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Cosplay , un acrónimo de "juego de disfraces", es una actividad y arte escénico en el que los participantes llamados cosplayers usan disfraces y accesorios de moda para representar a un personaje específico . [1] Los cosplayers a menudo interactúan para crear una subcultura , y un uso más amplio del término "cosplay" se aplica a cualquier juego de rol disfrazado en lugares distintos del escenario. Cualquier entidad que se preste a la interpretación dramática puede ser tomada como tema. Las fuentes favoritas incluyen anime , dibujos animados , cómics , manga , series de televisión , presentaciones de música rock , videojuegos y, en algunos casos, personajes originales.
El cosplay surgió de la práctica de los disfraces de los fanáticos en las convenciones de ciencia ficción , comenzando con los "futuristicostumes" de Morojo creados para la 1.ª Convención Mundial de Ciencia Ficción celebrada en la ciudad de Nueva York en 1939. [2] El término japonés "cosplay" (コスプレ, kosupure ) fue acuñado en 1984. Un rápido crecimiento en la cantidad de personas que hacen cosplay como pasatiempo desde la década de 1990 ha hecho del fenómeno un aspecto significativo de la cultura popular en Japón , así como en otras partes del este de Asia y en el mundo occidental. Los eventos de cosplay son características comunes de las convenciones de fanáticos , y hoy en día hay muchas convenciones y competencias dedicadas, así como redes sociales , sitios web y otras formas de medios centrados en actividades de cosplay. El cosplay es muy popular entre todos los géneros, y no es inusual ver crossplay , también conocido como cambio de género.
El término "cosplay" es una combinación japonesa de los términos ingleses costume y play. [1] El término fue acuñado por Nobuyuki Takahashi de Studio Hard [3] después de asistir a la Convención Mundial de Ciencia Ficción ( Worldcon ) de 1984 en Los Ángeles [4] y ver fans disfrazados, sobre lo que luego escribió en un artículo para la revista japonesa My Anime . [3] Takahashi decidió acuñar una nueva palabra en lugar de usar la traducción existente del término inglés "masquerade" porque eso se traduce al japonés como " una fiesta de disfraces aristocrática ", que no coincidía con su experiencia en la Worldcon. [5] [6] La acuñación refleja un método japonés común de abreviatura en el que las dos primeras moras de un par de palabras se usan para formar un compuesto independiente: 'costume' se convierte en kosu (コス) y 'play' se convierte en pure (プレ).
Los bailes de máscaras eran una característica de la temporada de Carnaval en el siglo XV, e incluían entradas reales alegóricas cada vez más elaboradas , desfiles y procesiones triunfales que celebraban matrimonios y otros eventos dinásticos de la vida cortesana de finales de la Edad Media. Se extendieron a festividades públicas disfrazadas en Italia durante el Renacimiento del siglo XVI , generalmente bailes elaborados celebrados para miembros de las clases altas, que eran particularmente populares en Venecia .
En abril de 1877, Julio Verne envió casi 700 invitaciones para un elaborado baile de disfraces, donde varios de los invitados aparecieron vestidos como personajes de las novelas de Verne. [7]
Las fiestas de disfraces (en inglés americano) o las fiestas de disfraces (en inglés británico) fueron populares a partir del siglo XIX. Las guías de vestuario de la época, como Male Character Costumes (1884) de Samuel Miller [8] o Fancy Gowns Described (1887) de Ardern Holt [9] , presentan principalmente disfraces genéricos, ya sean de época, nacionales, objetos o conceptos abstractos como "Otoño" o "Noche". La mayoría de los disfraces específicos que se describen allí son para personajes históricos, aunque algunos proceden de la ficción, como Los tres mosqueteros o personajes de Shakespeare .
