async es el decimonoveno álbum de estudio en solitario del músico japonés Ryuichi Sakamoto y el primero en ocho años desde Out of Noise (2009). También es su primer disco en solitario de larga duración desde que se recuperó de un cáncer de garganta en 2015. Async, que consta de una combinación de interpretaciones extrañas de instrumentos musicales familiares, texturas inusuales tanto acústicas como electrónicas, muestras de grabaciones de personas como David Sylvian y Paul Bowles haciendo lecturas y sonidos cotidianos tomados de grabaciones de campo de calles de la ciudad, tiene como temas subyacentes las preocupaciones por el final de la vida y la interacción de diferentes puntos de vista en la humanidad.
Promocionado con dos instalaciones de museos de arte, un concurso de cortometrajes y estreno a través de un evento de escucha en el Big Ears Festival , async fue lanzado por primera vez en Japón por el sello de Sakamoto, Commmons, en marzo de 2017 antes de que Milan lo distribuyera a otras naciones en abril de 2017. Fue aclamado por la crítica, aterrizó en el top veinte de la lista de álbumes japoneses y en el top cinco de la lista American Top Classical Albums de Billboard , y fue clasificado como el mejor álbum de 2017 por la revista Fact . Un conjunto de remixes de canciones de async , titulado ASYNC - REMODELS , fue lanzado en diciembre de 2017.
El 2 de febrero de 2024 se lanzó una innovadora reinterpretación de async, "async - immersion 2023". Este proyecto, una colaboración con Shiro Takatani , se presentó inicialmente como una instalación específica del sitio en el sótano del edificio Kyoto Shimbun. El lanzamiento tiene como objetivo replicar la experiencia auditiva de la exhibición 'async - immersion 2023' exhibida en AMBIENT KYOTO. [6] El ingeniero de audio ZAK jugó un papel fundamental en este esfuerzo, elaborando una mezcla única que combina a la perfección los sonidos ambientales del espacio de exhibición, una antigua fábrica de impresión, con las composiciones originales de Sakamoto. Diseñado para ser experimentado de forma asincrónica, el proyecto se aleja de la sincronización tradicional de sonido e imagen, creando una relación dinámica y en constante cambio entre ambos. Refleja el enfoque innovador de Sakamoto hacia la música y el arte, ofreciendo al público una experiencia única e inmersiva que captura la esencia de su visión artística. [7]
Desde 2009, Ryuichi Sakamoto tuvo un período de ocho años [8] en el que no pudo inspirarse en su proceso de composición. [9] Como resultado, centró la mayor parte de su tiempo en componer bandas sonoras para películas en lugar de producir material en solitario. [9] Comenzó a esbozar ideas para un álbum en solitario en 2014, pero fueron descartadas [10] después de que le diagnosticaran cáncer de garganta en 2014, después de lo cual tuvo que pausar su carrera por completo. [11] A pesar de recuperarse de la enfermedad en agosto de 2015, [12] Sakamoto pensó que async sería su último álbum: "Por eso traté de olvidar todas las reglas y formas, cualquier cosa. Solo quería poner lo que quería escuchar, solo un sonido o música, no importa. Esta podría ser la última vez ". [3] Comenzó a hacerlo completamente desde cero en abril de 2016, [10] que fue después de completar su banda sonora para la película Rage (2016), [9] y lo terminó en ocho meses. [13] La única pista realizada antes del diagnóstico de cáncer de Sakamoto que aparece en async es "andata". [3]
Inspirado en las estructuras mínimas de las obras de Claude Debussy y los estilos de free jazz de John Coltrane , [14] async , como lo resumió Milan Records , es un conjunto de representaciones del pensamiento de Sakamoto que "juega con ideas de a-sincronismo, números primos , caos , física cuántica y las líneas borrosas de la vida y la artificialidad/ruido y música". [8] Sakamoto concibió el álbum como la banda sonora de una película inexistente de Andrei Tarkovsky , [8] cuyas obras tratan principalmente sobre la mortalidad (ver la subsección Worries of death de este artículo) [15] y empleó escenas de caminata con el tipo de Foley que aparece en async . [10]
