La integración de las artes se diferencia de la educación tradicional por la inclusión tanto de la disciplina artística como de una materia tradicional como parte del aprendizaje (por ejemplo, usar habilidades dramáticas de improvisación para aprender sobre conflictos por escrito). El objetivo de la integración de las artes es aumentar el conocimiento de un área temática general. al mismo tiempo que se fomenta una mayor comprensión y apreciación de las bellas artes y las artes escénicas. El Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas define la integración de las artes como "un enfoque de enseñanza en el que los estudiantes construyen y demuestran comprensión a través de una forma de arte. Los estudiantes participan en un proceso creativo que conecta una forma de arte y otra materia y cumple con objetivos en evolución en ambos."
La integración de las artes está relacionada con la educación artística en las escuelas. La educación artística, si bien existió en diferentes formas durante el siglo XIX, ganó popularidad como parte de la Teoría de la Educación Progresista de John Dewey . La primera publicación que describe una interacción perfecta entre las artes y otras materias (integración de las artes) que se enseñan en las escuelas estadounidenses fue The Integrated School Art Program (1939) de Leon Winslow. Durante el resto del siglo XX, el papel de la educación artística en las escuelas públicas fluyó y tuvo altibajos con las inclinaciones políticas y el bienestar financiero del país.
Según Liora Bresler, durante las décadas de 1970 y 1980 surgieron dos defensores de la integración de las artes: Harry Broudy y Elliot Eisner. Broudy abogó por las artes basándose en el fortalecimiento de la imaginación. Broudy veía la imaginación como un componente esencial del aprendizaje que debía cultivarse en las escuelas, y abogó por la integración de la educación estética en todas las materias en su obra Enlightened Cherishing . Eisner siguió a Broudy y citó que las artes eran importantes para distintos tipos de cognición . Creía que las artes aportaban una comprensión más profunda del mundo debido a su interactividad: las artes mueven el aprendizaje más allá de lo escrito o leído. [1]
Cassandra B. Whyte enfatizó la importancia de las experiencias artísticas para que los estudiantes fomenten procesos de pensamiento creativos e independientes que serían importantes a lo largo de la vida de un individuo. Las artes ayudaron a los estudiantes a resolver problemas y tomar decisiones, y esas experiencias de procesamiento podrían adaptarse a situaciones generales de la vida. [2] Whyte abogó por incluir aspectos de la educación artística con experiencias de asesoramiento sobre identificación del locus de control para ayudar a los estudiantes de educación superior a desarrollar confianza en sus habilidades únicas para resolver problemas en el aula y en la vida. [3]
Anteriormente, la legislación Que Ningún Niño Se Quede Atrás describía la educación artística como "esencial para la educación de todos los niños" y la incluía como una de las materias básicas. [4] La legislación Que Ningún Niño Se Quede Atrás también enfatiza la responsabilidad a través de la evaluación (a menudo tomando la forma de una prueba estandarizada). Si bien no se ha ordenado una evaluación estandarizada en ninguna de las artes, la necesidad de responsabilidad académica en las artes, así como en otras áreas temáticas académicas, ha llevado a una mayor investigación y promoción de la integración de las artes y su impacto en el aprendizaje de los estudiantes. [5]
Actualmente, Common Core y sus adaptaciones cercanas están cambiando la forma en que las escuelas abordan el aprendizaje. El enfoque de Common Core hacia la integración del arte es que mejora la educación al hacer que el aprendizaje sea interesante y divertido. Ahora que Common Core se está convirtiendo en la norma para muchos distritos escolares de los Estados Unidos, los maestros están integrando el arte en el aula ahora más que nunca. El aumento de la popularidad de la integración del arte ha aumentado la cantidad de recursos disponibles para incluir el aula, lo que hace que sea más fácil que nunca utilizar la integración del arte en el aula.
