Soukous (del francés secousse , «sacudida, sacudida, sacudida») es un género de música de baile originario de la República Democrática del Congo (antes Zaire ) y la República del Congo (antes Congo Francés ). [1] Se derivó de la rumba congoleña de los años 1960, con ritmos de baile más rápidos e improvisaciones de guitarra brillantes e intrincadas , [2] y ganó popularidad en los años 1980 en Francia . [3] Aunque los periodistas lo utilizan a menudo como sinónimo de rumba congoleña, tanto la música como el baile asociados con el soukous difieren de la rumba más tradicional, especialmente en su tempo más alto, estructuras de canciones y secuencias de baile más largas. [3]
El soukous fusiona ritmos tradicionales congoleños con instrumentos contemporáneos. Habitualmente incorpora guitarras eléctricas , contrabajos , congas , instrumentos de viento metal y de madera . [4] [5] Las letras del soukous a menudo exploran temas de amor , comentarios sociales , narrativas amorosas , reflexiones filosóficas y luchas y éxitos cotidianos . [2] Los cantantes ocasionalmente cantan y tararean en lingala , kikongo , francés y suajili y las bandas a menudo constan de un vocalista principal acompañado de varios coristas . [6] [7]
La música normalmente utiliza un12
8firma de tiempo y acordes mayores articulados en formas arpegiadas . [8] Los guitarristas principales de soukous son famosos por su velocidad, precisión y ágil trabajo de dedos, a menudo navegando por los registros más altos del diapasón . [9] La línea de bajo , inspirada en los patrones de percusión de los tambores de mano , es la base rítmica del género y generalmente se caracteriza por una cadencia de semicorcheas. [10] El estilo de bajo asertivo del soukous, que surgió de manera prominente durante el reinado de Mobutu Sese Seko en Zaire , emulaba los movimientos regimentados de las marchas militares ( marche militaire ). [9] Este enfoque de bajo distintivo implica alternar entre registros más bajos y más altos, logrado a través de un método de punteo que emplea tanto el pulgar ( p ) como el índice ( i ). [9]
En cuanto al tono, el soukous se forma mediante configuraciones específicas en las frecuencias graves , medias y agudas . [10] Las frecuencias graves se acentúan generalmente en +3 dB para producir un extremo bajo profundo y con cuerpo que apoye el ritmo. Las frecuencias medias, especialmente alrededor de la frecuencia de 700 Hz, a menudo se dejan planas o se realzan hasta en +6 dB. [10] Mientras tanto, las frecuencias agudas se dejan planas o se atenúan ligeramente en -3 dB. [10]
En Matonge , la guitarra rítmica suele acompañar pasajes vocales de medio tiempo, con el bajo y los bombos acentuando los ritmos dominantes, mientras que los guitarristas enfatizan los contratiempos (uno y dos y tres y cuatro y ). [9] Durante las interpretaciones vocales, el guitarrista principal marca un ritmo que sustenta el canto armonizado de llamada y respuesta , [9] a menudo intensificado por un efecto de eco, produciendo una experiencia auditiva a veces descrita como una experiencia auditiva hipnótica. [8]
La sección de percusión se caracteriza por un ritmo rápido e inquebrantable, más comúnmente conocido como cavacha , con el baterista tomando la iniciativa al señalar los cambios para que los guitarristas coincidan con las transiciones del intérprete principal. [8] [9] Las progresiones de acordes de soukous se basan principalmente en los acordes I, IV y V. [9] Las progresiones comunes incluyen: [9]