En marzo de 1891, se anunció una convocatoria literal hecha por un tal Herbert Tibbits para lo que hoy se describiría como "cosplayers" para un evento que se llevó a cabo del 5 al 10 de marzo de ese año en el Royal Albert Hall de Londres, para el llamado Bazar y Fiesta Vril-Ya, basado en una novela de ciencia ficción y sus personajes, publicada dos décadas antes. [10]
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El personaje de la tira cómica de ciencia ficción de AD Condo , el Sr. Skygack, de Marte (un etnógrafo marciano que malentiende cómicamente muchos asuntos terrestres), es posiblemente el primer personaje ficticio que la gente emuló vistiendo disfraces, como en 1908, se dice que el Sr. y la Sra. William Fell de Cincinnati, Ohio , asistieron a un baile de máscaras en una pista de patinaje vistiendo disfraces del Sr. Skygack y la Srta. Dillpickles. Más tarde, en 1910, una mujer anónima ganó el primer premio en un baile de máscaras en Tacoma, Washington , vistiendo otro disfraz de Skygack. [14] [15]
Las primeras personas en usar disfraces para asistir a una convención fueron los fanáticos de la ciencia ficción Forrest J. Ackerman y Myrtle R. Douglas, conocidos en el fandom como Morojo . Asistieron a la 1.ª Convención Mundial de Ciencia Ficción (Nycon o 1.ª Worldcon ) de 1939 en el Caravan Hall, Nueva York, EE. UU., vestidos con "disfraces futuristas", que incluían capa y pantalones verdes, basados en la obra de arte de la revista pulp de Frank R. Paul y la película de 1936 Things to Come , diseñada y creada por Douglas. [15] [16] [17]
Ackerman declaró más tarde que pensaba que todos debían usar un disfraz en una convención de ciencia ficción, aunque solo él y Douglas lo hicieron. [18]
Sin embargo, los disfraces de los fanáticos se pusieron de moda y la 2.ª Worldcon (1940) tuvo una mascarada no oficial celebrada en la habitación de Douglas y una mascarada oficial como parte del programa. [4] [19] [20] David Kyle ganó la mascarada vistiendo un disfraz de Ming el Despiadado creado por Leslie Perri , mientras que Robert AW Lowndes recibió el segundo lugar con un disfraz de Bar Senestro (de la novela The Blind Spot de Austin Hall y Homer Eon Flint ). [19] Otros asistentes disfrazados incluyeron al invitado de honor EE Smith como Northwest Smith (de la serie de cuentos de CL Moore ) y tanto Ackerman como Douglas vistiendo sus disfraces futuristas nuevamente. [18] [19] [21] Las mascaradas y los bailes de disfraces continuaron siendo parte de la tradición de la Convención Mundial de Ciencia Ficción a partir de entonces. [20] Los primeros bailes de máscaras de la Worldcon presentaban una banda, baile, comida y bebidas. Los concursantes caminaban por un escenario o un área despejada de la pista de baile. [20]
Ackerman usó un disfraz del "Jorobado de Notre Dame" en la 3.ª Worldcon (1941), que incluía una máscara diseñada y creada por Ray Harryhausen , pero pronto dejó de usar disfraces en las convenciones. [18] Douglas usó un disfraz de Akka (de la novela de A. Merritt The Moon Pool ), la máscara nuevamente hecha por Harryhausen, en la 3.ª Worldcon y un disfraz de Madre Serpiente (otro disfraz de Merritt, de The Snake Mother ) en la 4.ª Worldcon (1946). [22] La terminología aún no estaba resuelta; la edición de 1944 de la Fancyclopedia de Jack Speer usó el término fiesta de disfraces . [23]
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Las reglas que regulaban los disfraces se establecieron en respuesta a disfraces específicos y tendencias de vestuario. La primera concursante desnuda en un baile de máscaras de la Worldcon fue en 1952; pero el apogeo de esta tendencia fue en la década de 1970 y principios de la de 1980, con unas pocas cada año. [20] Esto eventualmente llevó a la regla "No Costume is No Costume" (Sin disfraz no es disfraz), que prohibía la desnudez total, aunque la desnudez parcial todavía estaba permitida siempre que fuera una representación legítima del personaje. [15] Mike Resnick describe el mejor de los disfraces de desnudos como Kris Lundi con un disfraz de arpía en la 32.ª Worldcon (1974) (recibió una mención honorífica en la competencia). [20] [24] [25] Otro disfraz que instigó un cambio de reglas fue el de una asistente a la 20.ª Worldcon (1962) cuyo bláster de apoyo disparó un chorro de llama real; lo que llevó a que se prohibiera el fuego. [20] En la 30.ª WorldCon (1972), el artista Scott Shaw lució un disfraz compuesto principalmente de mantequilla de maní para representar a su propio personaje de cómic underground llamado "The Turd". La mantequilla de maní se desprendió, dañando los muebles y los disfraces de otras personas, y luego comenzó a ponerse rancia bajo el calor de la iluminación. Los alimentos y las sustancias odiosas y sucias fueron prohibidas como elementos de vestuario después de ese evento. [20] [26] [27] [28]
