El arte de la calavera se encuentra en varias culturas del mundo.
El arte indígena mexicano celebra el esqueleto y lo utiliza como motivo habitual. El uso de calaveras y esqueletos en el arte se originó antes de la Conquista : los aztecas sobresalieron en esculturas de piedra y crearon sorprendentes tallas de sus dioses. [1] Coatlicue , la diosa de la tierra y la muerte, fue retratada con un collar de corazones humanos, manos y un colgante de calavera. Estaba imbuida del drama y la grandeza necesarios para deslumbrar a las personas sometidas y transmitir la imagen de un estado implacable. El culto a la muerte implicaba el culto a la vida, mientras que el cráneo, símbolo de la muerte, era una promesa de resurrección. Los aztecas tallaban calaveras en monolitos de lava y hacían máscaras de obsidiana y jade. Además, el motivo del cráneo se utilizaba en la decoración. Se moldeaban en vasijas, se trazaban en pergaminos, se tejían en prendas y se formalizaban en jeroglíficos. Los templos hindúes y la representación de algunas deidades hindúes han mostrado arte con calaveras.
Cuando los españoles invadieron y conquistaron Tenochtitlan en el siglo XVI, impusieron la religión católica y las prácticas populares españolas de la época, entre las que se incluía la tradición pagana de celebrar a los muertos con ofrendas de comida y festejos. Sin embargo, los sacerdotes españoles estaban ansiosos por descontinuar estas antiguas tradiciones que encontraron terreno fértil en México. Los españoles suprimieron la tradición del arte de calaveras mexicano porque era demasiado indito o pagano para sus gustos europeos. No fue hasta que México obtuvo su independencia de España en 1821 que el arte de calaveras comenzó a resurgir como símbolo de la mexicanidad . [ cita requerida ]
El arte de calaveras se encuentra en representaciones de algunos dioses hindúes . Se ha representado al Señor Shiva portando una calavera. [2] Se describe a la diosa Chamunda llevando una guirnalda de cabezas cortadas o calaveras ( Mundamala ). El templo de Kedareshwara , el templo de Hoysaleswara , el templo de Chennakeshava y el templo de Lakshminarayana son algunos de los templos hindúes que incluyen esculturas de calaveras y de la diosa Chamunda. [3] El templo de Kali está revestido de calaveras. [4]
Cuando Porfirio Díaz llegó a la presidencia, México se encontraba agobiado por una economía en bancarrota. Para ayudar a la situación económica, Díaz alentó las inversiones extranjeras y los inversores encontraron una mano de obra barata. El trabajador mexicano-indígena trabajaba en condiciones crueles. El grabador mexicano José Guadalupe Posada criticó con su dibujo las condiciones en México. Posada es probablemente el artista mexicano más importante de nuestros tiempos. Durante su vida, fue testigo de los cambios sociales y políticos cruciales que dieron forma a México en una nación moderna, como la caída de un dictador, la revolución social generalizada y la lucha por el poder combinada con el nacimiento de un proceso democrático, todo lo cual lo influyó profundamente. A través de su trabajo, documentó estos sucesos y se convirtió en un historiador pictórico.
Los dibujos de Posada despertaron la conciencia del hombre común. Hizo que quienes no sabían leer comprendieran lo que estaba sucediendo en su país. Aunque el uso de calaveras y esqueletos en el arte había sido suprimido por influencias extranjeras, todavía era reconocido entre los pobres en sus celebraciones del Día de los Muertos. El uso del arte de calaveras fue la forma en que Posada logró conectarse con el público popular. En las tapas de las cajas se reproduce su grabado más famoso, la Calavera Catrina , que muestra a una dama elegante disfrazada de esqueleto. Diego Rivera llamó a José Guadalupe Posada el mayor artista popular mexicano. A partir de esta influencia, Rivera pintó a la gente común que vivía y trabajaba en su entorno. Su obra también transmitía un mensaje social.
Posada y Rivera influyeron profundamente en el jalisciense Jorge González Camarena , quien desestimó los métodos tradicionales y abrazó el arte popular de Posada y Rivera. En la obra de González Camarena aparecen escenas de batallas recurrentes donde los soldados revolucionarios se vuelven parte de la historia antigua mexicana a medida que sus cuerpos sin vida se transforman en esqueletos.