Los orígenes del género se remontan a la rumba congoleña , que surgió a principios del siglo XX cuando los residentes urbanos del Congo francés y el Congo belga adoptaron la fusión de la música de baile maringa intertribal congoleña cerca de Pool Malebo , infundida con técnicas de guitarra de Liberia . [11] La salida de comerciantes y marineros Kru de Liberia a Brazzaville a mediados del siglo XIX introdujo técnicas distintivas de interpretación de guitarra que finalmente influyeron en el uso del acordeón para emular los ritmos locales de " likembe " (piano de pulgar, mejor conocido mundialmente como mbira ). [11] [12] Ya en 1902, las melodías del acordeón resonaban en las calles cercanas a las fábricas de Pool Malebo. [11]
El estallido de la Primera Guerra Mundial introdujo una nueva ola de música y danza en el Bajo Congo (actual Kongo Central ) y la región de Pool Malebo . [11] Surgiendo del campo de trabajo y posiblemente asociado con el regreso de los trabajadores de la construcción del ferrocarril Matadi-Kinshasa , las danzas locales como la agbaya y la maringa ganaron prominencia. [11] La danza circular agbaya pronto fue reemplazada por la música de baile maringa en pareja , volviéndose cada vez más omnipresente en Matadi , Boma , Brazzaville y Léopoldville (ahora Kinshasa ). [11] Inicialmente, las bandas de maringa presentaban el likembe para la melodía , una botella golpeada con una varilla de metal para el ritmo y un pequeño tambor de marco cubierto de piel llamado patenge para los contrarritmos . [11] Sin embargo, en la década de 1920, los acordeones y las guitarras acústicas suplantaron progresivamente al likembe como instrumentos melódicos. Los movimientos de cadera característicos de los bailarines de maringa , en los que desplazaban el peso del cuerpo entre las piernas, ganaron popularidad. [11] En 1935, la popularidad del baile en pareja se extendió rápidamente por toda la cuenca del Congo , llegando incluso a aldeas remotas. Surgieron salones de baile en ciudades y áreas rurales, mientras que el baile convencional persistió en chozas de ramas de palma. [11]
A principios de la década de 1940, Pool Malebo pasó de ser una barrera a un canal de comunicación que unía Brazzaville y Kinshasa. [11] Los grupos de son cubano como Sexteto Habanero , Trio Matamoros y Los Guaracheros de Oriente se transmitían en Radio Congo Belge , ganando popularidad en el país. [11] [13] [14] Debido a la influencia del son cubano, la música de baile maringa, aunque no relacionada con la rumba cubana , se conoció como " rumba congoleña ", ya que los discos importados de Sexteto Habanero y Trio Matamoros a menudo se etiquetaban erróneamente como "rumba". [15] [11] [16] El profesor de etnomusicología Kazadi wa Mukuna de la Universidad Estatal de Kent explica que el término "rumba" persistió en los Congos debido a los intereses de la industria discográfica. Los propietarios de estudios de grabación reinterpretaron el término rumba atribuyéndole un nuevo ritmo de maringa , conservando el nombre. [15] En consecuencia, su música pasó a ser reconocida como "rumba congoleña" o "rumba africana". Antoine Wendo Kolosoy se convirtió en la primera estrella de la rumba congoleña que realizó giras por Europa y América del Norte con su banda Victoria Bakolo Miziki. Su éxito de 1948 "Marie-Louise", coescrito con el guitarrista Henri Bowane , ganó popularidad en toda África occidental . [17] [18] La rumba congoleña ganó prominencia en la música congoleña a medida que los primeros pioneros revolucionaron su relación con los instrumentos que sostenían. [19] [20]
Etimológicamente, el término soukous , derivado del verbo francés secouer , que denota "sacudir", inicialmente describía a una persona que se movía de forma espasmódica pero evolucionó hacia un estilo de baile sinónimo de vitalidad y cadencia. [21] El término secousse evolucionó con el tiempo, pasando a soucousses y finalmente a soucous en el lenguaje coloquial y en los medios de comunicación, hasta que la " c " cayó en desuso, reemplazada por una " k ". [21]
