Op art , abreviatura de arte óptico , es un estilo de arte visual que utiliza ilusiones ópticas . [1]
Las obras de arte op son abstractas y muchas de las piezas más conocidas están creadas en blanco y negro. Por lo general, dan al espectador la impresión de movimiento, imágenes ocultas, patrones de destellos y vibraciones, o hinchazón o deformación.
El ilusionismo , centrado en la percepción de un espacio extendido dentro de una imagen plana, se encuentra desde los primeros momentos de la historia del arte. Sin embargo, los antecedentes del op art, en términos de efectos gráficos y preocupación por las ilusiones ópticas exóticas, se remontan al neoimpresionismo , el cubismo , el futurismo , el constructivismo y el dadaísmo . [2] Los divisionistas , un grupo de pintores neoimpresionistas, intentaron aumentar la luminosidad aparente de sus pinturas recurriendo a la óptica y las ilusiones ópticas. [3] László Moholy-Nagy produjo op art fotográfico y enseñó el tema en la Bauhaus ; una de sus lecciones consistía en hacer que sus alumnos hicieran agujeros en tarjetas y luego las fotografiaran. [ cita necesaria ]
La revista Time acuñó el término op art en 1964, en respuesta ala exposición Optical Paintings de Julian Stanczak en la Martha Jackson Gallery , para referirse a una forma de arte abstracto (específicamente arte no objetivo) que utiliza ilusiones ópticas. [4] [5] Las obras ahora descritas como "op art" se habían producido durante varios años antes del artículo de 1964 de Time . Por ejemplo, el cuadro Cebras (1938) de Victor Vasarely está formado enteramente por franjas curvilíneas en blanco y negro no contenidas por líneas de contorno. En consecuencia, las rayas parecen fusionarse y surgir del fondo circundante. Además, los primeros paneles "deslumbrantes" en blanco y negro que John McHale instaló en la exposición This Is Tomorrow en 1956 y su serie Pandora en el Instituto de Arte Contemporáneo en 1962 demuestran tendencias de arte proto-op. Martin Gardner presentó el op art y su relación con las matemáticas en su columna Mathematical Games de julio de 1965 en Scientific American . En Italia, Franco Grignani , que originalmente se formó como arquitecto, se convirtió en una fuerza líder del diseño gráfico donde el op art o arte cinético era central. Su logotipo Woolmark (lanzado en Gran Bretaña en 1964) es probablemente el más famoso de todos sus diseños. [6]
El op art quizás derive más estrechamente de las prácticas constructivistas de la Bauhaus . [7] Esta escuela alemana, fundada por Walter Gropius , destacó la relación entre forma y función dentro de un marco de análisis y racionalidad. Los estudiantes aprendieron a concentrarse en el diseño general o la composición completa para presentar obras unificadas. El op art también proviene del trompe-l'œil y la anamorfosis . También se han establecido vínculos con la investigación psicológica, en particular con la teoría de la Gestalt y la psicofisiología . [2] Cuando la Bauhaus se vio obligada a cerrar en 1933, muchos de sus instructores huyeron a los Estados Unidos. Allí, el movimiento echó raíces en Chicago y, finalmente, en el Black Mountain College de Asheville, Carolina del Norte , donde Anni y Josef Albers acabaron enseñando. [8]
Los artistas op lograron así explotar diversos fenómenos", escribe Popper, "la imagen residual y el movimiento consecutivo; interferencia de línea; el efecto de deslumbramiento; cifras ambiguas y perspectiva reversible; contrastes de color sucesivos y vibración cromática; y en obras tridimensionales diferentes puntos de vista y la superposición de elementos en el espacio. [2]
En 1955, para la exposición Mouvements en la galería Denise René de París, Victor Vasarely y Pontus Hulten promovieron en su "Manifiesto amarillo" algunas nuevas expresiones cinéticas basadas en fenómenos ópticos y luminosos, así como en el ilusionismo pictórico. La expresión arte cinético en esta forma moderna apareció por primera vez en el Museo de Gestaltung de Zúrich en 1960 y encontró su mayor desarrollo en la década de 1960. En la mayoría de los países europeos, generalmente incluye la forma de arte óptico que hace uso principalmente de ilusiones ópticas , como el op art, así como el arte basado en el movimiento representado por Yacov Agam , Carlos Cruz-Diez , Jesús Rafael Soto , Gregorio Vardanega o Nicolas. Schöffer . De 1961 a 1968, el Groupe de Recherche d'Art Visuel (GRAV) fundado por François Morellet , Julio Le Parc , Francisco Sobrino , Horacio García Rossi, Yvaral , Joël Stein y Vera Molnár fue un grupo colectivo de artistas optocinéticos que: según su manifiesto de 1963—apeló a la participación directa del público con influencia en su comportamiento, en particular mediante el uso de laberintos interactivos .