El uso de disfraces se extendió con las convenciones de ciencia ficción y la interacción del fandom . El primer ejemplo conocido de uso de disfraces en una convención en el Reino Unido fue en la Convención de Ciencia Ficción de Londres (1953), pero esto fue solo como parte de una obra de teatro. Sin embargo, los miembros de la Sociedad de Ciencia Fantasía de Liverpool asistieron a la 1.ª Cytricon (1955), en Kettering , vistiendo disfraces y continuaron haciéndolo en los años siguientes. [29] La 15.ª Worldcon (1957) trajo la primera mascarada oficial de convención al Reino Unido. [29] La Eastercon de 1960 en Londres puede haber sido la primera convención con sede en Gran Bretaña en celebrar una fiesta oficial de disfraces como parte de su programa. [30] Las ganadoras conjuntas fueron Ethel Lindsay e Ina Shorrock como dos de las brujas titulares de la novela Las brujas de Karres de James H. Schmitz . [31]
Las convenciones de Star Trek comenzaron en 1969 y las convenciones más importantes comenzaron en 1972 y han presentado cosplay en todas ellas. [32]
En Japón, disfrazarse en las convenciones era una actividad de los fans desde al menos la década de 1970, especialmente después del lanzamiento de la convención Comiket en diciembre de 1975. [15] El disfrazarse en esta época se conocía como kasō (仮装) . [15] El primer caso documentado de disfrazarse en un evento de fans en Japón fue en Ashinocon (1978), en Hakone , en el que la futura crítica de ciencia ficción Mari Kotani vistió un disfraz basado en la portada de la novela de Edgar Rice Burroughs A Fighting Man of Mars . [Notas 1] [33] [34] En una entrevista, Kotani afirma que había unos veinte asistentes disfrazados en la fiesta de disfraces de la convención, compuesta por miembros de su club de fans Triton of the Sea y Kansai Entertainers (関西芸人, Kansai Geinin ) , antecedente del estudio de anime Gainax , y la mayoría de los asistentes vestían ropa normal. [33] Uno del grupo de Kansai, un amigo anónimo de Yasuhiro Takeda , llevaba un disfraz improvisado de Tusken Raider (de la película Star Wars ) hecho con uno de los rollos de papel higiénico del hotel anfitrión. [35] Los concursos de disfraces se convirtieron en una parte permanente de las convenciones Nihon SF Taikai desde Tokon VII en 1980.
Posiblemente el primer concurso de disfraces celebrado en una convención de cómics fue en la 1.ª Academy Con celebrada en el Broadway Central Hotel de Nueva York en agosto de 1965. [36] Roy Thomas , futuro editor en jefe de Marvel Comics, pero que en ese momento estaba en transición de editor de fanzines a escritor profesional de cómics, asistió con un disfraz de Plastic Man . [36]
El primer baile de máscaras celebrado en la Comic-Con de San Diego fue en 1974 durante el sexto evento de la convención. La actriz de doblaje June Foray fue la maestra de ceremonias . [37] La futura reina del grito Brinke Stevens ganó el primer lugar vistiendo un disfraz de Vampirella . [38] [39] Ackerman (quien fue el creador de Vampirella) estuvo presente y posó con Stevens para fotografías. Se hicieron amigos y, según Stevens, "Forry y su esposa, Wendayne, pronto se convirtieron en mis padrinos". [40] El fotógrafo Dan Golden vio una fotografía de Stevens con el disfraz de Vampirella mientras visitaba la casa de Ackerman, lo que lo llevó a contratarla para un papel sin diálogo en su primera película estudiantil, Zyzak is King (1980), y luego fotografiarla para la portada del primer número de Femme Fatales (1992). [40] Stevens atribuye estos eventos al lanzamiento de su carrera como actriz. [40]
Tan pronto como un año después del estreno en 1975 de The Rocky Horror Picture Show , los miembros de la audiencia comenzaron a vestirse como personajes de la película y a realizar juegos de rol (aunque el incentivo inicial para disfrazarse era la entrada gratuita) con disfraces a menudo muy precisos. [41] [42]
Costume-Con, una conferencia dedicada al vestuario, se celebró por primera vez en enero de 1983. [43] [44] El International Costumers Guild, Inc., originalmente conocido como Greater Columbia Fantasy Costumer's Guild, se lanzó después de la 3.ª Costume-Con (1985) como organización matriz y para apoyar el vestuario. [43]
El disfrazarse había sido una actividad de los aficionados en Japón desde los años 70 y se hizo mucho más popular a raíz del informe de Takahashi. Sin embargo, el nuevo término no se popularizó de inmediato. Pasaron uno o dos años desde la publicación del artículo antes de que se convirtiera en algo de uso común entre los aficionados en las convenciones. [15] Fue en los años 90, tras su exposición en televisión y revistas, cuando el término y la práctica del cosplay se convirtieron en algo de conocimiento común en Japón. [15]
Los primeros cafés de cosplay aparecieron en el área de Akihabara en Tokio a fines de la década de 1990. [4] [45] Se instaló un café de mucamas temporal en el evento Tokyo Character Collection en agosto de 1998 para promocionar el videojuego Welcome to Pia Carrot 2 (1997). [45] Un restaurante Pia Carrot ocasional se llevó a cabo en la tienda Gamers en Akihabara en los años hasta 2000. [45] Estar vinculado a propiedades intelectuales específicas limitó la vida útil de estos cafés, lo que se resolvió mediante el uso de mucamas genéricas, lo que llevó al primer establecimiento permanente, Cure Maid Café, que abrió en marzo de 2001. [45]
El primer World Cosplay Summit se celebró el 12 de octubre de 2003 en el Hotel Rose Court de Nagoya (Japón), con cinco cosplayers invitados de Alemania, Francia e Italia. No hubo concurso hasta 2005, cuando comenzó el Campeonato Mundial de Cosplay. Los primeros ganadores fueron el equipo italiano formado por Giorgia Vecchini, Francesca Dani y Emilia Fata Livia.