A principios de los años 1960, una oleada de jóvenes músicos congoleños intentó acelerar el ritmo lento de la rumba congoleña, lo que precipitó el surgimiento del soukous. Los artistas comenzaron a incorporar ritmos más rápidos y una improvisación prominente con la guitarra, a menudo caracterizada por líneas agudas y de ritmo rápido imbuidas de un motivo africano más intenso . El baterista cambia a la cadencia de alto octanaje, donde el ritmo de la clave cambia al tambor , los cantantes participan en cánticos rítmicos ( animación ) y las guitarras principales toman el centro del escenario. [22] [2] [23] [24]
Los orígenes del soukous son motivo de controversia, con atribuciones y puntos de vista divergentes. Clément Ossinondé, un musicólogo congoleño especializado en música congoleña, atribuye a Franco Luambo y TPOK Jazz la creación del soukous pionero, citando su estilo inspirado en el odemba , conocido por su ritmo rápido. [25] Franco también es reconocido por revolucionar los temas del género al infundir importantes cuestiones sociales y políticas en las letras, convirtiendo la música en una plataforma para la conciencia social . [22] [2] [23] [24] Por el contrario, el escritor británico Gary Stewart sugiere que el soukous evolucionó hasta convertirse en un género musical y un estilo de baile en Brazzaville, a partir de la creación de la Super Band en 1964 por el prometedor guitarrista Jacques Kimbembe. [26] [27] El conjunto, posteriormente rebautizado como Sinza, que significa "raíz", introdujo el soukous en la vida nocturna de Brazzaville en 1966, suplantando el estilo boucher tradicional de Les Bantous de la Capitale. [26] Stewart señala además que Orchestre Sinza innovó el soukous en 1968 con una nueva variante llamada mossaka , y poco después, Nico Kasanda introdujo el kiri-kiri, que se basaba en parte en el "jerk" del rock occidental . [26] Mientras tanto, Les Bantous de la Capitale desarrolló una fusión con la canción "Masuwa" de Pablito, anunciada como un soucous - kiri-kiri . El kiri-kiri, que según Stewart se convirtió en una pieza definitoria del género, como lo ejemplifica "Kiri-Kiri Mabina Ya Sika" de Nico, que cuenta la historia de la búsqueda de un hombre por las calles de Kinshasa para reunirse con su pareja para una sesión de kiri-kiri en la Fiesta Sukisa, obtuvo un amplio reconocimiento. [26] Los artistas establecidos adoptaron rápidamente la danza y la difundieron por todo el continente. [8]
A finales de la década de 1960 y principios de la de 1970, el soukous se convirtió en un estilo de danza popular africano predominante en toda África y en la diáspora del continente en Bélgica, Francia, el Reino Unido y los Estados Unidos. [28] [29] Durante este período, una oleada de músicos zairenses se trasladó a Bélgica y Francia, impulsados principalmente por la hegemonía del régimen de Mobutu Sese Seko , que propagó canciones de propaganda como parte de la campaña Authenticité para fomentar un sentido de identidad nacional y orgullo a través de lemas ideológicos del estado de partido único , el Movimiento Popular de la Revolución (MPR). [30] [31] [32] Este cambio ideológico estatal se infiltró gradualmente en la música popular zaireña, y los músicos populares abrazaron la ideología del régimen y documentaron sus logros. El estímulo de Mobutu a los músicos urbanos fue paralelo al enfoque de Mao Zedong en China , donde la música sirvió a la revolución. [33] [31] [34] Como resultado, la globalización de la música urbana congoleña se expandió, lo que llevó a un éxodo masivo de músicos a países africanos y europeos, sobre todo Bélgica y Francia . [33] [35] Muchos jóvenes con opciones de empleo limitadas gravitaron hacia una carrera musical, y la escena soukous de Kinshasa se convirtió en una opción atractiva. Sin embargo, algunos enfrentaron obstáculos para establecerse en Francia. [15] [36] [28] En este contexto, Tabu Ley Rochereau hizo historia como el primer artista africano invitado a actuar en el Olympia Hall de París en diciembre de 1970, donde atrajo a pocos conocedores y sentó un precedente para los músicos zaireños posteriores. [28] [37] [38] [39] Abeti Masikini siguió su ejemplo, convirtiéndose en la segunda artista zaireña y la primera artista soukous femenina en adornar el escenario del Olympia junto a Mireille Mathieu y Hugues Aufray . [40] [41] [42] Este impulso continuó con la actuación de Masikini en el Carnegie Hall de Nueva York el 11 de marzo de 1974, preparando el escenario para cantantes emergentes, griots y otras divas menos conocidas de África. [28] [43]
