La Sinfonía n.º 7 en do mayor , Op. 105, es una obra de un solo movimiento para orquesta escrita entre 1914 y 1924 por el compositor finlandés Jean Sibelius .
La composición se caracteriza por tener un solo movimiento, en contraste con la fórmula sinfónica estándar de cuatro movimientos. Se la ha descrito como "completamente original en su forma, sutil en su manejo de los tempi , individual en su tratamiento de la tonalidad y completamente orgánica en su desarrollo" [3] y "el logro compositivo más notable de Sibelius". [4]
Después de que Sibelius terminara su composición el 2 de marzo de 1924, la obra se estrenó en Estocolmo el 24 de marzo con el título Fantasia sinfonica No. 1 , una " fantasía sinfónica ". El compositor aparentemente no estaba seguro de qué nombre dar a la pieza, y solo le concedió el estatus de sinfonía después de algunas deliberaciones. Para su publicación en 1925, la partitura se tituló "Sinfonía No. 7 (en un movimiento)".
El concepto de una sinfonía continua de un solo movimiento fue algo a lo que Sibelius llegó tras un largo proceso de experimentación. Su Sinfonía n.º 3 , de 1907, contenía tres movimientos, y un cuarto movimiento anterior se había fusionado con el tercero. El resultado final fue lo suficientemente exitoso como para que Sibelius utilizara la misma idea en su Sinfonía n.º 5 , completada en 1915. Aunque su primera mención de la n.º 7 se produjo en diciembre de 1918, la fuente de su material se ha remontado a alrededor de 1914, la época en la que estaba trabajando en la Quinta. [5]
En 1918, Sibelius había descrito sus planes para esta sinfonía como una obra que implicaba «alegría de vivir y vitalidad con secciones apasionadas ». La sinfonía tendría tres movimientos, siendo el último un «rondó helénico». [6] Los bocetos supervivientes de principios de la década de 1920 muestran que el compositor estaba trabajando en una obra de cuatro movimientos, no de tres. La tonalidad general parece haber sido sol menor , mientras que el segundo movimiento, un Adagio en do mayor , proporcionó gran parte del material para los temas que finalmente formaron la sinfonía. [6] El primer borrador superviviente de una sinfonía de un solo movimiento data de 1923, lo que sugiere que Sibelius puede haber tomado la decisión de prescindir de una obra de varios movimientos en ese momento. [6] Durante el verano de 1923, el compositor produjo varios borradores más, al menos uno de los cuales está en estado interpretable; sin embargo, el final de la sinfonía aún no estaba completamente elaborado. [6]
A medida que 1923 se convertía en 1924, Sibelius se distraía de su trabajo en la sinfonía por una serie de acontecimientos externos: la concesión de un gran premio en efectivo de una fundación de Helsinki, cumpleaños familiares y la composición de una serie de breves obras para piano . [7] Cuando regresó a la sinfonía, el compositor bebió grandes cantidades de whisky para, según afirmaba, estabilizar su mano mientras escribía en el papel manuscrito. [8]
Junto con su Sinfonía n.º 5 y n.º 6 , la n.º 7 fue el último lugar donde Sibelius recogió material de Kuutar , un poema sinfónico nunca completado cuyo título significa aproximadamente "Espíritu de la luna". [9] Esta obra ayudó a dar forma a las primeras partes de la n.º 7, aquellas creadas durante la composición de las n.º 5 y n.º 6. Uno de los temas de Kuutar , llamado Tähtölä (Donde moran las estrellas), se convirtió en parte de la sección Adagio de apertura de la n.º 7. [10]
Aunque la sinfonía aparentemente existió primero en forma embrionaria en re mayor , finalmente alcanzó la tonalidad original de do mayor . Hubo un tiempo en que componer en do se consideraba infructuoso: no tenía "nada más que ofrecer". [ cita requerida ] Pero en respuesta a esta sinfonía, el compositor británico Ralph Vaughan Williams dijo que solo Sibelius podía hacer que el do mayor sonara completamente fresco. Peter Franklin, escribiendo sobre la Séptima en el ciclo Segerstam - Chandos de sinfonías de Sibelius, llama a la conclusión dramática "la celebración más grandiosa del do mayor que jamás haya existido".
Sibelius vivió 33 años después de terminar la Séptima Sinfonía, pero fue una de las últimas obras que compuso. Completó una obra orquestal más importante, su poema sinfónico Tapiola . Sin embargo, a pesar de que hay muchas pruebas de que trabajó en una Sinfonía n.º 8 , se cree que Sibelius quemó todo lo que había escrito. Dejó la n.º 7 como su declaración final sobre la forma sinfónica.