La asistencia a los bailes de máscaras de la Worldcon alcanzó su punto máximo en la década de 1980 y comenzó a disminuir a partir de entonces. Esta tendencia se revirtió cuando el concepto de cosplay se volvió a importar desde Japón.
Los disfraces de cosplay varían mucho y pueden ir desde ropa temática sencilla hasta disfraces muy detallados. Por lo general, se considera diferente de los disfraces de Halloween y Mardi Gras , ya que la intención es replicar un personaje específico, en lugar de reflejar la cultura y el simbolismo de un evento festivo. Como tal, cuando están disfrazados, algunos cosplayers a menudo buscan adoptar el afecto, los gestos y el lenguaje corporal de los personajes que interpretan (con pausas "fuera del personaje"). Los personajes elegidos para ser cosplay pueden provenir de cualquier película, serie de televisión, libro, cómic, videojuego, banda de música, anime o manga. Algunos cosplayers incluso eligen hacer cosplay de un personaje original de su propio diseño o una fusión de diferentes géneros (por ejemplo, una versión steampunk de un personaje), y es parte del espíritu del cosplay que cualquiera puede ser cualquier cosa, como con el genderbending , crossplay o drag , un cosplayer que interpreta a un personaje de otra etnia o un hijabi que interpreta al Capitán América . [46] [47]
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Los cosplayers obtienen su indumentaria a través de muchos métodos diferentes. Los fabricantes producen y venden atuendos empaquetados para usar en cosplay, con diferentes niveles de calidad. Estos disfraces a menudo se venden en línea, pero también se pueden comprar a distribuidores en convenciones. Los fabricantes japoneses de disfraces de cosplay informaron una ganancia de 35 mil millones de yenes en 2008. [48] Varias personas también trabajan por encargo, creando disfraces personalizados, accesorios o pelucas diseñadas y ajustadas al individuo. Otros cosplayers, que prefieren crear sus propios disfraces, aún brindan un mercado para elementos individuales y diversas materias primas , como pelucas sin peinar , tinte para el cabello, telas y nociones de costura, látex líquido , pintura corporal , bisutería y armas de utilería.
El cosplay representa un acto de encarnación . El cosplay ha estado estrechamente vinculado a la presentación de uno mismo , [49] sin embargo, la capacidad de los cosplayers para actuar está limitada por sus características físicas. La precisión de un cosplay se juzga en función de la capacidad de representar con precisión un personaje a través del cuerpo, y los cosplayers individuales con frecuencia se enfrentan a sus propios "límites corporales" [50] como el nivel de atractivo, el tamaño corporal y la discapacidad [51] que a menudo restringen y limitan la precisión que se percibe del cosplay. La autenticidad se mide por la capacidad individual de un cosplayer para traducir la manifestación en pantalla al cosplay en sí. Algunos han argumentado que el cosplay nunca puede ser una verdadera representación del personaje; en cambio, solo se puede leer a través del cuerpo, y que la verdadera encarnación de un personaje se juzga en función de la proximidad a la forma original del personaje. [52] El cosplay también puede ayudar a algunas personas con problemas de autoestima. [53] [54]
Muchos cosplayers crean sus propios atuendos, haciendo referencia a imágenes de los personajes en el proceso. En la creación de los atuendos, se dedica mucho tiempo a los detalles y las calidades, por lo que la habilidad de un cosplayer puede medirse por la dificultad de los detalles del atuendo y lo bien que se han replicado. Debido a la dificultad de replicar algunos detalles y materiales, los cosplayers a menudo se capacitan en especialidades artesanales como textiles , esculturas , pintura facial , fibra de vidrio , diseño de moda , carpintería y otros usos de materiales en el esfuerzo por reproducir el aspecto y la textura de un disfraz con precisión. [55] Los cosplayers a menudo usan pelucas junto con su atuendo para mejorar aún más el parecido con el personaje. Esto es especialmente necesario para los personajes de anime y manga o videojuegos que a menudo tienen un cabello de colores poco naturales y un estilo único. Los atuendos más simples pueden compensar su falta de complejidad prestando atención a la elección del material y la alta calidad general.
