En la sección instrumental sebene de una canción de rumba congoleña , el atalaku es el líder de la banda, responsable de involucrar activamente a la audiencia, generar entusiasmo y aumentar la actuación con vocalizaciones animadas y cantos rítmicos. [1] Atalaku a menudo utiliza un habla de ritmo rápido, sonidos onomatopéyicos y juegos de palabras divertidos para cautivar a los oyentes y mantener su energía durante toda la actuación. [2] [3] [4] [5]
El atalaku rara vez aparece en videos musicales y, a pesar de que su "canción" es ampliamente reconocida, no se lo clasifica como cantante. [2] [1] Aunque actúa junto a figuras prominentes de la industria musical, a menudo se ve eclipsado por sus compañeros de banda. Las críticas por su ostentosa presencia en el escenario y la percepción de distorsión del sentimentalismo nostálgico de la rumba tradicional congoleña son comunes; no obstante, se ha convertido en un componente integral de cada secuencia de baile congoleña. [2] [1]
Según el profesor de antropología social Bob W. White de la Universidad de Montreal , el término atalaku deriva de la expresión kikongo para "mira aquí, mírame" y apareció por primera vez en el lenguaje común en Kinshasa a principios de la década de 1980. [2] El atalaku también es conocido por el término francés animateur . [2]
Durante la sección instrumental sebene de una canción, el atalaku sobresale en la improvisación vocal a través de una combinación de gritos, melodías y pirotecnia vocal para entusiasmar a la audiencia e incitarlos a bailar. [2] [1] Después de las últimas líneas del coro, el cantante principal da un paso atrás, lo que permite que el guitarrista principal inicie el sebene con un riff acelerado. [2] Luego, el atalaku toma el centro del escenario, empuñando un micrófono y, a menudo, maracas (un tipo de sonajero ), para ofrecer una serie de cris (gritos) y cánticos- cris (gritos cantados). [2] Incorporan los nombres de cantantes, guitarristas e incluso miembros de la audiencia que han ofrecido apoyo financiero, tejiendo estas referencias en sus gritos. Este elemento interactivo aumenta la moral de los intérpretes y también personaliza la experiencia para la audiencia. Estos elementos vocales están meticulosamente sincronizados para sincronizarse con los ritmos rápidos de la guitarra y la batería, que llevan tanto a los músicos como a la audiencia a un frenesí de baile. [2]
Además de su talento vocal, el atalaku también es instrumentista y bailarín. Toca el agitador de aerosol , que amplifica el ritmo percusivo del tambor . [2] Su estilo dinámico de actuación a menudo los ve unirse a las formaciones de baile coreografiadas en el escenario, a veces liderando la primera línea de baile o actuando junto a bailarinas. [2] Este papel diverso requiere una resistencia increíble, ya que el atalaku debe mantener altos niveles de energía durante un sebene prolongado, que puede extenderse durante varias horas. [2]
Aunque a menudo se percibe al atalaku como el que marca los pasos de baile y los gritos, su control real sobre estos elementos es limitado. La sucesión de pasos de baile está influenciada por varios factores, lo que hace que el papel del atalaku durante el sebene parezca más prominente de lo que es. [2] Sin embargo, durante los solos de baile prolongados, en particular aquellos en los que participan bailarinas, el atalaku tiene mayor libertad para elegir sus gritos. En estos momentos, utilizan un lenguaje sugerente para enmarcar las actuaciones de los bailarines, mediando entre categorías sociales y reforzando los roles de los bailarines como objetos de deseo masculino. [2]
Los gritos de los atalaku suelen emitirse en un lenguaje codificado, que se inspira en expresiones oscuras de dialectos locales como el kikongo o el kiumbu, así como en la jerga urbana . [2] Este lenguaje arcano introduce un elemento de intriga en su actuación, y el público a veces baila frases que no comprende del todo. [2] Sin embargo, el lenguaje metafórico y a menudo lascivo de los atalaku suele ser transparente para el público, que "está al tanto de la broma". [2]
La relación de los atalaku con la autoridad es compleja, ya que dependen de patrocinadores para su sustento. Si bien no se oponen ni resisten abiertamente a la autoridad, utilizan la adulación y la actuación para ganarse el favor de los poderosos, a menudo atrayendo dinero de los mecenas adinerados. [2] A pesar de su papel en la música de baile moderna, los atalaku siguen estando estrechamente vinculados a los estilos musicales tradicionales, inspirándose en ceremonias funerarias ( matanga ) y otros eventos. [2] Esta práctica, conocida como "dipping" ( puiser ), implica adaptar frases, proverbios o ritmos tradicionales para su uso en representaciones contemporáneas. [2]