Al mismo tiempo, la orquesta M'Bamina se aventuró a París antes de buscar audiencia en Italia en 1972. [28] Pablo "Porthos" Lubadika llegó a París en 1979 con el cantante Sam Mangwana a través de Lomé , Togo, después de grabar bajo el nombre de African All Stars. Mangwana, después de haber colaborado con casi todas las figuras prominentes del Congo, se mudó a Abiyán en 1978 para buscar mejores oportunidades. Formó una nueva banda de exiliados económicos congoleños, que se convirtieron en habituales de las bandas de sesión parisinas. [8] El gran éxito de African All Stars, "Suzana Coulibaly", lanzado el 31 de diciembre de 1979, presentaba "ritmos simples y repetitivos" a un tempo más rápido que la rumba congoleña tradicional. [8] La exclamación de Mangwana "soukous sophistiqué" mientras Lokassa Ya M'Bongo y Rigo Star creaban un sebene "sólido como una roca" solidificó la dirección del disco, iniciando un movimiento musical independiente dirigido al mercado internacional. A medida que su influencia crecía, los African All Stars adaptaron los estilos rápidos y ásperos de las bandas juveniles de Brazzaville y Kinshasa, introduciendo este nuevo ritmo a nivel mundial. [8]
En toda África, el soukous dominó las pistas de baile de los clubes nocturnos del este de África y desempeñó un papel fundamental en la configuración de prácticamente todos los estilos de música popular africana contemporánea , incluida la música benga , el muziki wa dansi , el kidandali , el highlife igbo , la música de vino de palma , el taarab , e inspiró el establecimiento de aproximadamente 350 orquestas juveniles en Kinshasa, allanando el camino para nuevos bailes tradicionales, patrones rítmicos y bandas. [44] [45] [24] [46]
A medida que la agitación sociopolítica en Zaire se deterioró en la década de 1970, un gran número de músicos se aventuraron a Tanzania , Kenia y Uganda , donde las orquestas se mantuvieron a través de ventas de discos y actuaciones en el escenario constantes. A principios de la década de 1970, varias bandas congoleñas habían adoptado el ritmo soukous en los clubes nocturnos de Kenia. [47] [48] [49] [50] [51] La vivaz moda del baile cavacha , propagada por bandas como Zaïko Langa Langa y Orchestra Shama Shama, se extendió por África oriental y central , ejerciendo influencia en los músicos kenianos. [52] [53] La utilización del ritmo cavacha, típicamente tocado en el tambor o el hi-hat , se convirtió en un emblema del sonido zaireño en Nairobi y fue adoptado con frecuencia por bandas regionales. Las bandas de rumba swahili congoleñas más importantes de Nairobi se formaron en torno a grupos tanzanos como Simba Wanyika , lo que dio lugar a ramificaciones como Les Wanyika y Super Wanyika Stars. [44] [54] [48] Maroon Commandos , un conjunto con sede en Nairobi, asimiló el estilo soukous al tiempo que le infundía su impronta artística distintiva. Los estudiantes japoneses en Kenia, incluido Rio Nakagawa, desarrollaron una afición por la música congoleña, y Rio acabó encabezando Yoka Choc Nippon, una banda de rumba congoleña concebida en Japón. [55]