Frida Kahlo también fue producto de una generación audaz y brillante que miró con devoción a sus raíces mexicanas y valoró la realidad que encontró allí, no contaminada por la influencia extranjera. Ella admitió sentir una gran admiración por la obra de su esposo, así como por la de José Guadalupe Posada y encontró gran belleza en el arte indígena prehispánico, altamente desarrollado.
Frida fue reivindicada desde el principio por André Breton y los surrealistas como una de ellos, y durante un tiempo no le importó que la envolvieran y la identificaran con el movimiento de vanguardia chic. Pero más tarde se declaró ajena a ellos porque dijo: "Pinté sueños, pinté mi propia realidad". En los años cuarenta pintó "El sueño", donde un esqueleto consciente flota sobre la dormida Frida. Los brujos mexicanos dicen que "vivir es dormir y morir es despertar". Para Frida, tal vez, la muerte, como los sueños, exista en paralelo.
Mientras que el trabajo de Frida se centró en la mexicanidad , Chucho Reyes integró los estilos de bellas artes europeas con la esencia del popular arte mexicano de las calaveras. Tal vez su arte fuera políticamente impopular para aquellos que optaron por ignorar las influencias extranjeras. Sin embargo, la combinación poco convencional de Reyes probablemente estuvo influenciada por su excéntrico padre, quien, aunque devotamente católico, practicaba la brujería . Dormía en una cama donde había gallos atados a cada poste de la cama y un gran ojo estaba pintado sobre su cama en el techo. [ cita requerida ] [ investigación original ]
Aunque modernamente las antiguas tradiciones religiosas aztecas que han permanecido son llamadas brujería por quienes practican religiones europeas, en Oaxaca supersticiones y santos se hablan al mismo tiempo.
Rufino Tamayo fundó la escuela oaxaqueña de pintura sobre el principio de que, aunque la pintura debe realizarse en el nivel plástico, no excluye la posibilidad de que la obra contenga una consecuencia profunda que no se expresa del todo. Tamayo parecía despojarse del yo externo del hombre, que se encuentra, por ejemplo, en la religión, para examinar los miedos fundamentales del hombre: su miedo a la naturaleza, al cosmos y, sobre todo, el miedo del hombre a sí mismo. El arte sutil y rico de los tiempos precolombinos inspiró en gran medida a Tamayo. A partir de esta influencia pintó al hombre como una carne transparente que existe sobre un esqueleto viviente.
Por otra parte, Francisco Toledo pintaba a sus personajes como si fueran rayos X. La curiosidad lasciva por el ser interior se vuelve casi pornográfica a medida que avanza su resurgimiento erótico e irreverente del Skull Art.
Aunque Rufino Tamayo fundó la Escuela Oaxaqueña, fue Rodolfo Nieto quien la definió. Rodolfo añadió un tono dramático al arte de las calaveras. Utilizando colores claros fijados contra tonos oscuros, mostró la continua batalla de la vida y la muerte. Con alegría, humor, extravagancias e historias de la infancia de Tarzán, el hombre mono, luchando contra los peligros de la jungla, Rodolfo se rió de la muerte mientras vivía en las sombras de su propia depresión cada vez más profunda. [5] Destellos de luz confundidos por el color, yuxtapuestos contra los lienzos negros austeros, no intentó definir la existencia humana, sino simplemente vivirla, sabiendo que la calavera siempre estaba dentro de él. [6] Su esposa pintora Nancy Nieto quitó la máscara carnosa de la vida para examinar la base de la vida, el cráneo y el esqueleto...
A menudo, los artistas chicanos o mexicano-americanos recurren a su historia; recientemente y en particular, Nancy Nieto aporta un resurgimiento audaz a la antigua tradición del arte mexicano de las calaveras. Tejida en un velo de colores intensos y formas poco convencionales, adoptadas de la Escuela Oaxaqueña, su obra quita el velo del misterio de la vida solo para revelar el misterio de la muerte. Muestra profundidades de misterio pero tiene una nota eurítmica armoniosa de los orígenes épicos del cromático Oaxaca . Lucha por volver a abordar los temas eróticos de Francisco Toledo y alejarse de los tomos dramáticos de Rodolfo Nieto. Su obra renueva la visión azteca de la muerte como un ciclo de transición entre la vida individual y el omnipresente "ser".
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