Para parecerse más a los personajes que están interpretando, los cosplayers también pueden participar en varias formas de modificación corporal . Los cosplayers pueden optar por cambiar su color de piel utilizando maquillaje para simular más la raza del personaje que están adoptando. [56] Los lentes de contacto que coinciden con el color de los ojos de su personaje son una forma común de esto, especialmente en el caso de personajes con ojos particularmente únicos como parte de su apariencia característica. También se utilizan lentes de contacto que hacen que la pupila se vea agrandada para reflejar visualmente los ojos grandes de los personajes de anime y manga. [57] Otra forma de modificación corporal en la que participan los cosplayers es copiar cualquier tatuaje o marca especial que pueda tener su personaje. Los tatuajes temporales , el marcador permanente , la pintura corporal y, en casos raros, los tatuajes permanentes, son todos métodos utilizados por los cosplayers para lograr el aspecto deseado. El tinte para el cabello permanente y temporal, el colorante para el cabello en aerosol y los productos especializados para el peinado extremo son todos utilizados por algunos cosplayers cuyo cabello natural puede lograr el peinado deseado. También es común que se afeiten las cejas para obtener una apariencia más precisa.
Algunos personajes de anime y videojuegos tienen armas u otros accesorios que son difíciles de replicar, y las convenciones tienen reglas estrictas con respecto a esas armas, pero la mayoría de los cosplayers utilizan alguna combinación de métodos para obtener todos los elementos necesarios para sus disfraces; por ejemplo, pueden encargar un arma de utilería, coser su propia ropa, comprar joyas del personaje a un fabricante de accesorios de cosplay o comprar un par de zapatos confeccionados y modificarlos para que combinen con el aspecto deseado.
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El cosplay se puede presentar de varias formas y lugares. Un subconjunto de la cultura del cosplay se centra en el atractivo sexual , y los cosplayers eligen específicamente personajes conocidos por su atractivo o disfraces reveladores. Sin embargo, usar un disfraz revelador puede ser un tema delicado al aparecer en público. [58] [59] [60] Las personas que aparecían desnudas en las convenciones de fandom de ciencia ficción estadounidenses durante la década de 1970 eran tan comunes que se introdujo una regla de "sin disfraz no es disfraz". [61] Algunas convenciones en todo Estados Unidos, como Phoenix Comicon [62] (ahora conocida como Phoenix Fan Fusion ) y Penny Arcade Expo , [63] también han emitido reglas sobre las cuales se reservan el derecho de pedir a los asistentes que se vayan o cambien sus disfraces si se considera inapropiado para un entorno familiar o algo de naturaleza similar.
La forma más popular de presentar un cosplay en público es usarlo en una convención de fans . Se pueden encontrar múltiples convenciones dedicadas al anime y manga, cómics, programas de televisión, videojuegos, ciencia ficción y fantasía en todo el mundo. Las convenciones centradas en el cosplay incluyen Cosplay Mania en Filipinas y EOY Cosplay Festival en Singapur.
El evento más grande que presenta cosplay es el mercado semestral de doujinshi , Comic Market ( Comiket ), que se celebra en Japón durante el verano y el invierno. Comiket atrae a cientos de miles de fanáticos del manga y el anime, donde miles de cosplayers se congregan en el techo del centro de exposiciones. En América del Norte, las convenciones de fans con mayor asistencia que presentan cosplayers son San Diego Comic-Con y New York Comic Con celebradas en los Estados Unidos, y la Anime North específica de anime en Toronto, Otakon celebrada en Washington, DC y Anime Expo celebrada en Los Ángeles. El evento más grande de Europa es Japan Expo celebrada en París, mientras que la London MCM Expo y la London Super Comic Convention son las más notables en el Reino Unido. Supanova Pop Culture Expo es el evento más grande de Australia.
Las convenciones de Star Trek han incluido cosplay durante muchas décadas. Entre ellas, Destination Star Trek, una convención en el Reino Unido, y Star Trek Las Vegas, una convención en los Estados Unidos.
En diferentes ferias de cómics se instalan “Áreas Temáticas” donde los cosplayers pueden tomarse fotos en un entorno que imita al del juego o producto de animación del que proceden. En ocasiones los cosplayers forman parte de la zona, desempeñando el papel de staff con la tarea de entretener a los demás visitantes. Algunos ejemplos son las áreas temáticas dedicadas a Star Wars o a Fallout. Las áreas son instaladas por asociaciones de fans sin ánimo de lucro, pero en algunas ferias importantes es posible visitar áreas montadas directamente por los desarrolladores de los videojuegos o los productores del anime.
