Caravaggio creó uno de sus retablos más admirados, El entierro de Cristo , en 1603-1604 para la segunda capilla de la derecha en Santa Maria in Vallicella (la Chiesa Nuova ), una iglesia construida para el Oratorio de San Felipe Neri . [1] Una copia de la pintura se encuentra ahora en la capilla, y el original está en la Pinacoteca del Vaticano . La pintura ha sido copiada por artistas tan diversos como Rubens , [2] Fragonard , Géricault y Cézanne . [1]
El 11 de julio de 1575, el papa Gregorio XIII (1572-1585) emitió una bula que confirmaba la formación de una nueva sociedad llamada Oratorio y le concedía la iglesia de Santa María en Vallicella. Dos meses después de la bula, comenzó la reconstrucción de la iglesia. En la reconstrucción planificada de la Chiesa Nuova (nueva iglesia), como se la conoció, se previó la dedicación de todos los altares a los misterios de la Virgen . Comenzando en el crucero izquierdo y continuando alrededor de las cinco capillas a ambos lados de la nave hasta el crucero derecho, los altares están dedicados a la Presentación del Templo , la Anunciación , la Visitación , la Natividad , la Adoración de los Pastores , la Circuncisión , la Crucifixión , la Piedad , la Resurrección , la Ascensión, la Venida del Espíritu Santo , la Asunción y la Coronación . [3]
El Entierro fue planeado y comenzado probablemente en 1602/03. [1] La capilla en la que se colgaría el Entierro estaba dedicada a la Piedad y fue fundada por Pietro Vittrice, amigo del papa Gregorio XIII y seguidor cercano de Filippo Neri . [4] La Capella della Pietà ocupaba una posición «privilegiada» en la Chiesa Nuova: desde ella se podía celebrar la misa y se le concedían indulgencias especiales. [3]
La capilla, situada en la nave derecha de la Chiesa Nuova, fue cedida a Vittrice en junio de 1577, y la fundación de la capilla fue ratificada en septiembre de 1580. Algún tiempo después de su muerte en marzo de 1600, un legado de 1.000 escudos quedó disponible para el mantenimiento de la capilla, y fue construida en 1602, que se considera entonces la fecha más temprana para el encargo de la pintura de Caravaggio. [5] De hecho, el 1 de septiembre de 1604, se describe como "nueva" en un documento que registra que había sido pagada por Girolamo Vittrice, sobrino y heredero de Pietro. [1] [6]
Girolamo Vittrice tenía una conexión directa con Caravaggio: en agosto de 1586 se casó con Orinzia di Lucio Orsi, hermana del amigo de Caravaggio Prospero Orsi y sobrina del humanista Aurelio Orsi. Aurelio, a su vez, fue mentor del joven Maffeo Barberini , quien se convirtió en el papa Urbano VIII en 1623. Es a través de estas conexiones que el hijo de Girolamo, Alessandro , se convirtió en obispo de Alatri en 1632, y pudo otorgar el regalo de la Adivina de Caravaggio (ahora en el Louvre ) al papa Inocencio X Pamphilij después de ser nombrado gobernador de Roma en 1647. [5]
La pintura fue universalmente admirada y escrita por críticos como Giulio Mancini , [a] Giovanni Baglione (1642), [8] [b] Gian Pietro Bellori (1672) [9] [c] y Francesco Scanelli (1657). [11] [d]
El cuadro fue llevado a París en 1797 para el Museo Napoleón , regresó a Roma y se instaló en el Vaticano en 1816. [5] [7] [e]
Este cuadro de la Contrarreforma –con una cascada diagonal de dolientes y portadores de cadáveres que descienden hacia el Cristo muerto y sin fuerzas y la piedra desnuda– no es un momento de transfiguración, sino de duelo. A medida que la mirada del espectador desciende desde la penumbra, también hay un descenso desde la histeria de María de Cleofás a través de la emoción contenida hasta la muerte como silenciamiento emocional final. A diferencia del sangriento Jesús poscrucificado de las mórbidas representaciones españolas , los Cristos italianos mueren generalmente sin sangre y se desploman en una exhibición geométricamente desafiante. Como para enfatizar la incapacidad del Cristo muerto para sentir dolor, una mano entra en la herida de su costado. Su cuerpo es el de un trabajador musculoso, venoso y de miembros gruesos, en lugar de la representación habitual, huesuda y delgada.
