Una transición cinematográfica es una técnica utilizada en el proceso de posproducción de edición de películas y videos mediante la cual se combinan escenas o tomas . Lo más común es que esto se haga mediante un corte normal a la siguiente toma. La mayoría de las películas también incluirán el uso selectivo de otras transiciones, generalmente para transmitir un tono o estado de ánimo, sugerir el paso del tiempo o separar partes de la historia. Estas otras transiciones pueden incluir disoluciones , cortes en L , fundidos (generalmente a negro), cortes de coincidencia y cortinillas .
Hoy en día, todas las películas, ya sean de acción en vivo, generadas por computadora o de animación tradicional dibujada a mano, están compuestas por cientos de tomas individuales que se colocan juntas durante la edición para formar la película única que ve el público . La transición de tomas es la forma en que se unen dos de estas tomas individuales. [1]
Término principalmente literario que denota una pausa rítmica y una ruptura en un verso. En poesía, la cesura se utiliza para diversificar el progreso rítmico y enriquecer así el verso acentual. [2]
El término adquirió importancia en el arte cinematográfico a través de los experimentos de edición de Sergei Eisenstein . Al aplicar su concepto de montaje como la "colisión de planos", Eisenstein a menudo incluía cesuras (cortes rítmicos) en sus películas. Los actos de El acorazado Potemkin (1925) están separados por cesuras que proporcionan un contraste rítmico con la acción precedente. La acción intensa y frenética del motín, por ejemplo, es seguida por el viaje lírico de un bote a la orilla. Las tres secuencias musicales de Burt Bacharach en Dos hombres y un destino (1969) proporcionan cesuras contrastantes que separan las principales acciones de la película. Varias secuencias de acción intensa en Master and Commander (2003), que incluyen una furiosa tormenta en el mar y escenas de lucha, son seguidas por cesuras: interludios escénicos tranquilos que a menudo están acompañados por música melódica de violonchelo. [2]
La continuidad es el desarrollo y la estructuración de los segmentos e ideas de la película de modo que el significado pretendido sea claro, y las transiciones empleadas para conectar las partes de la película. En un sentido más específico, "continuidad" se refiere a la correspondencia de los elementos escénicos individuales de una toma a otra de modo que los detalles y las acciones, filmadas en diferentes momentos, se editen juntos sin errores. Este proceso se conoce como "edición de continuidad". Para mantener la continuidad dentro de las secuencias, el editor a menudo cortará la acción de los personajes para que la escena fluya sin cortes bruscos notables (ver más abajo). Los lapsos en el flujo de la acción se pueden evitar mediante dispositivos de transición y cortes (ver más abajo). La música y el sonido se utilizan a menudo para proporcionar una sensación de continuidad a una escena o secuencias que pueden contener una variedad de tomas sin correspondencia tomadas en diferentes lugares. Por ejemplo, en Rocky (1976), la canción "Getting High" sirvió como un dispositivo de continuidad durante la secuencia altamente fragmentaria que muestra a Rocky en los diversos preparativos de entrenamiento para su pelea por el título. La canción conectaba las numerosas tomas breves de modo que aparecieran como una unidad única y completa dentro de la película. [3]
El corte es el tipo de transición más básico y común. En un corte, una imagen en la pantalla es reemplazada instantáneamente por otra, a menudo con un cambio en el ángulo de la cámara. La toma A termina abruptamente y comienza la toma B. [4] Los cortes se pueden clasificar en diferentes tipos, [5] como se detalla a continuación.
Un plano editado en una escena que presenta información que no forma parte del primer plano. El plano de corte suele ir seguido de un retorno al plano original y se utiliza a menudo para condensar el tiempo de una escena eliminando una acción no deseada o para cubrir una pérdida de continuidad en la acción. Por ejemplo, una serie de planos de una mujer fumando un cigarrillo puede no coincidir correctamente en el montaje debido a las diferentes longitudes de la ceniza del cigarrillo de un plano a otro. Un corte a un reloj de repisa, marcando el tiempo, proporcionaría suficiente distracción para cubrir la pérdida de continuidad. O el corte del reloj podría insertarse entre un plano de la mujer fumando un cigarrillo y uno de la mujer leyendo un libro. El corte permitiría al editor avanzar la acción en el tiempo. [6]
Plano que presenta el material de una escena con mayor detalle, generalmente a través de un primer plano. Un corte aísla y enfatiza un elemento de la puesta en escena para darle valor dramático o informativo. Cada movimiento progresivo a través de la secuencia de planos, desde un plano general hasta un primer plano , constituye una forma de corte. Un corte realizado desde un plano general hasta un gran primer plano puede tener un efecto sorprendente en el espectador debido a esta ampliación inmediata. Esta técnica es frecuentemente un método de montaje de películas de suspenso.