La aparición de cosplayers en eventos públicos los convierte en un atractivo popular para los fotógrafos. [64] Cuando esto se hizo evidente a finales de la década de 1980, se desarrolló una nueva variante del cosplay en la que los cosplayers asistían a los eventos principalmente con el propósito de modelar sus personajes para fotografías fijas en lugar de participar en juegos de roles continuos. Se desarrollaron reglas de etiqueta para minimizar las situaciones incómodas que involucran límites. Los cosplayers posan para los fotógrafos y los fotógrafos no los presionan para obtener información de contacto personal o sesiones privadas, no los siguen fuera del área ni toman fotos sin permiso. Las reglas permiten que la relación de colaboración entre fotógrafos y cosplayers continúe con el menor inconveniente posible para cada uno. [34]
Algunos cosplayers optan por que un fotógrafo profesional les tome fotografías de alta calidad con sus disfraces y posando como el personaje. Los cosplayers y los fotógrafos suelen exhibir su trabajo en línea y, a veces, venden sus imágenes. [64]
A medida que la popularidad del cosplay ha crecido, muchas convenciones han llegado a presentar un concurso en torno al cosplay que puede ser la característica principal de la convención. Los concursantes presentan su cosplay y, a menudo, para ser juzgados por un premio, el cosplay debe ser hecho por ellos mismos. Los concursantes pueden optar por realizar una parodia, que puede consistir en un breve guión o baile interpretado con audio, video o imágenes opcionales que se muestran en una pantalla en lo alto. Otros concursantes pueden simplemente optar por posar como sus personajes. A menudo, los concursantes son entrevistados brevemente en el escenario por un maestro de ceremonias . El público tiene la oportunidad de tomar fotos de los cosplayers. Los cosplayers pueden competir solos o en grupo. Se entregan premios y estos premios pueden variar mucho. Generalmente, se entregan un premio al mejor cosplayer, un premio al mejor grupo y premios al segundo lugar. Los premios también pueden otorgarse a la mejor parodia y a una serie de subcategorías de habilidades de cosplay, como maestro sastre, maestro armero, maestro armero, etc.
El evento de concurso de cosplay más conocido es el World Cosplay Summit , que selecciona cosplayers de 40 países para competir en la ronda final en Nagoya , Japón. Otros eventos internacionales incluyen el European Cosplay Gathering (la final se lleva a cabo en la Japan Expo en París), [65] EuroCosplay (la final se lleva a cabo en la MCM Comic Con de Londres), [66] y el Nordic Cosplay Championship (la final se lleva a cabo en la NärCon en Linköping , Suecia). [67]
Esta tabla contiene una lista de los criterios de evaluación de competencias de cosplay más comunes, como se ve en World Cosplay Summit, [68] Cyprus Comic Con, [69] y ReplayFX. [70]
Representar a un personaje del sexo opuesto se denomina crossplay . La practicidad del crossplay y del travestismo se debe en parte a la abundancia en el manga de personajes masculinos con rasgos delicados y algo andróginos. Dichos personajes, conocidos como bishōnen (lit. "chico bonito"), [71] son el equivalente asiático del arquetipo del niño elfo representado en la tradición occidental por figuras como Peter Pan y Ariel . [72]
Los cosplayers masculinos que se convierten en mujeres pueden tener problemas al intentar representar a un personaje femenino porque es difícil mantener la feminidad sexualizada de un personaje. Los cosplayers masculinos también pueden ser objeto de discriminación, [73] incluyendo comentarios homofóbicos y ser tocados sin permiso. Esto afecta a los hombres posiblemente incluso con más frecuencia que a las mujeres, a pesar de que el contacto inapropiado ya es un problema para las mujeres que hacen cosplay, [74] al igual que el " slut-shaming ". [75]
Los cosplayers de animegao , un grupo nicho en el ámbito del cosplay, suelen ser cosplayers masculinos que utilizan zentai y máscaras estilizadas para representar personajes femeninos de anime . Estos cosplayers ocultan por completo sus rasgos reales para que la apariencia original de sus personajes se pueda reproducir lo más literalmente posible y para mostrar todas las abstracciones y estilizaciones, como los ojos de gran tamaño y las bocas diminutas que suelen verse en el arte de los dibujos animados japoneses. [76] Esto no significa que solo los hombres realicen animegao o que las máscaras sean solo femeninas.
"Cosplay Is Not Consent", un movimiento iniciado en 2013 por Rochelle Keyhan, Erin Filson y Anna Kegler, llamó la atención sobre el problema del acoso sexual en la comunidad de cosplayers que asisten a convenciones . [77] [78] El acoso a los cosplayers incluye fotografías sin permiso, abuso verbal, tocamientos y manoseos. El acoso no se limita a las mujeres con atuendos provocativos, ya que los cosplayers masculinos hablaron sobre ser intimidados por no encajar en ciertos disfraces y personajes.