Virgin Records produjo álbumes de la orquesta tanzana-zaireña Makassy y de la orquesta keniana Super Mazembe . La canción suajili «Shauri Yako» («Es tu problema») obtuvo un gran reconocimiento en Kenia, Tanzania y Uganda. Otro influyente conjunto zaireño, Les Mangelepa , se trasladó a Kenia y alcanzó una inmensa popularidad en toda África Oriental. El cantante zaireño Samba Mapangala y su banda Orchestra Virunga, con sede en Nairobi, lanzaron el LP Malako , que se convirtió en un lanzamiento pionero en la emergente escena de la música mundial de Europa. [53] [56] [57] [58] Mientras tanto, entre 1976 y 1977, Sam Mangwana y los African All Stars dominaron los salones de baile de Kinshasa con discos producidos en África Occidental , que eran diferentes de los sonidos producidos en los estudios de dos pistas de Kinshasa. Después de esto, hubo una migración a Lomé y Cotonú , seguida de la partida de Franco Luambo a Bélgica. [28]
En Nigeria , el soukous se generalizó debido a la transmisión de música zaireña a través de Radio Brazzaville, donde el público conoció el material de Zaire Vol. 6 (Soundpoint SOP 044, 1978). [59] [60] El soukous catalizó el surgimiento de un género distinto de música highlife igbo basada en la guitarra , ejemplificado por músicos como Oliver De Coque , los Oriental Brothers International y sus diversos imitadores y seguidores. [59] [61] [62] [63] La superabundancia de prensados nigerianos de música zaireña presentó a los músicos que influyeron en esta tendencia, como se ve en el caso de Music From Zaire Vol. 6 , que presentó a artistas del establo de Verckys Kiamuangana Mateta como Orchestre Kiam, Orchestre Lipua-Lipua y el ritmo cavacha. [59] Hubo una inclinación predominante a excluir los lados "A" más lentos de varias grabaciones y, en cambio, centrarse en el sebene culminante , la segunda mitad más rápida y más improvisada . [59] Este paradigma estructural se volvió emblemático de las grabaciones de highlife de guitarra igbo personificadas por el estilo musical de Oliver De Coque y Oriental Brothers International. [59]
El soukous tuvo una amplia difusión en el sur de África , donde fue adoptado y adaptado en varias derivaciones, como el inmensamente popular género sungura de Zimbabwe . [64]
Durante esta época, la música africana comenzó a ganar popularidad a nivel mundial debido al movimiento de música del mundo. En Colombia , el soukous se abrió paso en la cultura local, contribuyendo al desarrollo de la champeta . [65] [66] En el tercer capítulo del documental Pasos de la cumbia , Lucas Silva, DJ y productor cultural especializado en música africana, relata cómo Mobutu Sese Seko compró un avión en Colombia. [67] [68] Cuando requirió mantenimiento, un mecánico colombiano viajó a Zaire, regresando con una colección de discos de 45 rpm, incluido el icónico El Mambote de l'Orchestre Veve, que se convirtió en un éxito. [67] [51] Otros discos de 45 rpm pronto inundaron Cartagena y Barranquilla . [67] En el artículo " Champeta es liberación " : la indestructible cultura del sistema de sonido de Afro-Colombia , la periodista April Clare Welsh observa: "Cuando la 'música africana' arrasó la región durante los años 70 y 80, los sistemas de sonido fueron fundamentales para forjar una identidad diaspórica colectiva para los afrocolombianos en una sociedad profundamente dividida por raza y clase". [69] Músicos africanos como Kanda Bongo Man , Nicolas Kasanda wa Mikalay , Diblo Dibala , Ikenga Super Stars of Africa, M'bilia Bel y Mahlathini and the Mahotella Queens se convirtieron en celebridades locales, forjando una "conexión panafricana que, en ese momento, era en gran parte desconocida para muchos africanos dentro del continente". [67] Los músicos locales comenzaron a replicar los arreglos de artistas congoleños como Nicolas Kasanda wa Mikalay, Tabu Ley Rochereau , M'bilia Bel, Syran Mbenza , Lokassa Ya M'Bongo, Pépé Kallé , Rémy Sahlomon y Kanda Bongo Man. [50] [70] [51] Músicos locales como Viviano Torres, Luis Towers y Charles King se hicieron famosos por