Al hacer async , "solo quería escuchar sonidos de cosas, cosas cotidianas, incluso sonidos de instrumentos, instrumentos musicales como cosas", dijo Sakamoto. [3] Sakamoto citó las obras del escultor de arte sonoro Harry Bertoia como una gran influencia al hacer el álbum. [16] La instrumentación incluye tanto instrumentos orquestales regulares como texturas acústicas y programadas inusuales, [8] más específicamente interpretaciones extrañas de instrumentos familiares y los "aspectos musicales" del ruido cotidiano. [13] async emplea una variedad de técnicas de producción de sonido, como grabaciones de campo , haciendo texturas de niebla a partir de corales y sonidos de lamentos de vidrio. [11] [10] Algunas de las pistas incluyen pianos desafinados; grabó dos pianos Steinway que tenía en el estudio de su casa, [3] y un piano que se ahogó en el agua del tsunami se usó en la pista "Zure". [17] Pensaba que era la “naturaleza” la responsable de las notas que tocaban los pianos rotos: “el piano es una cosa diseñada de manera muy sistemática e industrial, pero eran parte de la naturaleza, tomados de la naturaleza. La humanidad afinó y estableció artificialmente la escala bien temperada, pero el problema es que si dejas el piano sin afinar durante mucho tiempo, se desafinará”. [3]
"Tri" es una grabación sin editar de triángulos interpretados por tres músicos: [13] Ian Antonio, Levy Lorenzo y Ross Karre. [18] En una conversación de 2017 con Sakamoto, Ruth Saxelby asumió que los sonidos de triángulos que estaban en la parte posterior de la pista estaban programados digitalmente. [13] Sin embargo, Sakamoto corrigió a Saxelby diciendo que "Tri" pasó por más de diez tomas porque los tres músicos eran "perfeccionistas" y, por lo tanto, querían que los triángulos sonaran como máquinas. [13]
Sakamoto describió la idea principal del álbum y dijo que es parte de la naturaleza humana que la mayoría de las personas "encuentren placer en estar sincronizadas. Por eso quería crear música no tradicional que no esté sincronizada, porque es como hablar en un idioma que no existe". [19] Quería hacer un disco como este desde hacía mucho tiempo, pero era difícil porque "quería hacer algo asincrónico pero que aún así fuera musical". [3]
Según Sakamoto, sus intereses musicales se estaban moviendo hacia el "sonido y la música" en lugar de solo la "música" mientras producía el álbum, y por eso incorporó grabaciones de campo para capturar "muchos sonidos extraños". [9] Sakamoto hizo las grabaciones de campo caminando por las calles de la ciudad de Nueva York , Tokio , Kioto y París con un micrófono de teléfono celular en la mano, [20] [10] actividad que compensó cuatro meses de producción del álbum. [10] Los sonidos que capturó fueron aquellos que todas las personas encuentran inevitablemente en la vida cotidiana, como el ruido de la calle, los sonidos de los animales, las hojas, el agua y la lluvia. [21] [10] Componer la banda sonora de The Revenant (2015), una película muy cargada de temas sobre la naturaleza tanto en su historia como en su música, influyó en cómo Sakamoto produjo async . [16] Para "Walker", Sakamoto pasó alrededor de diez a quince minutos grabando sus pasos mientras caminaba en un bosque lleno de hojas, lo que constituye la mayor parte de la pista. [16] Era un bosque que rodeaba la Casa de Cristal de Philip Johnson , que Sakamoto utilizó más tarde para grabar la pieza improvisada « Glass » con Alva Noto . [22]
En async , todos sus sonidos se unen pero nunca crean una armonía adecuada. [23] Sin embargo, Sakamoto describió estos sonidos como "significativos a su manera" [24] porque su "existencia tiene significado". [25] Explicó: "Como seres humanos, nos tomamos la libertad de decidir qué sonido es bueno o malo. [...] Sugiero que abramos nuestros oídos y escuchemos cada sonido sin prejuicios". [26] Sakamoto hizo esto para simbolizar y comentar cómo funcionaban los diferentes puntos de vista de la humanidad: [27] "En este mundo de innumerables puntos de vista e información ilimitada, cada persona elige solo la información que le interesa, y las personas con intereses similares se reúnen y forman un grupo. Luego, los grupos con intereses similares intercambian puntos de vista entre sí, acelerando el movimiento para reducir la conversación a puntos de vista cada vez más específicos vinculados a una preocupación particular. Y así, los grupos con diferentes intereses apenas se comunican entre sí, o incluso si lo hacen, tienden a desestimar las opiniones de los otros". [28] El mensaje de async es que, al igual que los sonidos disonantes que se unen para crear música, los humanos de todos los diferentes puntos de vista deberían unirse y respetarse mutuamente. [29]