A partir de 2014, la Comic Con de Nueva York colocó grandes carteles en la entrada que decían "El cosplay no es consentimiento". Se recordó a los asistentes que pidieran permiso para las fotos y que respetaran el derecho de la persona a decir que no. [79] El movimiento contra el acoso sexual a los cosplayers ha seguido ganando impulso y conciencia desde que se hizo público. Los medios de comunicación tradicionales como The Mercury News y Los Angeles Times han informado sobre el tema, creando conciencia sobre el acoso sexual a quienes están fuera de la comunidad del cosplay. [80] [81]
A medida que el cosplay ha entrado en los medios de comunicación más convencionales, la etnicidad se convierte en un punto controvertido. Los cosplayers de un color de piel diferente al del personaje a menudo son ridiculizados por no ser "precisos" o "fieles". [82] Muchos cosplayers sienten que cualquiera puede hacer cosplay de cualquier personaje, pero se vuelve complicado cuando los cosplayers no respetan la etnicidad del personaje. [83] Estas opiniones contra los cosplayers no blancos dentro de la comunidad se han atribuido a la falta de representación en la industria y en los medios. [84] Problemas como la cara pintada de negro , la cara pintada de marrón y la cara amarilla siguen siendo controvertidos ya que una gran parte de la comunidad de cosplayer los ve como problemas separados, o simplemente una parte aceptable del cosplay. [ cita requerida ]
El cosplay ha influido en la industria publicitaria, en la que los cosplayers suelen ser utilizados para trabajos de eventos que antes se asignaban a modelos de agencias. [64] Algunos cosplayers han transformado así su pasatiempo en carreras profesionales rentables. [85] [86] [87] La industria del entretenimiento de Japón ha sido el hogar de los cosplayers profesionales desde el surgimiento de Comiket y Tokyo Game Show . [64] El fenómeno es más evidente en Japón, pero existe hasta cierto punto en otros países también. Los cosplayers profesionales que se benefician de su arte pueden experimentar problemas relacionados con la infracción de derechos de autor . [88]
Un modelo de cosplay, también conocido como ídolo de cosplay, hace cosplay de disfraces para compañías de anime, manga o videojuegos. Los buenos cosplayers son vistos como personajes ficticios en carne y hueso, de la misma manera que los actores de cine llegan a ser identificados en la mente del público con roles específicos. Los cosplayers han modelado para revistas impresas como Cosmode y un modelo de cosplay exitoso puede convertirse en el embajador de marca de compañías como Cospa . Algunos modelos de cosplay pueden lograr un reconocimiento significativo. Si bien hay muchos modelos de cosplay importantes, se describió a Yaya Han como alguien que emergió "como una figura reconocida tanto dentro como fuera de los circuitos de cosplay". [86] Jessica Nigri , usó su reconocimiento en el cosplay para obtener otras oportunidades, como la actuación de voz y su propio documental sobre Rooster Teeth . Liz Katz usó su base de fans para llevar su cosplay de un pasatiempo a una empresa comercial exitosa, lo que provocó un debate en la comunidad de cosplay sobre si se debería permitir a los cosplayers financiar y beneficiarse de su trabajo. [89] [90]
En la década de 2000, los cosplayers comenzaron a ampliar los límites del cosplay hacia el erotismo, allanando el camino al "erocosplay". [91] [92] La llegada de las redes sociales, junto con las plataformas de crowdfunding como Patreon y OnlyFans , han permitido a las modelos de cosplay convertir el cosplay en carreras rentables a tiempo completo. [93]
Los cosplayers en Japón solían referirse a sí mismos como reiyā (レイヤー) , pronunciado "capa". Actualmente en Japón, a los cosplayers se les llama más comúnmente kosupure (コスプレ) , pronunciado "ko-su-pray", ya que reiyā se usa más a menudo para describir capas (es decir, cabello, ropa, etc.). [94] Palabras como lindo ( kawaii (可愛い)) y genial ( kakko ī (かっこ いい)) se usaban a menudo para describir estos cambios, [ se necesita más explicación ] expresiones que estaban ligadas a nociones de feminidad y masculinidad. [95] Aquellos que fotografían a los jugadores se llaman cameko , abreviatura de camera kozō o camera boy . Originalmente, los cameko daban copias de sus fotos a los jugadores como obsequio. El creciente interés en los eventos de cosplay, tanto por parte de los fotógrafos como de los cosplayers dispuestos a posar para ellos, ha llevado a la formalización de los procedimientos en eventos como el Comiket. La fotografía se lleva a cabo dentro de un área designada, alejada de la sala de exposiciones. En Japón, los disfraces generalmente no son bienvenidos fuera de las convenciones u otras áreas designadas. [5] [6]
Desde 1998, el distrito Akihabara de Tokio alberga una serie de restaurantes de cosplay , dirigidos a fanáticos del anime y el cosplay, donde las camareras de estos cafés se visten como personajes de videojuegos o anime; los cafés de mucamas son particularmente populares. En Japón, el distrito Harajuku de Tokio es el lugar de reunión informal favorito para practicar cosplay en público. Los eventos en Akihabara también atraen a muchos cosplayers.
