Yozo Hamaguchi (5 de abril de 1909 - 25 de diciembre de 2000) fue un grabador japonés especializado en mezzotinta y responsable de su resurgimiento como medio de impresión a mediados del siglo XX. [1] Los grabados de Hamaguchi se distinguen por su cuidadosa atención al detalle de animales y objetos de tonos llamativos que contrastan con un fondo negro aterciopelado. El corpus de grabados de Hamaguchi se centra en el género de la naturaleza muerta .
La fotografía , considerada en su día como un importante medio de impresión en Europa durante los siglos XVII, XVIII y XIX, fue el punto de inflexión de su influencia y su ingenio tecnológico , que marcaron el fin de la técnica de impresión mezzotinta como forma reproducible moderna. Sin embargo, Hamaguchi valoraba su énfasis en la tonalidad y la textura, tal como se expresaba en la iluminación y las cualidades táctiles de la obra. Al trabajar con una técnica de impresión de origen europeo, Hamaguchi recibió elogios de los centros artísticos europeos, estadounidenses y japoneses por sus distintivos métodos de impresión mezzotinta y por la repopularización de un medio que había sido ignorado durante mucho tiempo.
Sus obras alcanzaron exposición mundial después de que Hamaguchi participara en la prestigiosa Bienal de São Paulo en Brasil (1957) y fuera incluida en el Pabellón Japonés en la Bienal de Venecia en Italia (1960).
El legado de Hamaguchi se conserva en el Museo Hamaguchi Yozo, que posee gran parte de sus grabados y con frecuencia organiza exposiciones centradas en su producción de grabado, junto con obras de su esposa Keiko Minami y de profesionales contemporáneos del grabado en mezzotinta.
Hamaguchi nació en Hirogawa , Prefectura de Wakayama , Japón , en una familia de clase alta. [2] Su padre, Gihei, fue el décimo presidente de Yamasa Corporation , una importante empresa de salsa de soja. [3] [4] Los vínculos de la familia Hamaguchi con la industria de la salsa de soja se remontan a 1645. [5] Si bien la riqueza de la familia se derivaba principalmente de su negocio centenario, el linaje de Hamaguchi demostró una apreciación de larga data por las artes, ya que su padre era un ávido coleccionista de Nanga , pinturas literarias del período Edo . Además, uno de los antepasados de Yozo, Kansuke Hamaguchi, fue un pintor Nanga durante la última era Edo. [6]
Desde temprana edad, Hamaguchi deseó seguir una carrera en las artes en lugar del negocio familiar. Ingresó en la Escuela de Arte de Tokio (ahora Universidad de las Artes de Tokio ) en 1927 para estudiar escultura, pero la abandonó en 1930 para seguir una carrera independiente. [7] El pintor de estilo Yōga Ryuzaburo Umehara le aconsejó a Hamaguchi que buscara formación artística e inspiración en Francia , ya que este fue el medio a través del cual desarrolló su estilo. [8] [9]
Durante la década de 1930, Hamaguchi vivió en París, donde estudió pintura al óleo , acuarela e impresión en cobre . Con el tiempo, Hamaguchi se centró más en una carrera como pintor al óleo y creaba regularmente bocetos y dibujos preparatorios para sus pinturas planificadas. Durante este período, Hamaguchi conoció y se hizo amigo del poeta estadounidense ee Cummings , quien pronto se convirtió en un gran admirador de sus bocetos. Cummings comentó sobre la belleza del trabajo de Hamaguchi y agregó que tenían el potencial de volverse estéticamente más agradables en forma de impresión. Poco después, Hamaguchi conoció el medio de mezzotinta después de que Cummings le regalara un juego de herramientas de huecograbado . [10]
En 1937, Hamaguchi probó suerte con el mezzotinto y produjo su primera imagen, Gato , en la que el sujeto titular aparece reclinado con su pata delantera extendida en un espacio blanco imperceptible.
