En música, un aria ( italiano: [ˈaːrja] ; pl.: arie , italiano : [ˈaːrje] ; arias de uso común; forma diminutiva: arietta , italiano: [aˈrjetta] ; pl.: ariette ; en inglés simplemente aire ) es una pieza autónoma para una voz, con o sin acompañamiento instrumental u orquestal , normalmente parte de una obra más amplia.
El contexto típico de las arias es la ópera , pero las arias vocales también aparecen en oratorios y cantatas , o pueden ser arias de concierto independientes . El término se utilizó originalmente para referirse a cualquier melodía expresiva , generalmente, aunque no siempre, interpretada por un cantante.
El término italiano aria , que deriva del griego ἀήρ y del latín aer (aire), apareció por primera vez en relación con la música en el siglo XIV cuando simplemente significaba una manera o estilo de cantar o tocar. A finales del siglo XVI, el término 'aria' se refiere a una forma instrumental (cf. obras para laúd de Santino Garsi da Parma, ("Aria del Gran Duca"). A principios del siglo XVI era de uso común con el significado de montaje sencillo de poesía estrófica ; los madrigales melódicos , libres de polifonía compleja , eran conocidos como madrigale arioso [1] .
En el contexto de obras escénicas y de concierto, las arias evolucionaron desde melodías simples hasta formas estructuradas. En tales obras, el aria cantada, melódica y estructurada se diferenciaba del recitativo similar a un discurso ( parlando ) : este último tendía a transmitir la trama, el primero solía transmitir contenido emocional y servía como una oportunidad para que los cantantes mostraran sus habilidades. talento vocal.
A finales del siglo XVII, las arias de ópera comenzaron a escribirse en una de dos formas. Las arias en forma binaria estaban divididas en dos secciones (A – B); Las arias en forma ternaria (A–B–A) se conocían como arias da capo (literalmente 'de la cabeza', es decir, con la sección inicial repetida, a menudo de manera muy decorada ). [2] En el aria da capo, el episodio 'B' normalmente estaría en una tonalidad diferente : la tonalidad dominante o relativa mayor . Otras variantes de estas formas se encuentran en las óperas francesas de finales del siglo XVII, como las de Jean-Baptiste Lully , que dominaron el período del barroco francés. Los solos vocales en sus óperas (conocidos por supuesto como el término francés airs ) están frecuentemente en forma binaria extendida (ABB') o, a veces, en forma rondeau (ABACA), [3] (una forma análoga al rondó instrumental ).
En la obra de los compositores italianos de finales del siglo XVII y principios del XVIII, el aria da capo llegó a incluir el ritornello (literalmente, 'pequeño retorno'), un episodio instrumental recurrente que presentaba ciertas frases del aria propiamente dicha y proporcionaba, en primeras óperas, la oportunidad de bailar o la entrada de personajes. [4] El aria de da capo con ritornelli se convirtió en un rasgo característico de la ópera europea a lo largo del siglo XVIII y algunos escritores creen que es un antecedente directo de la forma sonata . [5] Los ritornelli se volvieron esenciales para la estructura del aria: "mientras las palabras determinan el carácter de una melodía, los instrumentos de ritornello a menudo deciden en qué términos se presentará". [6]
A principios del siglo XVIII, compositores como Alessandro Scarlatti habían establecido la forma aria, y especialmente su versión da capo con ritornelli, como elemento clave de la ópera seria . "Ofrecía equilibrio y continuidad, y aún así daba margen para el contraste. [...] La misma regularidad de sus características convencionales permitió explotar las desviaciones de lo normal con un efecto revelador". [7] En los primeros años del siglo, las arias de estilo italiano comenzaron a predominar en la ópera francesa, dando lugar finalmente al género francés de ariette , normalmente en una forma ternaria relativamente simple. [8]
Los tipos de aria operística se conocieron mediante una variedad de términos según su carácter, por ejemplo, aria parlante ('estilo de habla', de naturaleza narrativa), [9] aria di bravura (normalmente otorgada a una heroína), [10] aria buffa. (aria de tipo cómico, típicamente dada a un bajo o bajo-barítono ), [11] y así sucesivamente.