El discurso de defensa de las artes presenta actualmente dos puntos de vista principales opuestos en apoyo de las artes en la educación. El primero apunta a fundamentos económicos de que el arte enseña "habilidades del siglo XXI", como la colaboración y la innovación, que sólo son necesarias como medio para generar productividad para el crecimiento del mercado. El segundo enfoque alternativo se centra en cambio en el valor filosófico de la investigación creativa que el arte inculca en los estudiantes, argumentando que el desarrollo permanente sin fin en mente es un hábito necesario que surge de la educación artística. La tensión entre la visión utilitaria centrada en el lugar de trabajo y el marco educativo centrado en el crecimiento sobre la promoción continúa dando forma y remodelando el universo de la educación artística a medida que las revisiones de los Estándares Nacionales Básicos de las Artes reflejan fluctuaciones en la retórica de la promoción. [6]
El impulso para la integración de las artes es un creciente cuerpo de investigación que demuestra cómo los estudiantes experimentan éxito cuando se les enseña por qué y cómo usar la música, las artes visuales, el teatro/danza, el teatro y las artes literarias para expresar y comprender ideas, pensamientos y sentimientos. Critical Links, [7] un compendio publicado por Arts Education Partnership (AEP [ enlace muerto permanente ] ), incluye 62 estudios que examinan la relación entre el aprendizaje artístico, el rendimiento académico y el desarrollo social de los estudiantes. [8] Los aspectos más destacados incluyen estudios que exploran el uso del teatro para aumentar la comprensión lectora de los estudiantes y estudios que examinan la relación entre la música y los conceptos matemáticos. La Arts Education Partnership también ha publicado The Third Space, [9] que describe diez escuelas integradas en las artes en los Estados Unidos .
Otra organización estadounidense que realiza investigaciones sobre la integración de las artes es Chicago Arts Partnerships in Education. [10] Ha publicado, a través de Lawrence Erlbaum Associates, Renaissance in the Classroom: Arts Integration and Meaningful Learning. [11] El libro, editado por Gail Burnaford, Ph.D, ex profesora de la Universidad Northwestern y actual profesora de la Universidad Atlántica de Florida; Cynthia Weiss, artista docente y ex asociada de CAPE (2000 a 2002); y Arnold Aprill, director fundador y creativo de CAPE, combina las contribuciones de doscientos setenta y dos participantes en las asociaciones de integración artística de CAPE. James Catterall, investigador en educación artística y profesor de la Escuela de Graduados en Educación y Estudios de la Información de la Universidad de California en Los Ángeles , ha colaborado con CAPE en publicaciones.
La Escuela de Graduados en Educación de la Universidad de Harvard apoya el Proyecto Cero, un grupo de investigación educativa fundado en 1967 por Nelson Goodman, que investiga el aprendizaje en las artes. Los ex directores del Proyecto Cero incluyen a David Perkins y Howard Gardner . Actualmente, está dirigido por Steve Seidel y ha ampliado su investigación en aprendizaje artístico para incluir otras ramas de la educación. [12] La teoría de las inteligencias múltiples de Howard Gardner se ha utilizado como parte de la justificación para el uso de modelos artísticos integrados en la enseñanza y el aprendizaje.
Durante más de 30 años, el Centro John F. Kennedy para las Artes Escénicas en Washington, DC, ha estado ofreciendo oportunidades de aprendizaje de integración artística para educadores. A nivel local, a través de su programa Cambiando la Educación a través de las Artes (CETA), el Centro Kennedy brinda aprendizaje profesional para educadores del área de Washington, DC que están implementando la integración de las artes en sus aulas o enseñando sobre una forma de arte. Para desarrollar una cultura de integración de las artes en toda la escuela, una red de escuelas CETA se asocia con el Centro Kennedy para involucrar a sus maestros en un aprendizaje profesional profundo centrado en la integración de las artes. El programa CETA se ha sumado a la investigación sobre el impacto de la integración de las artes en los estudiantes, los profesores y la cultura escolar a través de múltiples estudios de evaluación. Para llegar a los educadores de todo el país, el Centro Kennedy organiza una Conferencia anual de integración de las artes, en la que los educadores exploran activamente conceptos y estrategias de integración de las artes. El recurso en línea del Kennedy Center, ARTSEDGE, también alberga una serie web de recursos de integración de las artes que explican el "qué" y el "por qué" de la integración de las artes, proporciona ejemplos de integración de las artes en la práctica y enlaces a una variedad de recursos. Una serie de seminarios del Centro Kennedy para artistas docentes que se centran en la integración de las artes, así como en prácticas para desarrollar sólidas residencias integradas en las artes para estudiantes y talleres para profesores, están disponibles en todo el país. Cada dos años se ofrece un Seminario Nacional para Artistas Docentes en el Kennedy Center durante el verano. Otras tres iniciativas nacionales del Kennedy Center apoyan prácticas y asociaciones en la integración de las artes y la educación artística: Any Given Child, Partners in Education y VSA.
