerda con las cerdas del arco mientras se mantiene un cierto movimiento horizontal con el arco para tocar cada nota con claridad. Para tocar spiccato , el arco debe controlarse con la muñeca y los dedos en lugar de con todo el brazo, como es el caso al tocar legato. Como resultado, el arco rebota en la cuerda para producir un sonido nítido y percusivo, lo que hace que cada nota sea audible incluso en pasajes de tempo rápido.
Sautillé es una técnica que se utiliza para tocar notas con arco en un tempo animado que no es lo suficientemente rápido como para requerir spiccato. Cuando los tempos son demasiado rápidos para un détaché controlado, se hace necesario que el arco rebote ligeramente sobre la cuerda con la muñeca de una manera similar al spiccato. Sin embargo, cuando los tempos no son lo suficientemente rápidos para un spiccato completamente separado y con un sonido nítido, las notas permanecen ligeramente conectadas para crear un sonido de cepillado o restregado que resulta del golpe de sautillé.
Sul ponticello ("en el puente") se refiere a tocar con el arco más cerca del puente, mientras que sul tasto ("en el diapasón") requiere tocar con el arco más cerca del final del diapasón. (Al leer música, "tasto" también puede significar tocar con el arco en la posición normal después de haber estado tocando "ponticello") Ponticello requiere más peso del arco y una velocidad de arco más lenta, y produce un sonido "más duro", con un fuerte contenido de armónicos. Sul tasto, en casos extremos llamado "flautando", produce un sonido más parecido a la flauta, con más énfasis en la frecuencia fundamental de la nota y armónicos más suaves.
El músico que utiliza la técnica del col legno frota las cuerdas con la madera del arco en lugar de con las cerdas. Existen dos formas, el col legno battuto y el col legno tratto . El col legno battuto se interpreta como una técnica de percusión sin sostener el sonido. La alternativa mucho menos común es el col legno tratto , en la que la madera se arrastra a lo largo de la cuerda mientras las cerdas se desplazan en un movimiento normal del arco.
En las piezas musicales, con sord significa "con sordina" en italiano, y senza sord significa "sin sordina". La sordina es un dispositivo que normalmente está hecho de goma y sirve para amortiguar las vibraciones de los instrumentos de cuerda. En el violonchelo, se puede sujetar al puente cuando sea necesario y se puede quitar y colocar en las cuerdas debajo del puente cuando no se use. [7]
En el pizzicato , la cuerda se pulsa directamente con los dedos o el pulgar en lugar de tocarse con el arco. El pizzicato suele abreviarse como "Pizz". La posición de la mano es ligeramente por encima del diapasón y alejada del puente. Por lo general, esto se hace con la mano derecha, mientras que el arco se mantiene alejado de las cuerdas con el resto de la mano o (para pasajes más largos) se coloca hacia abajo. Se puede tocar una sola cuerda en pizzicato, o se pueden tocar notas dobles, triples o cuádruples. Ocasionalmente, un músico debe tocar una cuerda con el arco con la mano derecha y, al mismo tiempo, pulsar otra con la izquierda, o incluso posiblemente rasguear con ambas manos al mismo tiempo. Esto se marca con un "+" sobre la nota. También es posible rasguear acordes, al estilo de la guitarra.
Las notas dobles implican tocar dos notas al mismo tiempo. Se tocan dos cuerdas simultáneamente y se tensa el arco de manera que suenen ambas a la vez. También se pueden tocar notas triples y cuádruples (de manera "rota"), pero son difíciles de sostener debido al cambio de pendiente del puente. Para extender la técnica en esta área, Frances-Marie Uitti ha inventado un sistema de dos arcos: un arco toca por encima de las cuerdas y otro por debajo, lo que permite notas triples y cuádruples sostenidas. Sin embargo, esta técnica se ve o se utiliza muy raramente. [ cita requerida ]
El violonchelo es famoso por su timbre melódico, profundo y rico. Es uno de los instrumentos más importantes en la orquesta sinfónica, la música de cámara e incluso en la vertiente solista. Los distintos intérpretes de distintos países tienen su propio estilo de interpretación. Por lo general, la forma en que los violonchelistas interpretan el sonido, e incluso cómo utilizan sus digitaciones, está influenciada por la propia cultura musical de sus propios países. [ cita requerida ]
La Escuela Francesa tuvo un impacto que duró siglos y que continúa hasta nuestros días. La interpretación francesa suele considerarse en términos de refinamiento, fineza y elegancia. Sin embargo, durante el siglo XVIII en el norte de Europa, el violonchelo todavía se consideraba un instrumento humilde y rudimentario en comparación con la viola da gamba. La escuela francesa del violonchelo evolucionó gracias a la exquisita interpretación de Martin Berteau (circa 1700-1771). A pesar de mantener la técnica de arco por debajo de la mano de la gamba, su tono dulce y la profundidad de expresión influyeron enormemente en sus alumnos, Jean Pierre Duport , Tillière y Jean Baptiste Cupis. Berteau desarrolló un sistema de digitación sin esfuerzo, incorporando el uso del pulgar e introduciendo el uso de armónicos tanto naturales como artificiales, algo bastante inusual para el violonchelo en esa época. La digitación del violonchelo, pensaba, debería emular la interpretación del violín, donde cada dedo toca un semitono. [8]
En un principio, en la escuela alemana de violonchelo existían dos facciones de estilos: los que seguían a Bernhard Romberg (1767-1841) en Alemania y Friedrich Dotzauer (1783-1860) en Bonn . Bernhard Romberg , un destacado intérprete, es responsable de simplificar la notación del violonchelo. En esa época, compositores como Boccherini a veces escribían partes para violonchelo en cinco claves diferentes. Beethoven y Mozart, cuando escribieron para violonchelo en clave de sol, escribieron la música una octava más alta de lo que debía sonar. Romberg simplificó la notación, limitando la música para violonchelo a tres claves: la clave de fa, la de tenor y la de sol (que suenan donde se escriben). Romberg también introdujo un diapasón más largo, con un mástil más largo en el instrumento, lo que permite a los violonchelistas aventurarse en posiciones más altas utilizando el pulgar. Estableció la notación para el pulgar, un círculo con una pequeña línea (ver el diagrama) y también modificó el lado de la cuerda C del violonchelo para que pudiera resonar más. [9]
Mientras tanto, la corte de Dresde atrajo a algunos de los mejores músicos, entre ellos Friedrich Dotzauer . Aunque Dotzauer todavía tocaba sin pica, fue el primero en recomendar la sujeción del arco más cerca del núcleo (el extremo de ébano de la baqueta). Esto permitía un mayor control de la mano derecha y una mayor producción de sonido. También abogó por limitar el uso del vibrato. La belleza y la pureza del tono se convirtieron en primordiales. [10]
La escuela rusa se desarrolló un poco más tarde que sus contrapartes francesa y alemana, con cierta influencia de la escuela alemana. La primera persona notable en organizar su estilo de interpretación fue el violonchelista Karl Davydov . Recibió instrucción de Friedrich Grützmacher en Leipzig, lo que le proporcionó una base sólida sobre la que desarrolló aún más su técnica. Mientras que las escuelas alemanas ponen más énfasis en la técnica de la mano izquierda, Davydov también contribuyó a la técnica del arco. Introdujo una sujeción más suelta del arco y, especialmente, una muñeca relajada donde se usaba el dedo índice para controlar la presión. [11]