Algunos miembros del grupo Nouvelle Tendance (1961-1965) en Europa también se dedicaron al op art como Almir Mavignier y Gerhard von Graevenitz , principalmente con sus serigrafías. Estudiaron ilusiones ópticas. El término op irritó a muchos de los artistas etiquetados bajo él, específicamente a Albers y Stanczak. Habían discutido sobre el nacimiento del término una etiqueta mejor, a saber, arte perceptivo . [9] A partir de 1964, Arnold Schmidt ( Arnold Alfred Schmidt ) realizó varias exposiciones individuales de sus grandes pinturas ópticas en forma de blanco y negro en la Terrain Gallery de Nueva York. [10]
En 1965, entre el 23 de febrero y el 25 de abril, se llevó a cabo una exposición llamada The Responsive Eye , creada por William C. Seitz, en el Museo de Arte Moderno de la ciudad de Nueva York y realizó una gira por St. Louis, Seattle, Pasadena y Baltimore. [11] [12] Las obras mostradas fueron muy variadas, abarcando el minimalismo de Frank Stella y Ellsworth Kelly , la suave plasticidad de Alexander Liberman , los esfuerzos de colaboración del grupo Anonima , junto al conocido Wojciech Fangor , Victor Vasarely , Julian Stanczak , Richard Anuszkiewicz , Wen-Ying Tsai , Bridget Riley y Getulio Alviani . La exposición se centró en los aspectos perceptivos del arte, que resultan tanto de la ilusión de movimiento como de la interacción de las relaciones de color.
La exposición fue un éxito de público (la asistencia de visitantes superó los 180.000), [13] pero no tanto de crítica. [14] Los críticos descartaron el op art por no representar nada más que trampantojo , o trucos que engañan a la vista. De todos modos, la aceptación del público aumentó y las imágenes de arte óptico se utilizaron en varios contextos comerciales. Uno de los primeros trabajos de Brian de Palma fue un documental sobre la exposición. [15]
El op art es una experiencia perceptiva relacionada con el funcionamiento de la visión. Es un arte visual dinámico que surge de una relación discordante entre figura y fondo que coloca los dos planos (primer plano y fondo) en una yuxtaposición tensa y contradictoria. Los artistas crean op art de dos maneras principales. El primer método, el más conocido, consiste en crear efectos mediante patrones y líneas. A menudo, estas pinturas son en blanco y negro , o en tonos de gris ( grisalla ), como en las primeras pinturas de Bridget Riley, como Current (1964), en la portada del catálogo The Responsive Eye . Aquí, las líneas onduladas en blanco y negro están cerca unas de otras en la superficie del lienzo, creando una relación volátil entre figura y fondo. Getulio Alviani utilizó superficies de aluminio, que trató para crear patrones de luz que cambian a medida que el observador se mueve (superficies de textura vibrante). Otra reacción que ocurre es que las líneas crean imágenes residuales de ciertos colores debido a cómo la retina recibe y procesa la luz. Como demuestra Goethe en su tratado Teoría de los colores , en el borde donde se encuentran la luz y la oscuridad surge el color porque la claridad y la oscuridad son las dos propiedades centrales en la creación del color. [ cita necesaria ]
A partir de 1965, Bridget Riley comenzó a producir arte óptico basado en el color; [16] sin embargo, otros artistas, como Julian Stanczak y Richard Anuszkiewicz , siempre estuvieron interesados en hacer del color el foco principal de su trabajo. [17] Josef Albers enseñó a estos dos profesionales primarios de la escuela "Color Function" en Yale en la década de 1950. A menudo, el trabajo colorista está dominado por las mismas preocupaciones del movimiento figura-fondo, pero tienen el elemento añadido de colores contrastantes que producen diferentes efectos en el ojo. Por ejemplo, en las pinturas del "templo" de Anuszkiewicz, la yuxtaposición de dos colores muy contrastantes provoca una sensación de profundidad en un espacio tridimensional ilusionista, de modo que parece como si la forma arquitectónica estuviera invadiendo el espacio del espectador.
Aunque el op art es un estilo único, tiene similitudes con estilos como el expresionismo abstracto ( pintura de campos de color ). Aunque la pintura de campos de color no nos hace ilusiones, aún se pueden encontrar similitudes. Podemos ver que ambos estilos son minimalistas, solo prevalecen unos pocos colores y no se muestra ningún objeto ni trama. Estos estilos pueden provocarnos emoción, ya que no existe una trama clara, la propia mente humana lo imagina e interpreta a su manera. Los colores fríos suelen asociarse con la tristeza, mientras que los colores cálidos se asocian con la alegría. Además, el op art y la pintura de campos de color se caracterizan por el hecho de que la imagen es estética y ordenada.
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