Ishoku-hada (異色肌) es una forma de cosplay japonés en la que los jugadores usan pintura corporal para que el color de su piel coincida con el del personaje que interpretan. Esto les permite representar personajes de anime o videojuegos con colores de piel no humanos. [96]
Una encuesta de 2014 para la convención Comic Market en Japón señaló que aproximadamente el 75% de los cosplayers que asisten al evento son mujeres. [97]
El cosplay es común en muchos países del este de Asia. Por ejemplo, es una parte importante de las convenciones del mundo del cómic que se llevan a cabo regularmente en Corea del Sur, Hong Kong y Taiwán. [98] Históricamente, la práctica de disfrazarse de personajes de obras de ficción se remonta a finales del siglo XVII, a finales de la dinastía Ming en China. [99]
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Los orígenes del cosplay occidental se basan principalmente en fandoms de ciencia ficción y fantasía . También es más común que los cosplayers occidentales recreen personajes de series de acción en vivo que los cosplayers japoneses. Los disfraces occidentales también incluyen subculturas de aficionados que participan en ferias renacentistas , juegos de rol de acción en vivo y recreaciones históricas . La competencia en las convenciones de ciencia ficción generalmente incluye la mascarada (donde los disfraces se presentan en el escenario y se juzgan formalmente) y disfraces de salón [100]
La creciente popularidad de la animación japonesa fuera de Asia durante finales de la década de 2000 condujo a un aumento de cosplayers estadounidenses y de otros países occidentales que interpretan personajes de manga y anime. Las convenciones de anime se han vuelto más numerosas en Occidente en la última década, y ahora compiten con las conferencias de ciencia ficción, cómics e historia. En estas reuniones, los cosplayers, al igual que sus homólogos japoneses, se reúnen para mostrar su trabajo, ser fotografiados y competir en concursos de disfraces. [101] Los asistentes a las convenciones también se disfrazan con la misma frecuencia de personajes de cómics o animados occidentales, o de personajes de películas y videojuegos.
Aún existen diferencias de gusto entre culturas: algunos disfraces que los cosplayers japoneses usan sin dudarlo tienden a ser evitados por los cosplayers occidentales, como los atuendos que evocan uniformes nazis . Algunos cosplayers occidentales también se han encontrado con cuestiones de legitimidad al interpretar personajes de orígenes raciales canónicamente diferentes, [102] [103] y la gente puede ser insensible a los cosplayers que interpretan personajes que canónicamente son de otro color de piel. [104] [105] Los cosplayers occidentales de personajes de anime también pueden ser objeto de burlas particulares. [106]
A diferencia de Japón, el uso de disfraces en público está más aceptado en el Reino Unido, Irlanda, Estados Unidos, Canadá y otros países occidentales. Estos países tienen una tradición más larga de disfraces de Halloween , disfraces de fans y otras actividades similares. Como resultado, por ejemplo, a menudo se puede ver a asistentes a convenciones disfrazados en restaurantes y establecimientos de comida locales, más allá de los límites de la convención o evento. [5] [6]
Japón es el hogar de dos revistas de cosplay especialmente populares, Cosmode (コスモード) y Dengeki Layers (電撃Layers) de ASCII Media Works . [107] Cosmode tiene la mayor participación en el mercado y una edición digital en inglés. [108] Otra revista, dirigida a una audiencia más amplia y mundial es CosplayGen . [109] En los Estados Unidos, Cosplay Culture comenzó a publicarse en febrero de 2015. [110] Otras revistas incluyen CosplayZine con cosplayers de todo el mundo desde octubre de 2015, [111] y Cosplay Realm Magazine , que comenzó en abril de 2017. [112] También hay muchos libros sobre el tema del cosplay. [113]
En un baile de máscaras en Monroe, Washington, en 1912, el impresionante disfraz casero de Skygack de August Olson, completo con cuaderno, le valió el primer premio y un lugar en la portada del periódico local.
En resumen, usted, Sra. Mari, miembro del club de fans del anime de ciencia ficción TRITON, asistió a una convención de ciencia ficción en una instalación estilo pijamada, donde se disfrazó de un personaje de ciencia ficción que apareció en la portada de A Fighting Man of Mars de Edgar Rice Burroughs.
A finales de la década de 1990 y alrededor del cambio de siglo, con la aparición de cafés de cosplay en Akihabara y con los "clubes de imagen" (lugares de prostitución donde las chicas se visten con atuendos para crear una "imagen") cada vez más populares, los cosplayers eróticos comenzaron a dar sus primeros pasos. Hacia 2003 o 2004, los cosplayers vestían atuendos cada vez más sexys. El aumento de la piel parece estar directamente relacionado tanto con la explosión de Internet como con el aumento de la calidad de la fotografía digital.
Aparentemente, existe un término para lo que hacen estos cosplayers sexys, completamente desnudos y explícitos, y se llama 'erocosplay', una fusión entre las palabras erótico y cosplay, suponemos.