esto. [50] Este movimiento llevó a la creación de la champeta, un género arraigado en "guitarras soukous, bajo, batería y baile". [67] Debido a sus movimientos de baile abiertamente sensuales y su asociación con los "negros de abajo", la champeta fue ridiculizada por las clases altas blancas . [67] Sin embargo, para los afrocolombianos, fue una afirmación de su identidad cultural y resiliencia. [67] Los DJ a menudo renombraban canciones africanas con títulos en español, componían champetas en elEl idioma palenque (una fusión criolla del español y las lenguas bantúes como el kikongo y el lingala ) o distorsionaron fonéticamente los nombres originales. [67] Por ejemplo, "Mobali Na Ngai Wana" de Mbilia Bel se conoció en Colombia como "La Bollona". La champeta surgió como un nuevo marcador de identidad negra a lo largo de la costa occidental de Colombia y evolucionó de un género periférico a un fenómeno nacional generalizado. [67] Durante el espectáculo de medio tiempo del Super Bowl LIV el 2 de febrero de 2020, en el Hard Rock Stadium en Miami Gardens, Florida, Shakira bailó "Icha" de Syran Mbenza, una canción a la que se conoce coloquialmente como "El Sebastián" en Colombia, que generó el #ChampetaChallenge en las plataformas de redes sociales de todo el mundo. [71] [72]
Como el malestar sociopolítico persistió en Zaire durante la década de 1980, numerosos músicos buscaron refugio en toda África, y un número considerable se trasladó a Bélgica, Francia y el Reino Unido. Algunos atravesaron África central y oriental antes de establecer finalmente sus bases operativas en Europa. [73] [74] [75] [76] [77] El soukous ganó fuerza en Bruselas, París y Londres, emergiendo como el único género africano subsahariano universalmente adoptado en Bélgica y Francia. [78] Según el columnista congoleño Achille Ngoye, Bélgica ofreció una importante base operativa permanente para numerosos artistas zaireños. [28] Orquestas como Los Nickelos, Yéyé National y Les Mongali, compuestas predominantemente por estudiantes, obtuvieron una atención significativa en Bélgica. [28] [79] [80] El tío Yorgho, ex miembro de OK Jazz , estableció un epicentro de distribución para el repertorio musical zaireño en Bruselas en julio de 1980 (Visa 80). [28] Mientras tanto, Dieudonné Kabongo , Dizzy Mandjeku y Ntesa Dalienst saltaron a la fama debido a la quiebra del sello discográfico belga Fonior!, lo que impulsó a muchos artistas zairenses como Lita Bembo y Matima a buscar entidades de distribución de buena reputación en Bélgica, mientras que otros encontraron consuelo actuando en coros religiosos, que frecuentemente realizaban giras por Holanda . [28]
Soukous fue elegido por el productor de Island Records Ben Mandelson y el empresario togolés Richard Dick como título de una compilación de 1982, Sound D'Afrique II: Soukous . La compilación incluía música de Mali y Camerún junto con "Madeleina", una canción del álbum de 1981 de Pablo 'Porthos' Lubadika , Ma Coco , que ganó una atención significativa en Europa. [8] Zaïko Langa Langa introdujo el papel de un animador dedicado, conocido como atalaku o animador , en el conjunto de cantantes, marcando una tendencia que casi todas las bandas de la escena musical congoleña adoptaron, haciendo que el atalaku fuera emblemático del soukous y de la rumba congoleña. [8] Zaïko Langa Langa logró un éxito significativo, convirtiéndose en la tercera generación de música congoleña ya que muchos miembros fundadores se separaron para formar sus propios grupos, que a su vez se dividieron en más grupos: Isife Lokole , Grand Zaïko Wa Wa, Langa Langa Stars , Clan Langa Langa, Choc Stars y Anti-Choc entre ellos. [8] [81] Papa Wemba y Viva La Musica tuvieron el impacto más duradero, en parte debido a la capacidad de Wemba para mantener una presencia tanto en París como en Kinshasa con bandas duales, una enfocada en soukous y otra con músicos de sesión franceses para pop internacional. En los estudios parisinos, las guitarras seben se mezclaron con las cajas de ritmos ajustadas y los sintetizadores del zouk y el funky disco makossa en numerosos discos. [8] [82] [83] Sin embargo, esta fusión recibió críticas por desviarse de los auténticos estilos congoleños. Críticos notables como Nyboma argumentaron que la música se había comercializado y carecía de profundidad emocional, pidiendo un retorno a los fundamentos de "bellas melodías y voces muy afinadas". [84] : 384–385 [85]
