El mobiliario isabelino es la forma que adoptó el Renacimiento en Inglaterra en cuanto a mobiliario y ornamentación en general, y en cuanto a mobiliario es una forma tan distintiva como sus contrapartes francesas e italianas.
Durante muchos años, la arquitectura gótica se había ido orientando hacia las líneas bajas del estilo Tudor , algo impulsada por los efectos generalizados del trecento italiano . Sin embargo, la insularidad física y mental de Inglaterra hizo que el cambio absoluto fuera un proceso muy lento, y no se logró del todo durante el reinado de Isabel I. Así, en lugar de la exquisita ligereza de los arcos apuntados y ojivales , un arco de la época de Enrique VIII apenas se eleva por encima del nivel de un dintel recto, bajo enjutas cuadradas .
Los efectos del Renacimiento italiano se extendieron lentamente a Inglaterra, aunque entre los artistas de la corte Tudor había muchos inmigrantes de ambientes más avanzados. Pietro Torrigiano , Holbein y otros estaban en contacto con los últimos movimientos del continente.
Mucho después de eso, Shakespeare encuentra ocasión para hablar de
...modas de la orgullosa Italia, cuyas costumbres nuestra tardía y simiesca nación todavía cojea imitando.
El propio rey Hal, que tenía un gusto por la novedad y el esplendor que se inclinaba amablemente hacia las modas extranjeras, y la pompa de la época de Jacobo I , "el tonto más sabio de Europa", no había producido un efecto inmediato con las ocurrencias y artimañas a través de las cuales, con el tiempo, el estilo isabelino degeneró en el jacobino .
Y si el movimiento fue tardío incluso entonces, fue aún más lento en la era Tudor anterior que en los tres cuartos de siglo que precedieron a la era isabelina . A pesar de unos pocos artículos de mobiliario renacentista adquiridos en el extranjero para la familia real o algunos miembros de la alta nobleza, una mezcla bárbara de lo antiguo y lo nuevo prevaleció todavía en Inglaterra en la época en que Francia disfrutaba del estilo consumado de Enrique II y en que Italia se deleitaba con las fantasías perfectas del Cinquecento italiano .
El término isabelino se ha utilizado de forma específica en relación con el Renacimiento, más que exactamente en relación con los estilos ingleses; pues en realidad comenzó algunos años antes de que naciera Isabel y se extendió durante algunos años después de su muerte, y sólo entonces recibió su pleno desarrollo. No es del todo posible fijar los límites exactos de las diferentes variaciones de un estilo principal, ya que un matiz se superpone y se mezcla con otro. Así, hay sillas con respaldos extremadamente altos y estrechos y pequeños asientos cuadrados que se denominan isabelinos, pero que se usaron con prácticamente el mismo ornamento durante un período anterior indefinido, y hay palacios y residencias de campo construidas en los últimos días de Isabel, pero decoradas con las características adicionales que pertenecen más particularmente al jacobino. En el Louvre y la antigua armería, la parte superior está perforada con todas las foliaciones góticas del Flamboyant , mientras que la parte inferior está decorada con paneles tallados con todos los caprichos más ricos del Cinquecento. [1]
Los intentos de clasicismo están por todas partes en la época isabelina. De vez en cuando, en una repisa de chimenea, el intento casi tiene éxito y el resultado es un objeto sumamente majestuoso y hermoso con columnas acanaladas, arquitrabe y friso. Pero el trabajo mal ejecutado tiene algunos pilares y pilastras con detalles mal entendidos, una correa a menudo abrochada y abrochada alrededor de ellos, algunas volutas y rosetas torpes, con máscaras y bustos de los antiguos, figuras humanas mal dibujadas dispersas y aquí y allá enormes términos, cabezas que se elevan desde jarrones planos o pedestales que se estrechan en la base.