Kennedy Center Partners in Education, con sede en Washington, DC , es una organización que ha promovido la integración de las artes durante más de dos décadas. Si bien el Centro Kennedy realiza investigaciones sobre el aprendizaje artístico, también brinda oportunidades de establecer contactos para programas de educación artística en todo el país a través de la Red de la Alianza para la Educación Artística del Centro Kennedy (KCAAEN). Esta organización aboga por la educación artística, fomenta la colaboración entre artistas y escuelas para apoyar el aprendizaje artístico, desarrolla y lleva a cabo desarrollo profesional en educación artística para profesores y reconoce los logros en las artes. [13]
Desde la década de 1980, la Universidad Lesley en Cambridge, MA, ha estado educando a profesores de todo Estados Unidos en la implementación de la integración de las artes a través de un programa de maestría de desarrollo profesional. Un estudio de investigación de 2012, financiado por la Fundación Ford, encontró que los docentes que se gradúan del programa e integran las artes en su enseñanza son más resilientes y permanecen comprometidos con su profesión. Sus estudiantes participan en un aprendizaje profundo a través de actividades artísticas integradas, lo que genera un mayor interés en la escuela. [14]
La Facultad de Educación de la Universidad del Sur de Florida Sarasota-Manatee, ubicada en Sarasota, Florida, ha adoptado la integración de las artes en todos sus programas de preparación de educadores, brindando capacitación a maestros, líderes y especialistas que asumen roles educativos en sus carreras. A través de su Centro de Asociaciones para la Enseñanza Integrada de las Artes (PAInT)[1], el Colegio lleva a cabo actividades de investigación y servicios que benefician a sus estudiantes y a toda la región. [15] [16] [17] [18]
ArtsNow [2] ofrece formación de desarrollo profesional para educadores, centrada en desarrollar las habilidades necesarias para integrar las artes en el plan de estudios. A través del innovador curso de Capacitación Fundamental, los maestros aprenden a identificar oportunidades para integrar todas las formas de arte (visual, danza y música) en lecciones en todas las materias de la clase para los grados K-12, cumpliendo con los estándares curriculares estatales y nacionales (incluidos los estándares básicos comunes). . ArtsNow ofrece guías curriculares Ignite gratuitas a través de su sitio web. [19]
EducationCloset [3] proporciona desarrollo profesional en la integración de las artes y la innovación en la enseñanza. Con una conferencia anual de Integración de las Artes, un plan de estudios integrado de las artes, cursos, seminarios web y publicaciones disponibles, los maestros, artistas, educadores artísticos, administradores y defensores de las artes pueden encontrar recursos rigurosos y de alta calidad para la integración de las artes que se conectan con los Estándares Estatales Básicos Comunes y STEM. .
Con un enfoque en la práctica de la integración de las artes en el aula, una organización sin fines de lucro llamada Arts Integration Solutions (anteriormente la Fundación Opening Minds Through the Arts) [4] brinda desarrollo profesional para maestros y planificación e implementación de programas para escuelas y distritos escolares. AiS ha desarrollado un conjunto de principios que son la base para la integración de las artes y un ciclo que ayuda a los maestros a desarrollar lecciones diarias de matemáticas, ciencias, lectura y escritura que utilizan las artes para involucrar plenamente a los estudiantes. AiS ha desarrollado programación para el uso de la integración de las artes en la enseñanza de materias STEM (ciencia, tecnología, ingeniería y matemáticas) y alfabetización.
Las tres habilidades principales en educación que se consideran materias “básicas” para enseñar a los estudiantes incluyen matemáticas, escritura y comprensión lectora. Estas áreas importantes son consideradas por muchos como herramientas para el éxito del rendimiento estudiantil. Una consecuencia de enfatizar predominantemente estas tres áreas de estudio académico es una falta de atención a otras áreas importantes del académico, principalmente las artes. Ver las artes como algo insignificante ha tenido un gran impacto en la enseñanza de la creatividad a los estudiantes.