El escritor Karl Smith comparó este tema de async con las obras de Shane Carruth , cuyas películas también tratan sobre el caos en la naturaleza humana. [15] Utilizó la mezcla de "paneles sintéticos intangibles con los tonos más terrenales y percusivos del piano" de "Zure" y la combinación de ruidos de "Walker" con un " llamado y respuesta [de] suaves oleadas y vibraciones" como ejemplos del uso de yuxtaposiciones en el disco, que presentan "la idea de que cualquier cosa es más que solo esa cosa". [15] Si bien la mayoría de async consiste en piezas tenues, el álbum también contiene pistas más disonantes como "Tri", [30] "disintegration", que coloca punteos de piano torpemente afinados a un lado de cálidos pads de sintetizador, [30] y la pista del título, que incluye cuerdas pizzicato punteadas con dureza. [31] Esto es para simbolizar un "balanceo de péndulo interminable entre el consuelo y el caos", afirmó la revista Paste . [30]
Algunos críticos notaron las preocupaciones de Sakamoto sobre la muerte filtrándose en el álbum, [32] [13] que fueron influenciadas no solo por su experiencia con el cáncer sino también por los muchos terremotos y tsunamis que ocurrieron en Japón en 2011. [14] Dijo en una entrevista: "Nos advirtieron sobre cuán frágil es nuestra civilización y cuán grande es la fuerza de la naturaleza". [14] David Sylvian , quien lee un poema de Arseny Tarkovsky en la canción "Life, Life" [11] sobre cuerdas pizzicato, sintetizadores y un shō , [15] dijo que async "expresa un amor y gratitud por la vida acompañados por el conocimiento de su fragilidad". [32] En "Life, Life", Sylvian lee: "A un lado de nosotros mismos, a un lado del mundo / Ola sigue a ola para romper en la orilla, / En cada ola hay una estrella, una persona, un pájaro, / Sueños, realidad, muerte - en ola tras ola". [15] La grabación se realizó en 2011 y fue una de las diez lecturas de poemas que Sylvian presentó a Sakamoto para un concierto benéfico en apoyo a las víctimas del terremoto y tsunami de Tōhoku de 2011. [ 3]
"Fullmoon" comienza con una cita de Paul Bowles leyendo su novela The Sheltering Sky (1949) sobre una onda sinusoidal : [18] [33] "Llegamos a pensar en la vida como un pozo inagotable. Sin embargo, todo sucede solo una cierta cantidad de veces, y una cantidad muy pequeña, en realidad". [32] También dice en la canción: "Como no sabemos cuándo moriremos, llegamos a pensar en la vida como un pozo inagotable. ¿Cuántas veces más verás salir la luna llena? Quizás 20. Y, sin embargo, todo parece ilimitado". [11] La última parte de la canción muestra la cita de Bowles pronunciada en otros idiomas por los amigos de Sakamoto [13] sobre un instrumental de piano y sintetizadores. [11]
La grabación de Bowles diciendo la cita también aparece al final de la adaptación cinematográfica de 1990 del libro , para la que Sakamoto compuso la banda sonora. [13] Sakamoto explicó que la muestra "me impactó tanto" cuando la escuchó por primera vez, razonando que era "tan pesada y seria sobre la vida y la muerte, y ese extracto [se reproduce en la película] justo después de que el marido muere en medio del Sahara , en medio de la nada". [13] Usó la grabación para la voz de Bowles, ya que "me suena a algo muy profundo: no es demasiado oscuro, es muy ligero; no suena demasiado serio". [13] Bernardo Bertolucci , quien escribió y dirigió la adaptación cinematográfica, dice la versión italiana de la cita en la pista. [3]
async se estrenó a través de un evento de escucha en el Big Ears Festival que se realizó del 23 al 26 de marzo de 2017, donde el álbum se presentó en sonido envolvente 5.1 . [34] Commmons lanzó por primera vez async en Japón en CD y en tiendas digitales el 29 de marzo de 2017. [35] [36] La versión de vinilo del álbum también estaba inicialmente planeada para salir en el país el mismo día, pero debido a problemas de calidad de sonido se pospuso al 17 de mayo. [35] Thump estrenó async en todo el mundo a través de transmisión el 24 de abril de 2017 antes de que Milan Records lo lanzara a otros formatos el 28 de abril de 2017. [37]
Del 4 de abril al 28 de mayo de 2017, [38] el Museo de Arte Contemporáneo Watari realizó una exposición titulada async , que consta de imágenes de los artistas Shiro Takatani (quien también fue responsable de la portada del álbum), Apichatpong Weerasethakul , Neo Sora y Albert "Zakkubalan" Tholen interpretadas sobre cortes del álbum. [39] Las imágenes en movimiento de la exposición consistieron en imágenes distorsionadas de una multitud de personas y la casa y el estudio de Sakamoto. [39] Una continuación de la instalación, titulada IS YOUR TIME , se realizó del 9 de diciembre de 2017 al 11 de marzo de 2018 en el NTT InterCommunication Center , y también contó con música de async y visuales de Takatani. [40]