Las columnas griegas de una singular desproporción forman la estructura principal de los armazones de las camas, las mesas y los armarios. Estas columnas se caracterizan por su torpe grosor y, en uno de los primeros errores de interpretación del clásico que marcan el estilo, se elevan desde enormes racimos esféricos de follaje, normalmente de acanto . Aproximadamente a la mitad de su longitud, estas columnas suelen estar interrumpidas por otro enorme racimos esféricos; en este, a veces la mitad del follaje crece hacia abajo, la otra mitad hacia arriba, y está dividido en el medio por una cuidadosa correa y hebilla; en ocasiones, la mitad superior de este globo está ausente. La parte inferior de las columnas suele estar cubierta de arabescos y la mitad superior simplemente estriada, o bien cubierta con una fina talla imbricada. En algunas de las mesas, en lugar de columnas, una especie de cariátide —media figura femenina, ni exactamente esfinge ni monstruo, ataviada con correas y terminada en toscas volutas— formaba el soporte en cada una de las cuatro esquinas.
Las mesas que se sostenían de esta manera eran construcciones poderosas, que a veces se podían separar para extenderlas, pero que con frecuencia estaban unidas por barras transversales firmes y eran casi inamovibles por su peso. En los gabinetes, la parte inferior era generalmente un armario cerrado, revestido y ornamentado, con términos entre las diferentes divisiones; la figura que salía del jarrón era ahora sólo una cabeza, y ahora dos tercios del total; la parte superior sobresalía y estaba sostenida por las grandes columnas; y todas las superficies estaban enriquecidas con esculturas según el estilo aprobado.
De las camas con baldaquinos y cornisas pesadas, la Gran Cama de Cerámica sigue el estilo, aunque su tamaño es una caricatura. Sir Toby Belch habla de este mueble cuando aconseja a Sir Andrew Aguecheek : "Y todas las mentiras que quepan en tu hoja de papel, aunque la hoja sea lo suficientemente grande para la Cama de Cerámica de Inglaterra, colócalas; adelante". Aun así, hay que recordar que su tamaño de doce pies cuadrados no era en absoluto inusual, y lo igualaban otras camas del continente. [1]
Aunque su curiosa traducción de formas clásicas es significativa, la correa y la hebilla predominan sobre todo lo demás. [1]
El trabajo con correas, junto con el trabajo con escudos, fue muy destacado en el estilo de Enrique II. Era un método ornamental particularmente aplicable a la joyería y al trabajo en oro. Cellini lo utilizó en su totalidad. "Por lo tanto, hice cuatro pequeñas figuras de niños", dice, "con cuatro pequeños grotescos, que completaban el anillo; y le añadí algunas frutas y ligaduras en esmalte, de modo que la joya y el anillo parecían admirablemente combinados". Tanto en la obra francesa como en la italiana, el método se mezcló con un mejor detalle clásico y con una imitación natural más fina, pero en el propio estilo sarraceno la tracería no fue tan prominente como en el isabelino. Si el tipo era escaso, su juego de líneas era infinito: una curva llevaba a otra, una complejidad a otra, y sobre todas las superficies ornamentadas, las volutas que sostenían otras formas —paneles, escudos o máscaras—, las figuras, las formas de joyas facetadas, se abrían en sucesiones y secuencias de correas y cintas entrelazadas y que se escapaban, y se transformaban en la representación de todos los alegres hebillas y arneses de la caballería .
Estas cintas, correas y hebillas siempre tenían una superficie plana, aunque su forma y situación fueran curvas, y se elevaban desde el fondo en ángulos rectos, como lo harían las correas reales si se colocaran de forma plana, sin utilizar contrastes de luz y sombra, sino buscando únicamente el efecto de una línea que persigue a otra. Cuando el uso del cartucho se generalizó, una forma de luz y sombra vino en ayuda de este tipo de ornamento, ya que los soportes del escudo a menudo estaban perforados con innumerables aberturas, en forma de medialuna, romboidal, circular, rectangular, aparentemente en un mero calado al azar, pero que se revelaba en una vista general como una repetición de las correas y las cintas con los contornos de su perforación. Si bien este escudo perforado, con sus innumerables planos y curvados, llegó a adquirir más importancia más adelante en el jacobino, no había nada en el isabelino que no estuviera ornamentado con el trabajo de correas de una forma u otra.