Recientemente, la importancia de enseñar artes a los estudiantes se ha considerado menos esencial que enseñar otros estudios básicos, especialmente por parte de los administradores escolares. Las instituciones educativas están intentando mantener los estándares federales para recibir financiación del gobierno. Estos estándares se centran predominantemente en materias como inglés y matemáticas y también reciben mucho énfasis durante las pruebas estandarizadas. Si las escuelas pueden mejorar el rendimiento estudiantil dentro de estas áreas, no se vuelven vulnerables a una pérdida o reducción de fondos federales. Robin Pogrebin del New York Times afirma: “En una época en la que la política del presidente Bush de “Que ningún niño se quede atrás” enfatiza los resultados de las pruebas, las artes no se prestan fácilmente a mediciones cuantificables”. [20] Por lo tanto, las escuelas están poniendo gran énfasis en enseñar a los estudiantes a sobresalir en estas áreas de estudio. Esto incluye más tiempo asignado para la instrucción de estas clases, así como una gran cantidad del presupuesto escolar para mejorar estos cursos.
Si bien una cantidad considerable del presupuesto educativo se gasta en estas importantes áreas de estudio académico, las escuelas están descubriendo que hay menos dinero para lo que algunos considerarían cursos no esenciales, como música y arte de nivel superior. Según la revista académica The Electronic Musician, “El 2 de marzo de 2011, tanto la Cámara como el Senado acordaron eliminar una serie de pequeños programas educativos en el Departamento de Educación de EE. UU., incluido el desfinanciamiento completo del programa Arts in Education, un subsidio de $40 Fondo de millones que apoya subvenciones competitivas e iniciativas nacionales”. [21] Si bien las pequeñas reducciones en los presupuestos son comunes durante una recesión, algunos estados han reducido drásticamente sus presupuestos para las artes. Según el Teaching Artists Journal, “En 2004, la financiación estatal total para las artes caerá a 272 millones de dólares, una disminución del 23% tan sólo el año pasado. Y casi dos tercios de esa disminución total provienen de recortes en sólo tres de los estados más afectados: California, Michigan y Florida”. [22] Si bien la reducción de la financiación para las artes se ha reducido casi una cuarta parte en diferentes áreas, los educadores a menudo luchan por mantener su programa artístico como una habilidad vital para enseñar a los estudiantes. Los fondos que se han reducido ahora no permiten que las artes proporcionen mobiliario y suministros, así como salarios de instructores que son esenciales para estos programas. Como resultado, los cursos de arte no son vistos con el mismo respeto y a los estudiantes se les niega una salida creativa dentro de su educación.
Los problemas presupuestarios y la reducción del gasto en artes han provocado que numerosas escuelas intenten encontrar fuentes adicionales para ayudar a respaldar su programa artístico. Los administradores escolares con frecuencia buscan fondos estatales para ayudar a financiar las artes. Las subvenciones y otros medios para financiar las artes son cada vez más frecuentes, pero son soluciones temporales para financiar estos programas. Las escuelas suelen trabajar con los gobiernos locales y estatales para recibir ingresos; sin embargo, numerosos gobiernos estatales están experimentando otros problemas de déficit presupuestario y rara vez pueden permitirse el lujo de financiar un programa de este tipo en la cantidad necesaria. Entonces, para ayudar a apoyar las artes, a menudo se necesita la ayuda de contribuyentes privados. Aún así, al igual que con las subvenciones, los contribuyentes privados no pueden donar suficientes fondos para apoyar adecuadamente las artes en la educación y no pueden contribuir de manera tan consistente como lo haría el gobierno. La financiación de las artes en la educación sigue siendo un problema importante y sin resolver para muchos distritos escolares de todo el país.