La primera presentación en vivo de async en los Estados Unidos se llevó a cabo en la Sala de Veteranos del Séptimo Regimiento de Armería en el Upper East Side de la ciudad de Nueva York el 26 de abril de 2017. [41] [42] Una película de concierto de la actuación titulada Ryuichi Sakamoto PERFORMANCE IN NEW YORK: async se estrenó en los cines japoneses el 27 de enero de 2018. [43] Desde el 4 de agosto hasta el 30 de septiembre de 2017, las inscripciones estuvieron abiertas para un concurso organizado por Sakamoto y Weerasethakul titulado async Short Film Competition, donde los cineastas tuvieron que producir una película usando música de async . [44] De las aproximadamente 800 entradas que se enviaron, In a Happy Place del cineasta con sede en Sikkim Sandup Lepcha ganó el concurso, recibiendo $3,000 y la oportunidad de que Sakamoto compusiera para su próxima película. [45]
async obtuvo críticas muy positivas de los escritores tras su lanzamiento. [47] [46] Mixmag le dio a async una reseña de diez sobre diez, describiéndolo como "lleno de órganos de iglesia, reverberación brumosa, sintetizadores ondulantes y poesía sobre la mortalidad y la eternidad, así como el piano distintivo de Sakamoto, pitidos de sonar y melodías inolvidables. Es posiblemente el disco más hermoso que escucharás este año". [50] Lotus Land elogió a async como "otra entrada más en su obra que simultáneamente se siente única de sus otros lanzamientos y, sin embargo, ineludiblemente Sakamoto en su profundidad y emoción". [33] Kevin Press de Exclaim! lo llamó "desafiante y conmovedor", destacando su "capacidad única para crear belleza genuina con una paleta variada, a veces abrasiva, "y el hecho de que Sakamoto "sigue siendo un radical después de todos estos años". [49] Como resumió Paul Bowler async : "Comprensiblemente de naturaleza reflexiva, es una sensación renovada de vigor creativo que proporciona la fuerza impulsora a una obra que se encuentra entre las mejores del compositor". [53]
La revista de música de vanguardia The Wire afirmó que "su coherencia de tonalidad y timbre le da la sensación de una banda sonora imaginaria y, sin embargo, cada pista tiene su propia lógica y dirección internas, lo que significa que nunca suena como una mezcla de pistas de un supervisor musical, sino como un verdadero álbum de canciones". [47] El periodista Andy Beta analizó que el álbum tiene una "calidez y fragilidad" que lo distingue de la mayoría de los discos experimentales . [4] Andrew Ryce lo elogió por sentirse "universal", donde "cualquiera puede tomar los objetos que lo rodean y hacer música, y Sakamoto muestra cuán atractivos pueden ser incluso los ejercicios de sonido más simples". [2] Sean O'Neal de AV Club escribió que al escuchar todas las canciones en orden, "crean un estado de ánimo introspectivo trascendente que permite al oyente escuchar su propia historia dentro de ellas", pero cuando las canciones se escuchan por separado, "pueden ser un poco aburridas". [31]
Algunos críticos destacaron el uso de elementos de los trabajos anteriores de Sakamoto, [4] [2] Ryce los llamó las mejores partes de async . [2] Spectrum Culture lo comparó con los álbumes anteriores del compositor en que "sacrifica la coherencia y la consistencia al poner en papel tantas ideas de su creador como sea posible. Algunas de las ideas aquí son geniales, algunas son malas, la mayoría son interesantes". [54] Las piezas de palabra hablada generaron opiniones encontradas. [4] [31] [15] [11] [30] [52] Algunos encontraron que eran las pistas más débiles del álbum, [31] [15] [11] [30] encontrándolas formas llamativas de presentar temas que las otras pistas del álbum hicieron de manera más efectiva, [30] [31] [15] James Hadfield de The Japan Times opinó que "las voces se sientan incómodamente en la mezcla". [11] Sin embargo, Beta los llamó "inclusiones sorprendentes", [4] el crítico de PopMatters Chris Ingalls sintió que agregaron "más capas de curiosidades sonoras", [52] y Bowler los describió como los momentos "más extrañamente conmovedores" del álbum. [53]
Derivado de las notas del álbum async . [18]
El 13 de diciembre de 2017, Commons lanzó ASYNC – REMODELS , una colección de remezclas de pistas de async de músicos como Oneohtrix Point Never , Johann Johannsson y Arca . [74] El álbum aterrizó en el número 15 en la lista de álbumes clásicos de Estados Unidos de Billboard . [75]