MF Robinson describe el aria estándar de la ópera seria en el período 1720 a 1760 de la siguiente manera:
La primera sección normalmente comenzaba con un ritornello orquestal tras el cual entraba el cantante y cantaba la letra de la primera estrofa en su totalidad. Al final de este primer párrafo vocal, la música, si estaba en un tono mayor como solía ser, se había modulado al dominante . Luego, la orquesta tocó un segundo ritornello, generalmente más corto que el primero. El cantante volvió a entrar y cantó las mismas palabras por segunda vez. La música de este segundo párrafo era a menudo un poco más elaborada que la del primero. Hubo más repeticiones de palabras y quizás vocalizaciones más floridas. La clave volvió a la tónica para la cadencia vocal final, tras lo cual la orquesta completó la sección con un ritornello final. [12]
La naturaleza y asignación de las arias a los diferentes roles de la ópera seria estaba muy formalizada. Según el dramaturgo y libretista Carlo Goldoni , en su autobiografía,
Los tres personajes principales del drama deben cantar cinco arias cada uno; dos en el primer acto, dos en el segundo y uno en el tercero. La segunda actriz y la segunda soprano sólo pueden tener tres, y los personajes inferiores deberán conformarse con una sola aria cada uno, o dos como máximo. El autor de la letra debe [...] tener cuidado de que dos arias patéticas [es decir, melancólicas] no se sucedan. Deberá distribuir con la misma precaución las arias de bravura, las arias de acción, las arias inferiores y los minuetos y rondeos. Debe, sobre todo, evitar dar arias apasionadas, arias de bravura o rondeas a personajes inferiores. [13]
Por el contrario, las arias de la ópera buffa (ópera cómica) a menudo tenían un carácter específico de la naturaleza del personaje retratado (por ejemplo, la descarada sirvienta o el irascible pretendiente o tutor anciano). [14]
A finales de siglo quedó claro que estos formatos se estaban fosilizando. Christoph Willibald Gluck pensaba que tanto la ópera buffa como la ópera seria se habían desviado demasiado de lo que realmente debería ser la ópera y parecían antinaturales. Los chistes de la ópera buffa estaban raídos y la repetición de los mismos personajes los convertía en meros estereotipos. En la ópera seria el canto se dedicaba a efectos superficiales y el contenido era aburrido y aburrido. Como en la ópera buffa , los cantantes eran a menudo maestros del escenario y de la música, decorando las líneas vocales de manera tan florida que el público ya no podía reconocer la melodía original. Gluck quería devolver la ópera a sus orígenes, centrándose en el drama y las pasiones humanas y haciendo que las palabras y la música tuvieran la misma importancia. Los efectos de estas reformas gluckistas se vieron no sólo en sus propias óperas sino también en las obras posteriores de Mozart ; las arias ahora se vuelven mucho más expresivas de las emociones individuales de los personajes y están más firmemente ancladas y avanzan en la trama. Richard Wagner elogió las innovaciones de Gluck en su ensayo de 1850 " Ópera y drama ": "El compositor musical se rebeló contra la obstinación del cantante"; en lugar de "desplegar el contenido puramente sensual del Aria a su tono más alto y rango", Gluck buscó "poner grilletes a la ejecución de Caprice de ese Aria, esforzándose él mismo por darle a la melodía [...] una expresión respondiendo al texto de Word subyacente". [15] Esta actitud subyacía a la posible deconstrucción del aria por parte de Wagner en su concepto de Gesamtkunstwerk .
A pesar de los ideales de Gluck y la tendencia a organizar los libretos de modo que las arias tuvieran un papel más orgánico en el drama en lugar de simplemente interrumpir su flujo, en las óperas de principios del siglo XIX (por ejemplo, las de Gioachino Rossini y Gaetano Donizetti ). , las arias de bravura siguieron siendo atracciones centrales y continuaron desempeñando un papel importante en la gran ópera y en la ópera italiana durante todo el siglo XIX.
Una forma favorita de aria en la primera mitad del siglo XIX en la ópera italiana fue la cabaletta , en la que una sección cantabile parecida a una canción es seguida por una sección más animada, la cabaletta propiamente dicha, repetida total o parcialmente. Normalmente, estas arias irían precedidas de un recitativo , y toda la secuencia se denomina escena . También puede haber oportunidades para la participación de orquesta o coro. Un ejemplo es Casta diva de la ópera Norma de Vincenzo Bellini . [16]
Después de alrededor de 1850, las formas de aria en la ópera italiana comenzaron a mostrar más variedad: muchas de las óperas de Giuseppe Verdi ofrecen arias narrativas extendidas para los papeles principales que permiten, en su alcance, la intensificación del drama y la caracterización. Los ejemplos incluyen la condena del tribunal por parte de Rigoletto , "¡Cortigiani, vil razza dannata!" (1851). [16]
Más adelante en el siglo, las óperas de Wagner posteriores a 1850 fueron compuestas en su totalidad , con menos elementos fácilmente identificables como arias autónomas; [17] mientras que el género italiano de la ópera verismo también buscó integrar elementos arioso aunque todavía permitía algunas "piezas de exhibición". [16]
Las arias de concierto , que no forman parte de ninguna obra mayor (o que a veces fueron escritas para reemplazar o insertar arias en sus propias óperas o en óperas de otros compositores) fueron escritas por compositores para brindar la oportunidad de exhibición vocal a los cantantes de concierto; [18] ejemplos son ¡Ah! pérfido , op. 65, de Beethoven , y una serie de arias de concierto de Mozart , entre ellas Conservati Fedele .
El término "aria" se utilizó con frecuencia en los siglos XVII y XVIII para la música instrumental inspirada en la música vocal. [19] Por ejemplo, las llamadas " Variaciones Goldberg " de JS Bach se titulaban en su publicación de 1741 "Clavier Ubung bestehend in einer ARIA mit verschiedenen Verænderungen" ("Ejercicio de teclado, que consiste en un ARIA con diversas variaciones").
La palabra se utiliza a veces en la música contemporánea como título de piezas instrumentales, por ejemplo, el 'aria' para conjunto de cámara de Robin Holloway de 1980 [20] o la pieza para banda de música de Harrison Birtwistle , "Grimethorpe Aria" (1973). [21]
Notas
Fuentes