La defensa de las artes plantea la cuestión de cuán esencial es realmente enseñar las artes a los estudiantes. Debido al análisis estadístico de una deficiencia percibida en las habilidades matemáticas y de lectura de nuestros jóvenes, muchos padres sienten que la importancia de las artes es menos crucial que otras áreas fundamentales del estudio académico. Esto se debe, en parte, al hecho de que el arte se considera menos necesario en la fuerza laboral. Sin embargo, muchos defensores sostienen que los estudiantes de artes destacan en la interpretación y el análisis de información visual y espacial. Según la Evaluación Nacional del Progreso Educativo, "Los educadores han reconocido que las artes son básicas para la adquisición de una educación integral. Las artes dan significado al aprendizaje. Sirven como vehículo para adquirir las habilidades a las que los reformadores educativos han dicho Los estudiantes deben aspirar a: resolución de problemas, pensamiento de orden superior, flexibilidad, perseverancia y cooperación". [23] Estas habilidades que se adquieren a través de las artes son en realidad características necesarias en la fuerza laboral moderna. El énfasis en la importancia de las artes se convierte entonces en algo que beneficia a los estudiantes para sus futuras carreras. Si bien muchos ven las artes como inaplicables en la fuerza laboral moderna de hoy, muchos argumentarían que las artes brindan resultados positivos para los estudiantes que compiten en el competitivo mercado laboral actual.
Un problema que se plantea comúnmente es que “no todos los profesores son artistas”, lo que significa que no hay suficientes profesores capaces de hacer arte para enseñar en todas las aulas. Sin embargo, este no es el caso, ya que cualquier profesor puede convertirse en profesor de artes. Si bien el arte es, en esencia, increíblemente subjetivo, existe una base para cada práctica. En las bellas artes están los elementos y principios del diseño, la rueda cromática, etc. En la música está la teoría musical básica. En el teatro, existe una estructura de juego básica, una teoría de actuación, etc. Que un profesor pueda o no hacer estas cosas es irrelevante; si se pueden enseñar, esa información se puede transmitir del profesor al alumno. El objetivo no es crear artistas maestros, sino enseñar habilidades, procesos y calidad estética artística básica, y fomentar técnicas de enseñanza creativas. [24] Esta comprensión básica puede luego transmitirse a los estudiantes, quienes luego aprenden haciendo. Estas habilidades son simples y fáciles de aprender y enseñar, y serán infinitamente útiles en la creación de planes de lecciones y en la práctica. Una vez que se establece un entorno integrado en las artes, se pueden compartir técnicas, ejemplos e información entre colegas. [25] Pueden discutir los hallazgos y compartir lo que funciona y lo que no funciona en el aula.
La financiación y la promoción de las artes siguen siendo el problema más importante al que se enfrenta actualmente la enseñanza de esta importante área a los estudiantes. Muchos distritos y partidarios piden más fondos para garantizar el avance de las artes; sin embargo, hay poco dinero para compartir entre los numerosos programas educativos. Muchos temen que ciertos programas artísticos puedan ser eliminados de algunas escuelas debido a estas preocupaciones. Si bien la educación artística se considera una de las materias centrales de la Ley Que Ningún Niño Se Quede Atrás, hay muchos que temen por su futuro.
Las artes a menudo se perciben como un pasatiempo, un interés o una ocupación puramente recreativa. En una sociedad donde todo el sistema educativo se basa en preparar una futura fuerza laboral, se pone el foco en el campo STEM (Ciencia, Tecnología, Ingeniería y Matemáticas) y se descuidan las artes. En una época de inestabilidad económica, los recursos se distribuyen estrictamente y las artes suelen ser las primeras en ser recortadas. Sin embargo, las investigaciones sobre los efectos de la educación artística en el aprendizaje y el desarrollo de los niños muestran resultados positivos significativos en los niños expuestos a programas artísticos con supervisión docente en comparación con los niños no expuestos a la educación artística. Las investigaciones muestran que los niños expuestos a las artes obtienen mejores resultados en la escuela, desarrollan mayores habilidades sociales, cognitivas y emocionales y tienen más probabilidades de obtener mayores grados de educación en el futuro.