En relación con esto, existe el plano de inserción , que es un plano que contiene detalles visuales que se insertan en una escena con fines informativos o para proporcionar un énfasis dramático. Una vista en primer plano de material impreso en un libro, intercalada mientras un personaje lee, es un tipo de inserción desde un punto de vista informativo. La intercalación de una vista en primer plano de un arma apoyada sobre un escritorio dentro de una habitación donde se está produciendo una discusión violenta constituye un tipo de inserción dramática. El plano de detalle es otro término para el corto de inserción. [6]
Un editor puede cortar estratégicamente para yuxtaponer dos temas. Por ejemplo, alguien que sueña con un hermoso campo de flores (foto A) puede despertarse de repente en el interior de un edificio en llamas (foto B). El sonido sería sereno y apacible en la foto A, y de repente fuerte y doloroso en la foto B. Este contraste entre paz y caos se intensifica a través de la transición repentina. [1]
El corte dinámico es un método de montaje cinematográfico en el que el corte de una toma a la siguiente se hace evidente de forma abrupta para el espectador. En el corte combinado o el montaje invisible , los cortes no son tan obvios para el espectador porque estos métodos se adhieren a procedimientos de continuidad diseñados para ocultar la edición (por ejemplo, cortar en la acción). El corte dinámico, por otro lado, es autoconsciente y a menudo asustará al espectador al moverse abruptamente en el tiempo o el espacio o al cortar rápidamente dentro de una escena con fines expresivos y narrativos. All That Jazz (1979) de Bob Fosse , The Stunt Man (1980) de Richard Rush y JFK (1991) y Natural Born Killers (1994) de Oliver Stone emplearon el corte dinámico de forma extensiva. El corte dinámico es un elemento de montaje destacado en las películas de Quentin Tarantino , desde Reservoir Dogs (1992) hasta Django Unchained (2012). [7]
Relacionado con el montaje dinámico, el corte directo es un cambio instantáneo de planos, generalmente a un nuevo lugar o marco temporal, y ejecutado sin un dispositivo de transición óptica. El corte directo sirve para reemplazar, dinámicamente, un plano por otro. [8]
Un corte en L es una técnica de edición que da como resultado un corte que se produce en un momento diferente para el audio que para el vídeo. Por ejemplo, podemos oír las voces de los personajes unos segundos antes de que las veamos en la película. Para lograr este efecto, el editor tuvo que hacer un corte en forma de L en la propia tira de película. Incluso hoy en día, con la llegada de los sistemas de edición no lineal computarizados , la representación digital de la película en el programa todavía adopta esta apariencia en forma de L. [9]
El corte de combinación une dos fragmentos de película que contienen dos objetos de forma similar en posiciones similares en el encuadre. Uno de los ejemplos más famosos de esto es el montaje de 2001: Odisea del espacio , donde el hueso arrojado por un simio prehistórico corta a una estación espacial futurista. [1]
Al igual que el corte de coincidencia, el corte invisible intenta unir dos tomas con fotogramas similares. Sin embargo, el corte invisible está diseñado para ocultar por completo la transición a la audiencia. La audiencia puede deducir que se ha producido un corte, pero le resultaría difícil localizar el momento exacto. Por ejemplo, si un personaje camina hacia la cámara, cubriéndola por completo, el corte se introduce cuando se muestra la espalda del personaje alejándose. El corte invisible también puede ocultarse mediante un movimiento panorámico , entrando o saliendo de un entorno muy oscuro o muy iluminado, o mediante un objeto que cruza la pantalla.