Las enormes mamparas entre los lados de las habitaciones o las paredes mismas estaban llenas de florituras de esta tracería tallada, como se ve en Crewe Hall . Incluso los techos se ajustaban al estilo tallado. Hay pocos efectos más grandiosos en la decoración de interiores que las curvas y ángulos entrecruzados de un alto y antiguo techo isabelino. Por supuesto, en el uso de la correa y el escudo, la heráldica y sus escudos y crestas entraron en gran medida en el ornamento isabelino. Las insignias del escudo de armas, colocadas en todas las formas y rodeadas por todos los mantos curiosos que se pudieran idear, aparecían en todas partes junto con el lema familiar y con las iniciales entrelazadas del esposo y la esposa, sobre los portales, sobre las paredes muertas, sobre la chimenea; y las escaleras estaban decoradas con monstruos tallados sentados en las balaustradas y sosteniendo ante ellos las armas de la familia, con frecuencia luciendo como si acabaran de escapar de uno de los cuarteles. Incluso una habitación así a veces tenía mezclas estilísticas, como los revestimientos de madera que se colocaban en los pequeños paneles cuadrados o en los paneles de pergamino de los reinados anteriores, o en los paneles de arco redondo peculiares del propio período isabelino, cuyas representaciones en miniatura y abiertas se pueden ver en el respaldo de la silla hecha con la madera del barco de Sir Francis Drake . [1]
Sin embargo, en el estilo isabelino el gótico nunca se olvida del todo. Sus líneas verticales siempre rompen la horizontalidad del clásico invasor; sus reverendos monstruos miran con especial crueldad el fantástico de los nuevos monstruos que Cellini describió como la promiscua raza de animales y flores; sus ornamentos insisten en su derecho ante los griegos; en la arquitectura sus frontones todavía se alzan, aunque con un horizonte roído por las volutas como los gusanos roen los lados de una hoja; y en el mobiliario su cornisa remata las tapas de esos armarios cuyos frentes son las fachadas de los templos. La firme mente inglesa se aferró al viejo orden de cosas y renunció con renuencia a las últimas reliquias de un estilo que había sido parte de su vida durante siglos. Si debía tener el huevo y el dardo, también conservaría la flor Tudor. Así, todo el Renacimiento que llegó a Inglaterra después de que las sangrientas Guerras de las Dos Rosas permitieran pensar en arte y lujo, pagó un precio al gótico en el camino, y el resultado fue una mezcla singular, pues el gótico ya se había olvidado y el renacimiento nunca había sabido por qué había existido. Es más bien el talento con el que se manejó la mezcla de materiales, las amplias masas, aunque la curiosa elaboración, y la escala de magnificencia, lo que da al estilo su encanto, más que cualquier cosa en su composición original y bastarda. [1]
El Renacimiento isabelino llegó a Inglaterra a través de los Países Bajos . La importación de muebles a Inglaterra desde Flandes y Holanda fue tan importante que cien años antes se había promulgado una ley que prohibía esta práctica; sin embargo, la carpintería tallada era uno de los artículos comerciales más importantes con los Países Bajos, y las casas de campo de Inglaterra de este período estaban repletas de artículos de artesanía holandesa y flamenca.
Las influencias históricas incluyen:
Ya sea por alguna de estas causas o por razones puramente comerciales, lo que pasó a formar parte del estilo de mobiliario isabelino fue el armario holandés, muy pesado y sobrecargado, y la mesa con grandes patas en forma de columna capaces de sostener enormes fuentes, ambas cubiertas con adornos flamencos. Mucho tiempo después se fabricaron en Holanda muchas falsificaciones de este estilo debido a su alto valor.