La participación en programas artísticos se correlaciona positivamente con un mayor rendimiento académico, incluidos puntajes más altos en matemáticas y SAT verbal, en comparación con el desempeño de los estudiantes sin educación artística. [26]
La investigación realizada por la Encuesta Longitudinal Educativa Nacional (NELS;88), un estudio de panel que ha seguido a más de 25.000 estudiantes en escuelas secundarias estadounidenses durante 10 años, muestra resultados significativos sobre los resultados positivos de los niños expuestos a las altas artes en la escuela con un maestro supervisando. . El estudio examina el tiempo desde el octavo grado hasta el décimo y duodécimo grado y durante toda la escuela secundaria. Además, este estudio, realizado por James Catterall y sus colegas, que comenzó a mediados de los años 90, hizo un seguimiento de los mismos estudiantes a los 26 años en 2009. [27]
Un estudio exploratorio publicado por la Asociación Nacional de Educación Artística analizó la integración de las artes en el plan de estudios del aula y concluyó que esta integración mejoraba el aprendizaje académico debido a la participación totalmente inmersiva de las artes, que permite a los estudiantes comprender diferentes perspectivas, asumir riesgos de manera segura, expresarse. sentimientos a través de modos menos restrictivos y establecer paralelos entre las artes y las áreas temáticas tradicionales. [28]
Un movimiento familiar en las escuelas de hoy es la alineación del plan de estudios con las inteligencias múltiples. La teoría de las inteligencias múltiples (IM) de Howard Gardner (1983), esbozada en su libro Frames of Mind, ha contribuido a la creciente conciencia del valor de las artes en el aprendizaje de los niños y en las escuelas de hoy. Educadores como Thomas Armstrong (1994) y David Lazear (1991) han ayudado a trasladar la teoría de Gardner, que es esencialmente un marco psicológico, al mundo de los profesores. Gardner sugirió que existen al menos siete inteligencias que la mayoría de las personas aportan al aprendizaje. De los siete, dos (lingüístico y lógico/matemático) parecen predominar en la mayoría de las aulas, aunque muchos niños tienen inteligencias dominantes en otros dominios. La teoría, con respecto a la escolarización, es que si ampliáramos el repertorio de prácticas docentes para incluir más atención a las capacidades de los estudiantes para usar sus inteligencias musical, espacial, intrapersonal, interpersonal y corporal/kinestésica, podríamos llegar a más niños. Aprovechar las fortalezas de los estudiantes a través de sus inteligencias más dominantes los prepara para aprender más plenamente”. [29]
Existe un consenso significativo entre las investigaciones sobre educación artística y es que las artes llegan a estudiantes a los que de otro modo no llegarían y que las artes llegan a los estudiantes de maneras a las que de otro modo no llegarían. [30] El fracaso de los estudiantes se explica comúnmente porque los estudiantes no están comprometidos y encuentran que las artes les brindan a los estudiantes una razón y una motivación para comprometerse con la escuela y así evitar que los estudiantes abandonen la escuela. [31] Esta motivación interna se puede examinar a través de la forma en que la participación en las artes mejora la autoconciencia, la confianza en uno mismo y el empoderamiento. Crear arte es una experiencia personal e involucra los recursos personales del estudiante, lo que implica una mayor implicación e inversión en una obra sin respuestas correctas o incorrectas. La inversión personal nutre el aprendizaje autodirigido y fomenta la experiencia de aprendizaje en sí, en lugar del aprendizaje como medio para obtener resultados en las calificaciones de los exámenes. La confianza, la colaboración y la creatividad que fomenta la educación artística tienen un efecto circular y positivo tanto en el ámbito académico como en el compromiso cultural. [26]
Estos cambios fueron medidos por el Inventario de Creencias de los Indios Americanos en cuatro grupos expuestos a la cultura nativa americana y un quinto grupo sin exposición cultural. Los cuatro grupos mostraron mejoras, mientras que el quinto grupo de control no. [32]
Estudios longitudinales han demostrado que los estudiantes con educación artística están más comprometidos cívicamente. Este efecto sociocultural de la integración artística es desproporcionadamente más fuerte para los estudiantes en riesgo. [33]