Por ejemplo, imaginemos una escena de acción en la que un villano persigue al héroe de la película. Pasar toda la escena de persecución intentando mantener al héroe y al villano en el cuadro al mismo tiempo se volverá muy difícil y poco atractivo después de un tiempo. Una mejor manera de abordar este problema es mediante el uso del montaje paralelo . En este ejemplo, la escena constaría de varias tomas del héroe corriendo en una dirección y algunas tomas del villano corriendo en la misma dirección. Tal vez el héroe mire hacia atrás, fuera de cuadro, a su perseguidor. En este punto, el editor insertaría una toma del villano. Ninguno de los personajes ocupa el mismo espacio en la pantalla, pero el público sigue entendiendo que uno está persiguiendo al otro. [10] Esta técnica se parodia en la película "Naked Gun 2½", donde la edición alterna entre mostrar al héroe y al villano disparándose el uno al otro, y luego, finalmente, en un plano general, nos damos cuenta de que, de hecho, están a solo cuatro pies de distancia el uno del otro. [11]
Un corte de salto suele ser el resultado de un error de continuidad y no de una elección estilística del director. Pero el director puede usarlo a propósito para crear un efecto de tiempo transcurrido sin mostrar todo el evento. Un corte de salto ocurre cuando un corte, diseñado para actuar simplemente como un cambio de ángulo de cámara (menos de 30 grados ), revela una discrepancia de continuidad entre las dos tomas. Por ejemplo, si un personaje tiene la mano sobre la boca en un plano medio y no en su primer plano , este pequeño detalle, que probablemente no se notó en el set, ahora es dolorosamente obvio para los espectadores. [10]
La transición de desenfoque es un tipo de transición que se logra girando el foco del lente hasta que la escena se vuelve borrosa. El paso del tiempo dentro de una escena se puede sugerir al reenfocar la toma después de que se hayan realizado modificaciones en la escena: cambio de vestuario, iluminación y otros elementos de continuidad . El dispositivo de desenfoque también se ha empleado con frecuencia en transiciones a secuencias de sueños o fantasía . [12]
Un fundido se produce cuando la imagen cambia gradualmente a un solo color, generalmente negro, o cuando una imagen aparece gradualmente en la pantalla. Los fundidos de entrada generalmente ocurren al comienzo de una película o acto, mientras que los fundidos de salida se encuentran típicamente al final de una película o acto. [13]
Al igual que el fundido, un fundido implica cambiar gradualmente la visibilidad de la imagen. Sin embargo, en lugar de pasar de una toma a un color, un fundido es cuando una toma cambia gradualmente a otra toma. Los fundidos, al igual que los cortes, se pueden utilizar para crear un vínculo entre dos objetos diferentes, un hombre contando una historia y una imagen de su historia, por ejemplo. [13]
Una disolución de onda es un tipo de transición que se caracteriza por una imagen vacilante que se emplea generalmente para indicar un cambio en el material de un flashback , comúnmente el recuerdo de un personaje de un evento. A veces, la disolución de onda se utiliza como una transición a un evento o acción imaginada. Una serie de tres disoluciones de onda apareció en Mamma mia ! (2008) cuando Donna ( Meryl Streep ) descubre a sus tres antiguos amantes en el ático de su villa griega. La breve disolución de onda transporta visualmente a cada hombre al pasado para revelar sus apariencias "hippies" y "hijos del amor" de los años 60 tal como Donna los recuerda. [14]
El lavado es una transición óptica que se utiliza con fines de edición y que es similar al desvanecimiento. A diferencia del desvanecimiento, en el que las imágenes se desvanecen hasta quedar en negro, en el lavado las imágenes de repente comienzan a decolorarse o a colorearse hasta que la pantalla se convierte en un marco de luz blanca o de color. A continuación, aparecerá una nueva escena.
Además, el efecto de lavado es la forma más extrema de sobreexposición , que es el acto de exponer cada fotograma de la película a más luz o durante un período de tiempo más largo del que se requeriría para producir una exposición "normal" del mismo sujeto. Hay poco o ningún detalle visible en los puntos destacados (las áreas brillantes de la imagen) y las imágenes aparecen blanqueadas, más o menos desteñidas. El efecto se logra dirigiendo la cámara hacia una fuente de luz brillante que desteñiría la mayor parte, si no toda, del área del fotograma , o haciendo que el efecto se procese en el laboratorio cinematográfico. Si bien en 2014 algunos directores de películas todavía optaban por materiales fotográficos basados en emulsión de película en lugar de imágenes recuperadas digitalmente, la cantidad de los que lo hacían estaba disminuyendo rápidamente. [15]
Ingmar Bergman hizo un uso extensivo del lavado en esta película psicológica Gritos y susurros (1972). Bergman varió la técnica tanto para fines de transición como para continuar con su uso expresivo del color en la película. Los lavados traerían un solo color intenso al final de una escena para simbolizar las emociones y pasiones psicológicas en juego en la historia. Los lavados también se emplearon de manera efectiva en las secuencias de fantasía de Catch-22 (1970). Monster (2003) concluye con un lavado cuando Aileen Wuornos ( Charlize Theron ) abandona la sala del tribunal después de ser sentenciada a muerte. De manera similar, un lavado lento al blanco lleva a Hours (2012) a una conclusión llorosa pero feliz en una toma donde un padre ( Paul Walker ) abraza a su hija prematura, cuya vida ha salvado en un hospital de Nueva Orleans sin electricidad mientras el huracán Katrina hace estragos. [16]
Un barrido implica que una toma reemplaza a otra, recorriendo desde un lado del encuadre hasta el otro. Piense en una línea vertical que pasa del lado derecho del encuadre al izquierdo. En el lado izquierdo de esta línea, tenemos la toma A, y en el lado derecho de esta línea está la toma B. Cuando esta línea llega al borde izquierdo del encuadre, la toma B llenará completamente la escena y la transición estará completa. Este ejemplo describe un barrido de línea vertical, aunque este es solo un tipo de barrido.