Dos hombres llevan el cuerpo. Juan el Evangelista , identificado sólo por su apariencia juvenil y su manto rojo, sostiene al Cristo muerto sobre su rodilla derecha y con su brazo derecho, abriendo inadvertidamente la herida. Nicodemo (con el rostro de Miguel Ángel ) agarra las rodillas con sus brazos, con los pies plantados en el borde de la losa. Caravaggio equilibra la posición estable y digna del cuerpo y los esfuerzos inestables de los portadores. [12]
Aunque los rostros son importantes en la pintura en general, en Caravaggio es importante siempre notar hacia dónde apuntan los brazos. Hacia el cielo en La conversión de san Pablo en el camino de Damasco , hacia Leví en La vocación de san Mateo . Aquí, el brazo caído del Dios muerto y el sudario inmaculado tocan la piedra; la afligida María de Cleofás gesticula hacia el Cielo . En cierto modo, ese fue el mensaje de Cristo: Dios vino a la tierra y la humanidad se reconcilió con los cielos. Como es habitual, incluso con sus obras de máxima devoción, Caravaggio nunca deja de ponerse a tierra. En el centro está María Magdalena , secándose las lágrimas con un pañuelo blanco, con el rostro ensombrecido. La tradición sostenía que la Virgen María debía representarse como eternamente joven, pero aquí Caravaggio pinta a la Virgen como una anciana. La figura de la Virgen María también está parcialmente oscurecida detrás de Juan; la vemos con la túnica de una monja y sus brazos están extendidos a su lado, imitando la línea de la piedra sobre la que están parados. Su mano derecha se cierne sobre la cabeza de él como si quisiera tocarlo. Vistas juntas, las tres mujeres constituyen expresiones diferentes y complementarias del sufrimiento. [13]
La figura de la izquierda imita el traje de la Magdalena penitente de Caravaggio ( Galería Doria Pamphilj , Roma); la figura de la derecha nos recuerda a su María en la conversión de la Magdalena ( Detroit Institute of Art ). [12] Andrew Graham-Dixon afirma que estas figuras fueron modeladas por Fillide Melandroni , modelo frecuente en sus obras y de unos 22 años en ese momento. [6]
La composición de Caravaggio también parece estar relacionada con la Piedad de San Pedro de Miguel Ángel (especialmente en la figura de la Virgen) [1] y con su Piedad florentina (Museo dell'Opera del Duomo, Florencia), de la que toma la figura de Nicodemo. En este último caso, Caravaggio traslada el autorretrato de Miguel Ángel a su propia pintura [14] .
Aunque el Entierro de Cristo de Caravaggio está relacionado con la Piedad de Miguel Ángel, no es una Piedad porque incluso si hay presencia de la Virgen María en la pintura, no hay el número correcto ni el tipo de personas presentes. [15]
Caravaggio también establece una comparación con Rafael al utilizar como fuente para el grupo principal el Descendimiento de Borghese de Rafael . Esta comparación contrasta el idealismo del Alto Renacimiento con el naturalismo del propio Caravaggio.
El Entierro de Cristo de Caravaggio no es un entierro porque el cuerpo de Cristo no es bajado a una tumba sino que es depositado sobre una losa de piedra. [15]
La pintura de Caravaggio es una contraparte visual de la misa, en la que el sacerdote levanta la hostia recién consagrada con el Entierro como telón de fondo. La ubicación privilegiada del altar habría significado que esto fuera un suceso cotidiano; el acto yuxtapone perfectamente el cuerpo en la imagen con la hostia mientras el sacerdote entona "Este es mi propio cuerpo". El Descendimiento de Jacopo Pontormo (ca. 1525-1528) en Florencia cumple una función similar, exhibida de manera similar sobre un altar. Estas pinturas son representaciones del Corpus Domini en lugar de representaciones del descendimiento o entierro de Cristo. [1]
Desde el siglo XVII, el cuadro de Caravaggio se ha considerado una escena de entierro activo. Esta interpretación se basaba en una fórmula heroica derivada de fuentes antiguas, la de Adonis o Meleagro : cabeza echada hacia atrás y un brazo colgando flácidamente a un lado. De hecho, el Descendimiento de Borghese de Rafael es un ejemplo de esta fórmula. La colocación del cuerpo de Cristo sobre una piedra plana también tenía precedentes en la pintura, en particular la Lamentación de Rogier van der Weyden en la Galería de los Uffizi , Florencia. [3]
En una observación más detallada, la pintura de Caravaggio no se ajusta a esta fórmula, ya que estos tipos antiguos son escenas de transporte, mientras que la suya, como en el caso de Van der Weyden, decididamente no lo es. En cambio, la composición asume la forma piramidal tradicional de un tipo tradicional de la Piedad . Dada la interpretación de la pintura como un tipo de la Piedad , la piedra plana (interpretada anteriormente como una tapa o puerta de una tumba) puede reinterpretarse como una referencia a la Piedra de la Unción, hoy consagrada en la Iglesia del Santo Sepulcro en Jerusalén . Esta piedra se utilizó para colocar el cuerpo de Cristo cuando fue ungido y envuelto en telas de lino, como se relata en el Evangelio de Juan . [3]
Rara vez los espectadores modernos notan la inserción de la planta por parte de Caravaggio en la parte inferior izquierda del Entierro . El Verbascum thapsus , comúnmente llamado gordolobo, se creía que tenía propiedades medicinales y que alejaba a los malos espíritus. Se lo asociaba con la iconografía de San Juan Bautista . [16] Caravaggio también lo usa en su San Juan Bautista y Descanso en la Huida a Egipto . [17]
La pintura que aparece en la portada del álbum de 2023, And Then You Pray For Me , del rapero estadounidense Westside Gunn . La portada fue diseñada por el diseñador de moda Virgil Abloh y presenta una versión recortada de la pintura con cadenas retocadas con Photoshop en el cuello de Nicodemus. [18] [19]
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