Las investigaciones sobre la contribución de las artes al campo cognitivo muestran una gran variedad de desarrollos cognitivos en las habilidades espacio-temporales, las habilidades verbales, la memoria y el razonamiento espacial. Un estudio de Chan et al. El uso de sesenta estudiantes universitarias en los EE. UU. mostró una relación entre la formación musical de los estudiantes antes de los 12 años y su memoria verbal. Los estudiantes con formación musical mostraron una memoria significativamente mejor que aquellos sin formación formal. Un metaanálisis de la Asociación Americana de Psicología demostró además cómo escuchar música puede producir una relajación progresiva y que escuchar música clásica una hora al día aumenta una mayor coherencia cerebral y pasa más tiempo en el estado alfa (estado de relajación consciente que estimula la imaginación, intuición y conciencia superior). [34] Los estudios en bebés prematuros también han encontrado que, mientras recibían cuidados especiales y estaban expuestos a la música clásica, se desarrollaban física y mentalmente significativamente más rápido que aquellos bebés que no estaban expuestos a la música clásica. Otros estudios también han indicado que la incorporación del arte en la educación académica de niños discapacitados favoreció mejor el desarrollo cognitivo y mejoró las habilidades de comunicación. [35]
Jessica Davis presenta ocho marcos diferentes para considerar el papel de las artes en la educación. [36] [37] Sus categorías y métodos son los siguientes:
A menudo resulta difícil integrar plenamente las artes con la instrucción tradicional en el aula de una manera que permita el modelo arte-cultura. Esto se debe en gran medida a la desconexión entre los profesores de arte y los profesores de otras materias, a quienes no se les da el tiempo o la capacidad para coordinar y entrelazar planes de lecciones que apliquen el arte a las materias básicas y viceversa. [36]
A medida que la tecnología avanza continuamente, la integración de las artes evoluciona para adaptarse. El desafío de integrar las artes en la educación actual que prioriza la tecnología no radica en implementar laboratorios de producción en los campus escolares o acceder al software informático más reciente, sino más bien en gestionar eficazmente la gran cantidad de información que la tecnología pone a disposición. Los estudiantes deben aprender a seleccionar datos relevantes, evaluarlos y extraer críticamente de ellos para encontrar significado, responder preguntas o formular otras nuevas. La tecnología también presenta más canales de expresión, ya sea a través del arte digital o la inteligencia artificial, [38] que, si se apoyan en la integración de las artes y la tecnología, pueden cultivar la investigación que defiende la educación artística. [39]
La Organización de las Naciones Unidas para la Educación, la Ciencia y la Cultura (UNESCO), una agencia especial de la ONU que opera desde París, Francia, aboga por la necesidad de integrar las artes, la cultura y la creatividad en todas las plataformas educativas del mundo. Esta agenda está en línea con la estructura de “Educación de Calidad” y “Educación para Todos” para apoyar metodologías de promoción y protección de la diversidad de manifestaciones culturales. Por ejemplo, la UNESCO en Bangkok tomó la iniciativa de mantener actividades de investigación relacionadas con la educación artística y el intercambio de información junto con estudios de casos entre educadores, artistas y otras partes interesadas de Asia y el Pacífico. El primer congreso internacional sobre educación artística se celebró en Seúl (Corea) en 2006 y el segundo en 2010. [40]
Debido a la actual recesión económica, muchas escuelas de todo el mundo ven sus programas artísticos cortados en favor de materias básicas del plan de estudios como inglés, matemáticas y ciencias. A pesar de la falta de posibilidades laborales aparentes y seguras dentro de las artes y la necesidad apremiante de una fuerza laboral fuerte dentro de los campos STEM (Ciencia, Tecnología, Ingeniería y Matemáticas), las investigaciones muestran que la educación artística es crucial en el proceso de aprendizaje y desarrollo de los niños. En 2013, una resolución del Congreso buscó incluir la "A" de Arte en el acrónimo STEM, cambiándolo a STEAM. [41] Los estudios muestran que los niños expuestos a la educación artística durante la niñez hasta la escuela primaria, secundaria y terciaria muestran mayores puntuaciones en logros académicos, así como un mayor desarrollo social, cultural, emocional y cognitivo. Algunas de las mejoras medidas son una mayor confianza en uno mismo, habilidades comunicativas, conciencia cultural y sensibilidad junto con una mayor creatividad estimulada y un rendimiento académico general.
{{cite book}}: |last=tiene nombre genérico ( ayuda )Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace ){{cite journal}}: Mantenimiento CS1: varios nombres: lista de autores ( enlace )