La técnica Balanchine o método Balanchine es el estilo de interpretación de ballet [1] inventado por el bailarín, coreógrafo y profesor George Balanchine (1904-1983), y una marca registrada de la Fundación George Balanchine. [1] Se utiliza ampliamente en la actualidad en muchas de las obras coreográficas de Balanchine . Es empleado por compañías de ballet y enseñado en escuelas de toda América del Norte, incluido el New York City Ballet y la School of American Ballet , donde surgió por primera vez. [2]
En 1924, Balanchine abandonó la Unión Soviética y se unió a los Ballets Rusos de Sergei Diaghilev en París como coreógrafo y maestro de ballet . [3] Después de la muerte de Diaghilev en 1929, Lincoln Kirstein lo persuadió de venir a los Estados Unidos en 1934. Allí, con Kirstein como su socio, fundó la Escuela de Ballet Americano en la ciudad de Nueva York. [4]
Durante su estancia en Europa, Balanchine había comenzado a desarrollar su estilo neoclásico , en parte como reacción al anticlasicismo romántico que había llevado a una mayor teatralidad en el ballet. Su estilo se centraba más en el movimiento y la construcción de la danza en relación con la música que en la trama o la caracterización. Después de llegar a Estados Unidos, establecer su escuela y, finalmente, fundar el New York City Ballet , continuó perfeccionando los principios de la formación de sus bailarines. [5] Y al hacerlo, Balanchine introdujo un ideal estético que remodelaría la cultura del ballet estadounidense.
La visión de Balanchine exigía una delgadez extrema y enfatizaba atributos físicos específicos que, según él, serían los que mejor respaldarían el estilo distintivo, la combinación acrobática y la velocidad que requería su coreografía. Como resultado, prefería externamente un tipo de cuerpo particular (una forma esbelta y alargada con caderas delgadas y piernas largas) que, en última instancia, estableció un nuevo estándar para las bailarinas estadounidenses.
A lo largo de su carrera, en la que coreografió más de 450 ballets, continuó desarrollando su estilo y técnica de entrenamiento [6] con un énfasis constante en estos ideales corporales. Se convirtió, con diferencia, en la fuerza más prolífica de la comunidad de ballet del país [7] , lo que dio lugar a su legado perdurable. [8] [9]
El entrenamiento en la técnica Balanchine permite a los bailarines utilizar más espacio en menos tiempo, de modo que se potencia la velocidad, la expansión espacial y la musicalidad sincopada. Las características específicas incluyen las siguientes: [10]
*Suki Schorer ha descrito el arabesco de Balanchine como "más largo, más fuerte y más grande". Balanchine instruía a los estudiantes a "alcanzar diamantes" en ambas direcciones para que las manos del bailarín no estuvieran relajadas, creando una línea alargada. [11]
La técnica de Balanchine es ampliamente reconocida por su velocidad, capacidad atlética y uso expansivo del espacio. Sin embargo, su enfoque también reforzaba un estricto código estético que pone un énfasis considerable en la apariencia física de los bailarines, particularmente de las bailarinas. Balanchine creía que un cuerpo más delgado permitiría a los bailarines lograr una mayor sensación de "ligereza" y fluidez en el escenario. En consecuencia, la delgadez que exigía a su compañía se convirtió rápidamente en parte integral de sus expectativas estilísticas y, debido a su influencia, finalmente se expandió a la cultura del entrenamiento del ballet en su conjunto.
George Balanchine no solo era conocido por su innovadora coreografía, sino también por su particular enfoque en la enseñanza y el entrenamiento de bailarines, que trajo consigo a Estados Unidos. Su estilo de enseñanza era riguroso, aparentemente poco convencional en su época, y muy acorde con sus ideales estéticos. En la School of American Ballet, que cofundó en 1934, Balanchine desarrolló un plan de estudios diseñado específicamente para cultivar la velocidad, la precisión y la musicalidad, elementos centrales de su visión del ballet.