La forma de la sinfonía es sorprendentemente original. Desde la época de Joseph Haydn , un movimiento en una sinfonía típicamente estaría unificado por un tempo aproximadamente constante [ cita requerida ] y alcanzaría variedad mediante el uso de temas contrastantes en diferentes tonalidades . Sibelius le dio la vuelta a este esquema. La sinfonía está unificada por la tonalidad de do (cada pasaje significativo en la obra está en do mayor o do menor ), y la variedad se logra mediante un tempo que cambia casi constantemente , [11] así como por contrastes de modo , articulación y textura . [12] Sibelius había hecho algo similar en el primer movimiento de la Sinfonía n.º 5 , que combina elementos de un primer movimiento sinfónico estándar con un scherzo más rápido . Sin embargo, la Séptima sinfonía contiene una variedad mucho más amplia dentro de un solo movimiento.
La sinfonía comienza con un suave redoble en los timbales seguido de una lenta y ascendente escala sincopada en do mayor (que comienza en el sol de los timbales) en las cuerdas, que conduce a un acorde inesperado en la tonalidad remota de la bemol menor . El intervalo de una sexta menor entre la nota inicial de sol y la nota final de mi bemol se ha interpretado como una referencia al comienzo de Tristán e Isolda de Wagner : el pasaje es seguido por acordes tomados de esa obra. [13]
![{ \new PianoStaff << \new Staff \relative c { \key c \major \time 3/2 \clef bass \tempo "Adagio" r4\p^"Strings" a4-- b4-- c4-- d4-- \< e4-- | f4-- g4-- a4-- b4-- \clave de sol c4-- d4--\! | <es ces as>2\fz\>^"Viento, Cuernos" s16\! } \new Staff \relative c { \key c \major \time 3/2 \clef bass << { s4 r8^"Bajo" a,4--^\< b4-- c4-- d4-- e8-- ~ | e8\! \stemUp f4-- g4--^\> a4-- b4-- c4--\! d8--^\p| } \\ { \stemDown s8_"Tiempo." \grace { \stemDown g,16 [g16] } g4^> s8 s2 s2 | s2 s4_"Tiempo." s8 g8~ \trino\p\< g2\! | es '4. \trill\mf r8 s16 } >> } >> }](http://upload.wikimedia.org/score/m/f/mf7hbi47u7rkz55cw7gqy29h1vaqp9c/mf7hbi47.png)
Unos compases más adelante, en el compás 11, se anuncia suavemente un motivo clave en la flauta y se repite en el clarinete:
Pronto se llega a un pasaje que suena más bien como un coral , con las violas y los violonchelos cantando suavemente una melodía similar a un himno que gradualmente se irá construyendo hasta el primer clímax de la sinfonía.
A medida que se acerca el clímax, la orquesta añade volumen e intensidad. En el clímax, el primer trombón anuncia la melodía principal de la sinfonía (compases 60-64), denominada « Aino » en los bocetos, en honor a la esposa del compositor . [14]
Este tema reaparece en momentos claves de la sinfonía, reafirmando cada vez la tonalidad Do.
En el compás 93 el tempo está marcado como Un pochett[ino] meno adagio (un poco menos lento). Pronto aparece en el oboe un nuevo tema en modo dórico , basado en la escala ascendente de los primeros compases (compases 94 y 95):
El tempo aumenta gradualmente ( affrettando ) en un largo pasaje secuencial que explora varias tonalidades. En el compás 134 el compás pasa de3
2en6
4aumentando la tensión. La tonalidad cambia a do menor:
Pronto el ritmo se acelera hasta llegar a Vivacissimo (muy animado), con acordes rápidos en staccato que se intercambian entre las cuerdas y los instrumentos de viento. La música se torna tormentosa con siniestras escalas ascendentes y descendentes en las cuerdas, mientras que el tema de " Aino " se escucha nuevamente en los instrumentos de viento:
La sinfonía contiene las siguientes marcas de tempo en estos puntos de la partitura:
Esta sección termina con una progresión de acordes desde La♭ hasta la tonalidad principal de la sinfonía, Do mayor, tomada directamente de la obra anterior de Sibelius, Valse triste de Kuolema . [15]
Los últimos cuatro compases vuelven al tempo inicial del Adagio . Lógicamente, debería ser más rápido que la música anterior, que era Adagio y luego Largamente molto (ampliándose, es decir, ralentizándose mucho), pero la mayoría de los directores reducen la velocidad. Las cuerdas tocan una versión del tema de los compases 11 y 12 contra un gran acorde de Do mayor sostenido por los instrumentos de viento metal y madera. Lionel Pike [16] describe la progresión de notas de Re a Do seguida de la progresión de Si ( equivalente enarmónicamente a Do♭) a Do en las cuerdas como la resolución final de la disonancia tonal creada por el llamativo acorde de La♭ menor de casi el comienzo de la obra (también, por ejemplo, el La♭ "disonante" se resuelve en Sol "consonante" en la sección inmediatamente anterior). La progresión de notas de Re a Do son también las dos primeras notas del tema recurrente "Aino" del trombón. Arnold Whittall describe este final como "triunfalmente abrupto". [17]
"Tengo en la cabeza las Sinfonías VI y VII, así como la revisión de la Sinfonía V". Esta nota en el diario de Sibelius del 18 de diciembre de 1917 es la primera mención explícita de la Séptima Sinfonía.