Es esta importación y costumbre la que explica en parte el carácter de los artículos isabelinos, pues los flamencos, aunque aficionados a la magnificencia y acostumbrados a todo el esplendor de la corte borgoñona , nunca llegaron a ser maestros absolutos del estilo italiano plenamente desarrollado. Tampoco dominaban los flamencos tan a fondo sus materiales como para que su ejecución respondiera plenamente a sus ideas. Tanto la mano de obra alemana como la española se acercaban mucho más al espíritu completo del Renacimiento, y esta última dejaba poco que desear. Sin embargo, se considera generalmente que la flamenca es la talla más espectacular del norte. Aunque los franceses trataron la figura humana con ligereza y fantasía, sus dibujos tendían a ser incorrectos, como por ejemplo al dar demasiado peso y tamaño a la cabeza. Sin embargo, después de algunos años, la obra flamenca perdió dignidad y atractivo. Estaba plagada de trabajos torneados cortados por la mitad y pegados, con paneles superpuestos y entrecruzados entre sí en ángulos extraños y con colgantes engorrosos en las esquinas, todos los cuales eran perjudiciales y muchos de ellos feos. En el último período del estilo isabelino, los propios italianos pudieron haber proporcionado artistas y trabajadores para los muebles, pero debieron haber trabajado obstaculizados por los gustos y prejuicios que existían a su alrededor. Una cierta rudeza en el tallado prevalece en toda la parte inicial del estilo, y se considera que le da amplitud al efecto. Los antiguos talladores no ocultaron ninguno de los medios con los que lograron sus fines, e incluso dejaron las marcas de las herramientas a la vista. [1]
En la parte del período isabelino que a menudo se considera como jacobino, aunque no fue más que el desarrollo más completo del primero, las excrecencias globulares de las columnas se alargaron hasta convertirse en soportes igualmente vastos y mucho más feos en forma de bellota. Se utilizó entonces una gran cantidad de trabajo de marquetería, y la talla hizo todo lo posible por alcanzar y reproducir las ideas del Cinquecento. De hecho, se le llama el período Cinquecento del arte inglés, ya que todas las superficies son rugosas con arabescos de grifos , jarrones, rosetas, delfines, volutas, follajes, cupidos y sirenas con colas dobles enroscadas a ambos lados. Mientras tanto, el cartucho y sus correas —ligaduras se llamaban en Italia, cueros en Francia y Flandes— todavía se usaban a menudo.
Las conchas de vieira recibieron una cuota particular de favor, ya que habían sido traídas recientemente de mares extranjeros, y los diseñadores que necesitaban otras formas se apoderaron de ellas inmediatamente. Los flamencos hicieron asientos que encerraban al usuario en las válvulas de esta concha, tallada con la suficiente rudeza para justificar su excentricidad. El diseño del respaldo de concha de vieira para sillas se asocia con el diseñador Francis Cleyn, que trabajó en Inglaterra desde la década de 1620. [2] En esta época se hacían sofás cuyos respaldos consistían en varias conchas inmensas como las de estas sillas de cámara dorada de Holland House ; [3] y la misma idea de decoración se asoma en los volantes en forma de abanico en cada rincón libre del renacimiento neojacobino del estilo. Estas formas de muebles de concha pueden ser adecuadas para una casa junto al mar, pero deben haber estado singularmente fuera de lugar en tierra firme y entre los artículos enormes y pesados que las rodeaban en las mansiones jacobeas.
En general, había algo en el estilo isabelino temprano, repleto de dignidad, una magnificencia maciza que concordaba con la de la época y el monarca, que combinaba bien también con los imponentes miriñaques y gorgueras de las damas, las calzas y los jubones abullonados y con bandas de los galanes, mientras que las personas que lo usaban —Shakespeare, Walter Raleigh , Ben Jonson , Francis Bacon— todavía tienen un interés peculiar. Así como le sentaba bien a la pastosa y anciana reina Bess, las formas que adoptó bajo su sucesora, con su presunción de vanidades extranjeras y su exhibición de profusos dorados, no concordaban menos característicamente con el arrogante, pedante y mezquino James. Todos estos muebles, sin embargo, son sumamente atractivos, y hay pocos que no se regocijarían con cualquier artículo de ellos que no sea demasiado difícil de manejar para los cuartos modernos. Un aparador y una cómoda típicos ofrecen una mezcla de diseños, con cervatillos y sátiros no muy bien dibujados, frutas y flores, cupidos, pájaros, volutas, escudos y correas, cornucopias, sirenas, monstruos y follaje. Pertenecen al comienzo del período posterior. No fue tarea fácil limpiar el suelo para el baile de los Capuleto cuando el sirviente gritó: "¡Fuera con los taburetes, quita el armario de la corte, mira el plato!". [1]
Al final de la era jacobina, el estilo se mantuvo firme con ligeras variaciones e innovaciones durante algunos reinados. La ejecución de la talla era tosca y descuidada durante la época de los primeros Estuardo , pero después llegó a clasificarse entre las mejores conocidas; el trabajo de marquetería, también, se usó con más libertad y alcanzó mucha excelencia. El lujo prevaleció cada vez más en todas las cosas. La cerámica fina, por ejemplo, se hizo más frecuente; porque aunque el vidrio se había fabricado en Londres bajo el patrocinio de Isabel, la "porcelana" era rara, e incluso la loza no estaba muy extendida entonces, el oro y la plata cubrían los vasos de los ricos, y las tazas y fuentes de peltre y los zanjas de madera seguían siendo los de los pobres, mientras que se mencionan "cinco platos de tierra pintada, como los que se traen de Venecia", que fueron presentados a la reina como algo inusual; y se pensó que era un regalo no indigno de la realeza cuando Lord Burleigh le ofreció una "escudilla de porcelana blanca adornada con oro". Se cree que el primer uso de los famosos azulejos holandeses pertenece al reinado de Carlos I.
