Un estudio de figura es un dibujo o pintura del cuerpo humano realizado como preparación para una obra más compuesta o terminada; [1] o para aprender técnicas de dibujo y pintura en general y la figura humana en particular. Por preferencia, los estudios de figura se realizan a partir de un modelo vivo , pero también pueden incluir el uso de otras referencias [2] y la imaginación del artista. El modelo vivo puede estar vestido o desnudo , pero generalmente está desnudo para el trabajo de los estudiantes con el fin de aprender la anatomía humana, o por profesionales que establecen la anatomía subyacente antes de agregar la ropa en el trabajo final.
Un término relacionado en escultura es maqueta , un modelo a pequeña escala o borrador de una obra propuesta. Los dibujos también pueden ser preparatorios para una obra escultórica.
Los estudios preparatorios pueden ser de composición, es decir, representar la obra propuesta en su totalidad, o pueden ser solo de ciertos detalles, como las manos y los pies. Los estudios pueden ser bocetos realizados en un período de tiempo relativamente corto, o muy detallados, según los métodos preferidos del artista. Los dibujos pueden concentrarse en las formas y la figura, mientras que los estudios en medios pictóricos se centran en el color y la iluminación.
El término estudio de la figura se utiliza a veces en fotografía, [3] pero no parece estar claramente definido como diferente de la fotografía de desnudos en general, dada la naturaleza inherentemente acabada del medio. Los estudiantes de fotografía pueden realizar trabajos con fines educativos y un artista puede tomar fotografías con la intención de usarlas como referencias para pinturas, pero los términos estudio de la figura o estudio del desnudo no suelen limitarse a estas fotos preparatorias o educativas. Este uso puede haber comenzado en el siglo XIX, cuando algunos fotógrafos llamaron a sus imágenes de desnudos "estudios para artistas" simplemente para evadir la censura. [4]
Desde el Renacimiento [5], dibujar la figura del natural se ha considerado la mejor manera de aprender a dibujar, y la práctica se ha mantenido hasta el presente. Diferentes técnicas y ejercicios de dibujo se han convertido en estándar, incluyendo dibujos de gestos , contornos y masas . Para los principiantes que aprenden a dibujar por primera vez, aprender a observar correctamente los objetos reales es esencial para aprender la perspectiva tridimensional y los efectos de la iluminación. Se prefieren modelos vivos pero, si no están disponibles, se pueden utilizar moldes de yeso de la figura, nunca fotografías. [6]
Los artistas experimentados continúan practicando el dibujo de la figura mucho después de haber completado su educación formal, asistiendo a grupos informales sin instrucción que se reúnen, a menudo semanalmente, para compartir el costo de contratar a una modelo. Conocidos por varios nombres, como grupos de bocetos, sesiones de figuras, etc., el formato es similar a las clases de dibujo para principiantes o intermedios, con una duración total de tres horas que comienzan con una serie de gestos y continúan con poses un poco más largas, pero rara vez más de 20 minutos cada una, tiempo suficiente para los estudios. Estos grupos de dibujo abiertos se pueden encontrar en muchos lugares de los Estados Unidos [7] y en otros países que comparten la tradición occidental de los estudios de figuras [8] .
Durante los siglos XVI al XIX, los pintores realizaron numerosos dibujos y estudios de color como preparación para obras de gran tamaño que podían llevar un año o más en completarse. [9] Desde finales del siglo XIX, los estudios han perdido importancia a medida que los pintores adoptaron la técnica de pintura húmeda sobre húmeda , o alla prima, en la que se aplican capas de pintura húmeda sobre capas anteriores de pintura húmeda, siendo el boceto simplemente la primera capa. Sin embargo, el uso de estudios se ha mantenido en la tradición del arte académico .
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