La técnica y la visión del ballet de Balanchine estaban estrechamente entrelazadas con sus creencias sobre la apariencia física ideal de un bailarín y, por lo tanto, estos ideales corporales desempeñaron un papel importante en su filosofía de enseñanza. Es famoso que defendiera un tipo de cuerpo particular que creía que se adaptaría mejor a su estilo coreográfico y esta preferencia ahora se conoce a veces como el "cuerpo Balanchine". Según los relatos de los estudiantes, a menudo alentaba a los bailarines a mantener pesos extremadamente bajos, diciéndoles que "debía ver [sus] huesos" y que "no comieran nada" [12] creyendo que mejoraría su agilidad y haría que la actuación fuera más hermosa.
El énfasis de Balanchine en la apariencia física y la técnica no sólo afectó a los bailarines individuales, sino que también estableció un nuevo estándar en todo el mundo del ballet. El entrenamiento en su técnica no sólo cultiva un estilo de baile único, sino que refuerza la asociación entre delgadez y éxito/deseabilidad, que ya está tan presente en nuestra sociedad. Sus ideales corporales y métodos de entrenamiento han influido en las expectativas de muchas compañías de ballet de élite, donde su preferencia por la velocidad, las líneas y la delgadez todavía se consideran rasgos deseables. Y a un ritmo cada vez mayor, estos estándares se citan como una razón por la que los bailarines de ballet enfrentan tasas más altas que el promedio de trastornos alimentarios.
La subcultura de las compañías formadas por Balanchine, en las que la apariencia física está vinculada al papel y las oportunidades del bailarín, ha contribuido a una narrativa cultural más amplia que equipara la delgadez con la disciplina, el control y el éxito profesional. Y el legado de las preferencias estéticas de Balanchine sigue siendo influyente en las principales compañías de ballet, incluido el New York City Ballet, donde los directores expresan explícitamente su preferencia por los bailarines que exhiben el "aspecto Balanchine". Como resultado, las expectativas culturales de delgadez en el ballet siguen siendo omnipresentes y, en última instancia, refuerzan los ideales estéticos que priorizan un físico ultradelgado como sello distintivo de la élite de la forma de arte.
Hacia el final de su vida, Balanchine habló de crear un "diccionario" de su técnica, una referencia visual para los estudiantes de ballet, pero nunca logró cumplir este objetivo. [13] Cinco meses después de la muerte de Balanchine en 1983, se formó la Fundación George Balanchine para preservar su legado. Se embarcó casi de inmediato en el primero de sus principales proyectos, The Balanchine Essays (2013), un proyecto de video producido y publicado por la fundación. [1] Bajo la dirección de la presidenta Barbara Horgan, la fundación cumplió su deseo al producir una serie de grabaciones de video que demostraban su técnica.
Las ex bailarinas principales del New York City Ballet, Merrill Ashley y Suki Schorer, son las cocreadoras del proyecto, en el que demuestran aspectos cruciales del estilo y la técnica de Balanchine (ambas marcas registradas de George Balanchine Trust). Los ensayos de Balanchine creados por Ashley y Schorer, "ofrecen más de nueve horas de discusión visual de las interpretaciones de Balanchine de la técnica del ballet clásico que no solo son educativas sino que también protegen los altos estándares que el propio Balanchine estableció para sus bailarines". [1] El proyecto fue dirigido por la veterana directora de artes televisivas Merrill Brockway y producido por Catherine Tatge, con Barbara Horgan como productora ejecutiva. El conjunto de diez DVD incluye los siguientes títulos: Port de Bras & Épaulement, The Barre, Arabesque, Jumps, Pirouettes & Other Turns, Passé & Attitude, Transfer of Weight y Pointe Technique and Pas de Bourrée .
El legado de Balanchine en la conformación de la técnica del ballet y la estética de los bailarines es profundo y duradero. Su influencia no solo transformó el ballet estadounidense, sino que dejó una marca indeleble en la cultura del ballet mundial. Hoy en día, el “cuerpo Balanchine” y los principios de su técnica siguen siendo celebrados y criticados. Los estándares que estableció, según relatos de primera mano de antiguos alumnos, han impulsado a los bailarines a lograr hazañas físicas notables, pero también han puesto de relieve los peligros mentales y fisiológicos que conlleva mantener un ideal tan exigente.