Según Bob W. White , aunque los gritos vocales han sido tradicionalmente una faceta de la música popular congoleña , fue recién con la llegada del atalaku que se utilizaron de manera más sistemática. [6] Antes del atalaku, los músicos solían gritar los nombres de sus compañeros de banda o anunciar nuevos bailes. Esta práctica era generalmente más improvisada y menos estructurada que el papel del atalaku que surgiría más tarde. [6]
Los orígenes del atalaku están profundamente arraigados en las costumbres ceremoniales africanas. En estos contextos tradicionales, se utilizaban cantos y vocalizaciones para realzar las experiencias ceremoniales. [2] [6] Sin embargo, el atalaku como un papel específico en la música popular recién se cristalizó con la llegada de la evolución de la rumba congoleña en el siglo XX. [2] [6]
El surgimiento del atalaku está estrechamente vinculado a la dinámica política y cultural de la era Sese Seko de Mobutu en Zaire durante los años 1970 y 1980. [2] Bajo el régimen de Mobutu, el gobierno utilizó la música, la danza y el teatro tradicionales para conseguir apoyo para su propaganda política del estado de partido único y su ideología estatal oficial de Authenticité , que subrayaba la promoción de elementos "tradicionales" para reforzar la imagen del régimen. [2] Siguiendo el modelo de los animadores de mítines políticos, que empleaban la actuación para obtener apoyo al régimen, el papel del atalaku evolucionó hacia una metodología sistemática para animar a la audiencia y crear una experiencia en vivo memorable. [2]
A principios de los años 1970, numerosas bandas de música emergentes, reconociendo la preferencia del público por las secuencias de baile performativas, comenzaron a extender el sebene (el segmento instrumental y de baile intensivo de una canción) hasta el final de las pistas. [2] Franco Luambo popularizó notablemente esta práctica, empleando una técnica de punteo con el pulgar y el índice que creaba la ilusión auditiva de líneas de guitarra duales. [7] Este cambio permitió un mayor enfoque en la danza y la actuación. Kintambo surgió como un crisol para el folclore modernizado y se lo cita con frecuencia como la "cuna" de la música tradicional urbana y el "lugar de nacimiento" del atalaku. [2] Bajo la supervisión de Kumaye, un empresario con sede en Kintambo y figura de la comunidad local, Bana Odeon fue una de las primeras bandas de folclore del barrio en administrar una oficina administrativa y personal para sus operaciones. [2] Inspirándose en los músicos mayores (predominantemente Baumbu) de Kintambo, Kumaye y sus colaboradores reclutaron a un número sustancial de jóvenes locales desempleados y los capacitaron en danza y música tradicionales. [2] En 1978, la sección musical de Bana Odeon comenzó a actuar en tabernas locales, cautivando a los aficionados a la música "moderna" con rutinas de baile inspiradas en el folclore y exhortaciones vocales. [2] En 1980, fueron honrados como el Mejor Grupo Nuevo del Año ( Révélation de l'Année ) y, en el mismo año, recibieron elogios por la Mejor Danza del Año por "zekete". [2] En 1982, los miembros de Bana Odeon, Bébé Atalaku , Nono Monzuluku y Djerba Mandjeku, se unieron a Zaïko Langa Langa , infundiendo el sonido de la banda con cantos folclóricos y movimientos de baile. [2] El grito "¡Atalaku! ¡Tala! ¡Atalaku mama! ¡Zekete! ¡Zebola ka zebola, Zebola danse!" dio nombre al nuevo rol y estilo. [2] Antes de 1982, los cantos eran interpretados típicamente por los cantantes de una banda juvenil congoleña convencional durante las secciones de sebene.
Algunos puristas se opusieron, y algunos críticos sugirieron que la infusión de folclore en la rumba congoleña moderna diluía la autenticidad del género, y algunos detractores afirmaron que Zaïko Langa Langa se había excedido y merecía el escarnio de la capital. [2] Por el contrario, los entusiastas más jóvenes percibieron la llegada del atalaku como un desafío al dominio de los "ancianos" musicales. [2] Las ventas de discos y la asistencia a los conciertos de Zaïko Langa Langa aumentaron, convirtiéndose en un elemento definitorio de sus actuaciones. [2] Muchos grupos musicales comenzaron a seguir el ejemplo de Zaïko Langa Langa, y el atalaku se convirtió rápidamente en un componente indispensable de toda banda que se precie en Kinshasa y más tarde en Brazzaville. Algunas bandas mantienen hasta cinco atalaku simultáneamente. [2]
Bob W. White señala que desde principios de los años 1980, los gritos han evolucionado desde ser simplemente gritados [audio] a ser gritados y cantados, a ser completamente cantados [audio], culminando finalmente en la práctica de algunos cantantes principales ( Koffi Olomide , Général Defao , JP Busé) de tararear gritos con "cuidado" ( atalaku ya soin ) o "encanto" ( atalaku ya charme ). [2] Desde finales de los años 1990, Kinshasa ha sido testigo de al menos dos innovaciones en este ámbito: una ola de atalakus jóvenes (uno de los cuales tenía once años) y una serie de gritos que aparecieron en idiomas distintos del lingala y el kikongo, especialmente el tshiluba . [2]