La afluencia de artistas zairenses a Francia catalizó la proliferación de estudios parisinos como epicentros de la producción de soukous, con una dependencia creciente de sintetizadores e instrumentos electrónicos . Algunos artistas continuaron grabando para el mercado congoleño, pero otros abandonaron las demandas del público de Kinshasa y se dispusieron a buscar nuevas audiencias. [82] [28] [83] Una comunidad zairense considerable se estableció en Francia y Suiza , con artistas zairenses realizando programas de capacitación en el país. [28] Kanda Bongo Man , otro artista afincado en París, fue pionero en pistas rápidas y cortas propicias para tocar en pistas de baile de todo el mundo, conocidas popularmente como kwassa kwassa , en honor a los movimientos de baile popularizados en sus videos musicales y en los de otros artistas. Esta música atrajo a los africanos y también a nuevas audiencias. Artistas como Diblo Dibala , Aurlus Mabélé , Tchicl Tchicaya, Jeannot Bel Musumbu, M'bilia Bel , Yondo Sister , Tinderwet, Loketo , Rigo Star, Nyboma, Madilu System , Soukous Stars y veteranos como Pépé Kallé y Koffi Olomidé siguieron su ejemplo. Pronto París se convirtió en el hogar de talentosos músicos de estudio que grababan para los mercados africanos y caribeños y completaban bandas para giras ocasionales. [47] [86] [53] Diblo Dibala y Aurlus Mabélé dominaron los clubes con "Africa Moussou", creando un estilo hiperactivo de soukous de súper velocidad, apodado TGV soukous por los fanáticos, aludiendo a los trenes de alta velocidad de Francia. [8]
Swede-Swede, un conjunto que emplea exclusivamente instrumentos tradicionales, opera desde Bélgica, mientras que Les Malo, compuesto principalmente por ex instructores del Instituto Nacional de Artes de Kinshasa, se especializa en afro-jazz en Lyon . [28] Tshala Muana ganó prominencia en África y Europa por su baile tradicional Luba de balanceo de cadera conocido como mutuashi , que hace olas en los estadios africanos y le valió el apodo de "Reina del Mutuashi". [28] Otras vocalistas femeninas como Déesse Mukangi, Djena Mandako, Faya Tess, Isa y Abby Surya obtuvieron un amplio reconocimiento. [28]
A finales de la década de 1990, músicos como Radja Kula, Wenge Musica , Koffi Olomidé , Général Defao y Extra Musica metamorfosearon el soukous en música de baile frenética y obscena, rebautizándola como ndombolo . [87] [88] [89] [90] [91] Este estilo aumentó en popularidad en toda África y en la diáspora del continente en Bélgica, Francia, el Reino Unido, Alemania, Canadá y los Estados Unidos. [92] [90] [91] Sin embargo, a principios de la década de 2000, el ndombolo enfrentó un escrutinio, con acusaciones de obscenidad que llevaron a intentos de prohibirlo en los medios estatales en la República Democrática del Congo, Camerún , Senegal , Malí y Kenia . [93] [94] [95] [96] En febrero de 2005, los videos musicales de ndombolo en la República Democrática del Congo fueron censurados por indecencia, lo que resultó en la prohibición de los videos de Koffi Olomidé, JB MPiana y Werrason en las ondas de radio. [97] A pesar de la censura, las ventas de discos de ndombolo aumentaron y siguieron siendo populares, y los nuevos lanzamientos dominaron las discotecas, bares y clubes de toda África. [98]