Los espejos, que eran muy raros en la época de Isabel, se hicieron más comunes en la de los Charleses, el duque de Buckingham , durante el reinado del segundo Carlos, lo que atrajo a una colonia de vidrieros venecianos a Lambeth . Un espejo isabelino mide aproximadamente tres pies y medio por cuatro pies y medio (cinco pies fue el más grande fabricado hasta la última parte del siglo XVIII), el marco está tallado en roble y parcialmente dorado, y el vidrio está colocado de manera plana. En un espejo de la época de Carlos II, el vidrio está biselado, y en los vidrios del predecesor de la Merry Monarch, los marcos estaban hechos de manera que arrojaran el vidrio hacia adelante y le dieran proyección. El vidrio azogue en sí, sin engastar, se convirtió en una novedad, de modo que a veces se revistieron con él habitaciones enteras, e incluso los techos. Los espejos fabricados por la colonia del duque eran de una excelencia superior; tenían un bisel de una pulgada de ancho a lo largo de su extremo exterior, ya fueran rectangulares o curvos. "Esto", dice el señor Pollen, "da un aspecto precioso y una luz prismática a todo el vidrio. Es muy difícil de ejecutar, ya que el trabajador sostiene la placa sobre su cabeza y corta el borde con un esmeril. Los trabajadores modernos rara vez logran proezas de habilidad en este tipo, en forma de curvas interrumpidas y líneas y ángulos cortos, y el ángulo del bisel en sí mismo es generalmente demasiado agudo, por lo que la luz prismática producida por esta parte del espejo contrasta violentamente y demasiado llamativamente con el resto".
Los tapices de pared se habían utilizado durante mucho tiempo: cuero, damasco, terciopelo y tapices. Los tapices flamencos, desde el momento de su primera fabricación, gozaron de gran popularidad. Isabel mandó hacer un conjunto que señalaba la dispersión y destrucción de la Armada Española . Se habían vuelto tan finos que a menudo se los prefería a otros adornos y en la época de los Estuardo se extendían sobre los mismos paneles tallados. "Aquí vi el nuevo tejido de los tapices franceses", escribió Evelyn, en los últimos años de Carlos II, en relación con los tapices de los Gobelinos , establecidos bajo el patrocinio real en Francia: "por el diseño, la ternura del trabajo y la incomparable imitación de las mejores pinturas, más allá de todo lo que había visto antes. Algunas piezas tenían Versalles , Saint Germain y otros palacios del rey francés, con cacerías, figuras y paisajes, aves exóticas y todo lo que rara vez se hace a la vida". Sin embargo, las obras de tapicería habían estado, mucho antes de esto, bajo protección real también en Inglaterra, los cartones de Rafael habían sido comprados por Carlos I para el uso de Mortlake Tapestry Works , que, sin embargo, no sobrevivieron a ese soberano más de medio siglo; y el uso de cortinas se había vuelto tan profuso que ahora ocupaban en gran medida el lugar de las pesadas tapas de madera con paneles que durante tanto tiempo habían estorbado las camas. [1]
Este artículo incorpora texto de esta fuente, que se encuentra en el dominio público : Harper's Magazine de 1877 a 1878