Otro tipo común de transición de barrido utiliza objetos en la escena, en lugar de una línea vertical invisible. Una aplicación interesante de esto crea la ilusión de una cámara que pasa a través del techo del piso inferior de una casa de varios pisos hasta el suelo del piso superior. En este caso, la toma A consistiría en la cámara elevándose hasta el techo, y la toma B la haría elevarse desde el suelo. Una transición de barrido da la impresión de que la cámara pasa entre los pisos de una casa.
Una técnica de transición que se logra mediante un elemento dentro de la puesta en escena en lugar de mediante un proceso de laboratorio. Un personaje o un objeto se acerca a la lente de la cámara y borra la escena bloqueando o desenfocando por completo el encuadre. Una puerta que se cierra a menudo sirve como un borrado natural. El borrado natural es seguido por una nueva escena. Una transición de frente y cola es un tipo de borrado natural que se utiliza para terminar una escena y revelar otra. [17]
La forma del barrido también puede ser circular mediante el uso del iris de la cámara. Al cerrar el iris, un círculo borroso se desplaza hacia el centro del encuadre, atrayendo la atención hacia el sujeto que ocupa este espacio central. [1]
Aunque no siempre se limita a las transiciones de tomas, una transformación puede considerarse como una disolución combinada con un efecto visual . En lugar de simplemente mezclar los colores, una transformación puede remodelar gradualmente un objeto para convertirse en otro objeto, creando una conexión mucho más fuerte que la que puede proporcionar una disolución simple. Un ejemplo famoso de esto se puede encontrar hacia el final de la película Salvar al soldado Ryan . El rostro del joven soldado Ryan (interpretado por el actor Matt Damon ) [18] se transforma lentamente en un soldado Ryan mayor (interpretado por Harrison Young ), [18] mientras que al mismo tiempo el fondo se disuelve de una ciudad sitiada durante la Segunda Guerra Mundial a un cementerio ambientado en la actualidad; no hay duda en la mente de la audiencia acerca de que los dos hombres son uno y el mismo.
Un sonido superpuesto suele ser un efecto de sonido o un discurso que continúa brevemente de una toma a la siguiente. El sonido superpuesto puede ser un avance de sonido , donde un discurso o un efecto de sonido en una toma entrante se escucha brevemente en la toma saliente. El sonido superpuesto puede usarse para conectar, de manera dinámica, dos piezas separadas de acción dramática o para mejorar el ritmo del desarrollo de la historia. [19]
Se trata del avance de un sonido, que se oirá en un nuevo plano o escena, tomado del final de la escena anterior. Los avances de sonido, habituales en las películas modernas, se combinan en realidad con transiciones de corte para hacer avanzar la acción de la historia de forma dinámica. [20]
Alfred Hitchcock patentó bastante bien el avance de sonido en su clásico de 1929 Blackmail . Una mujer joven ( Anny Ondra ) que deambula por las calles de Londres en estado de shock después de matar a un hombre, se encuentra con un borracho tirado en la acera, con el brazo extendido de la misma manera que el artista que acaba de asesinar la mujer en su apartamento estudio. La imagen del brazo parece precipitar un grito de la joven. Un corte, sin embargo, revela que el grito proviene de una casera que acaba de descubrir el cuerpo muerto del artista en su apartamento. El avance de sonido también tiene posibilidades conceptuales, satíricas y dramáticas. En Five Easy Pieces (1970), el sonido inesperado de una bola de bolos rodando por una pista de bolos se escucha en los segundos finales de una escena en una habitación de motel donde Jack Nicholson ha tenido una novia. Justo cuando la bola golpea el bolo, se hace un corte a una nueva escena donde Nicholson está jugando a los bolos con la mujer. El avance de sonido combinado y la transición de corte juntos sirven como una metáfora sexual . [20]
Un sonido asincrónico es un término que se utiliza para describir un sonido que no ha sido sincronizado con la imagen en pantalla . El sonido asincrónico también incluye el uso estético del sonido con fines expresivos. Debido a la naturaleza compuesta del arte cinematográfico, el elemento del sonido (música, diálogo, efectos de sonido) es altamente manipulativo. Los sonidos de un pollo cacareando se pueden yuxtaponer con una toma de un político despotricando para lograr un efecto satírico.
Una variación popular del sonido asincrónico en el cine contemporáneo ha sido el uso de avances de sonido en las escenas de montaje. Un avance de sonido asincrónico puede ocurrir cuando el editor muestra el rostro de un personaje gritando de horror y, en lugar de usar el sonido natural de la voz horrorizada del personaje, inserta la sirena penetrante y estridente de un coche de policía, que se escuchará en la escena siguiente. El dispositivo del avance de sonido combina sonido asincrónico y sincrónico de una manera cinematográfica única. Francis Ford Coppola hizo un uso extensivo del sonido sincrónico-asincrónico combinado en la escena del bautismo de El Padrino (1972). Cerca del final de la película, las tomas de una solemne ceremonia religiosa se yuxtaponen con escenas de una vendetta que ocurren simultáneamente en varias partes de la ciudad. Los sonidos de la gran música de la iglesia y las entonaciones sacerdotales del rito bautismal continúan ininterrumpidamente mientras los pistoleros llevan a cabo sus tareas. A través del uso del sonido sincrónico-asincrónico y el corte transversal visual , se produce una vinculación irónica y psicológica del pasado, el presente y el futuro. El sonido asincrónico puede servir para crear ironía entre el sonido y la imagen, para satirizar y parodiar situaciones dramáticas y para vincular momentos separados del tiempo de maneras expresivas. [21]
El tiempo psicológico es un término que se refiere al uso de dispositivos de filmación que, en la continuidad de una narrativa cinematográfica, sugieren no el tiempo cronológico sino el tiempo tal como lo percibe la mente de un personaje. Un fundido (ver arriba), por ejemplo, revela más comúnmente un paso de tiempo cuando se usa dentro de una escena en curso . El fundido, por tradición, sirve para incluir el tiempo intermedio y la acción. Sin embargo, si se utiliza un fundido en lugar de un corte en una acción continua ininterrumpida, su colocación poco convencional conlleva implicaciones psicológicas. Los psicodramas de inspiración subjetiva de cineastas experimentales, como Meshes of the Afternoon (1943) de Maya Deren , a menudo explotan el fundido psicológico para lograr un efecto de tiempo mental. El tiempo psicológico también puede sugerirse mediante el uso repetido de un fragmento de acción. El último y desesperado esfuerzo del traidor condenado en An Occurrence at Owl Creek Bridge (1962) para llegar a su esposa se transmite en tiempo psicológico mediante una toma repetida con teleobjetivo del hombre corriendo por la calle hacia su casa. Parece suspendido en el tiempo y el espacio, lo que de hecho es; poco después de estas repeticiones de planos, el espectador descubre que toda la huida del traidor ha sido una fantasía revelada a través de un uso prolongado del tiempo psicológico. Un uso particularmente atractivo y a veces desconcertante de la percepción psicológica del personaje ocurre en Memento (2000), una película sobre un hombre que está buscando al asesino de su esposa. La búsqueda se complica por el hecho de que el hombre ha perdido su memoria a corto plazo. Los eventos van y vienen en la pantalla sin que su significado sea claro a primera vista. El tiempo psicológico es un elemento distintivo en la película de ciencia ficción experimental de 2013 de Shane Carruth Upstream Color . Evitando una estructura narrativa bien hecha, la trama de Upstream Color se centra en un hombre y una mujer que son objetivos de ingeniería parasitaria y cuyas vidas se disuelven en un desorden mental y psicológico. El tiempo se representa en fragmentos abruptos y discontinuos, con la realidad cotidiana entremezclada con apariciones mentales e imágenes abstractas. [22]