La nueva inspiración artística de Hamaguchi en París se vio interrumpida por el inicio de la Segunda Guerra Mundial en 1939, y posteriormente regresó a Japón. En el transcurso de las décadas de 1940 y 1950, Hamaguchi perfeccionó aún más su estilo de mezzotinta y se convirtió en una figura popular entre los coleccionistas de arte japoneses, ya que la mezzotinta aún no era familiar en Japón y todavía se consideraba un medio predominantemente occidental. Considerado un pionero, el entusiasmo del mundo del arte por los grabados de Hamaguchi dio como resultado su primera exposición individual en la Galería Formes de Tokio en 1951. [10]
Hamaguchi regresó a Francia en 1953 para comercializar sus grabados en la escena artística parisina. Para entonces, la mayoría de sus nuevas obras eran grabados monocromáticos en cobre realizados en gris, negro y blanco, como Gitanos (1954). Sus grabados atrajeron a los coleccionistas europeos y lo llevaron a adquirir múltiples premios prestigiosos en Japón, incluido el de "Mejor pieza de arte" en la Exposición de Arte Contemporáneo de Japón. [4] [11] Al mismo tiempo, Hamaguchi se convirtió en miembro del Salón de Otoño , una exposición de arte parisina anual que destacó los últimos avances en arte, arquitectura y diseño del siglo XX.
El año 1955 fue un año crucial en la carrera de Hamaguchi, ya que revitalizó el mezzotint como medio de arte moderno y desarrolló su estilo característico. Originalmente realizado en blanco y negro, Hamaguchi comenzó a insertar colores vibrantes en sus impresiones mezzotint que les infundieron una vivacidad enérgica. [12] Además, transformó sus temas reconocibles de naturaleza muerta y escenas urbanas en formas simplificadas y abstractas que adquirieron significados visuales completamente nuevos. Roofs of Paris (1956) fue uno de los primeros mezzotints coloreados de Hamaguchi, y la innovación de su estilo es evidente en los edificios rectangulares y trapezoidales sin ventanas que parecen apilados o colocados en filas aparentemente infinitas. Empleó colores no localizados, ya que las chimeneas y los bordes de los techos están representados en tonos azules, blancos y marrones claros sobre estructuras ennegrecidas. Cada edificio parece surgir de un vacío ennegrecido, que es un motivo visual recurrente que impregna la mayoría de las impresiones que Hamaguchi completó más tarde.
El éxito de Hamaguchi lo llevó a participar en innumerables exposiciones de arte y festivales de arte importantes en todo el mundo durante las décadas restantes de su vida. En 1957, recibió el Premio de Beca de la División Internacional de Grabado en la Bienal de São Paulo por tres grabados: Pescado y frutas (1954), Lenguado (1956) y Dos rebanadas de sandía (1954). Hamaguchi tuvo el prestigioso honor de servir como representante del Pabellón de Japón en la Bienal de Venecia de 1960. [13]
El entusiasmo mundial por las mezzotintas de Hamaguchi llevó a su selección como artista para diseñar el cartel oficial de los Juegos Olímpicos de Invierno de Sarajevo de 1984 , al que incorporó su grabado Cherries and Blue Bowl (1976). [8]
La primera gran exposición retrospectiva de Hamaguchi en Japón se celebró en 1985 en el Foro de Arte Yurakucho de Tokio y en el Museo Nacional de Arte Moderno de Osaka . [10]
En 1993, Hamaguchi se retiró oficialmente del grabado debido a su edad y encargó a su distribuidor/editor que completara sus grabados restantes. [3] El Museo Hamaguchi Yozo se estableció en 1998 como un reconocimiento formal a sus contribuciones al arte japonés. [14]
La importancia de Hamaguchi en el canon de la historia del arte japonés se ve cimentada por su resurgimiento del medio casi olvidado del mezzotint. [15] El grabado mezzotint se originó en la Europa del siglo XVII y se distinguió por su incorporación de medios tonos en los que las gradaciones de luz y sombra producían formas en lugar de líneas. [16] Un ejemplo de huecograbado , los artistas utilizaron el mezzotint para reproducir imágenes de pinturas al óleo sobre lienzo que podían distribuirse en copias masivas. Su énfasis en la tonalidad y la textura lo convirtió en una técnica de grabado popular en toda Europa, particularmente en Inglaterra y los Países Bajos . Sin embargo, el mezzotint gradualmente se volvió más obsoleto en los siglos XIX y XX con el surgimiento de la fotografía como una forma actualizada de tecnología reproducible. [17] Además, el minucioso trabajo y los largos períodos de producción que se dedicaban al grabado mezzotint fueron razones adicionales para su menguante influencia. [18] Sin embargo, el enfoque innovador de Hamaguchi en la modernización del mezzotinto se basó en la colocación de objetos iluminados con colores que parecían surgir de un vacío ennegrecido.
Históricamente, la mayoría de los artistas que empleaban la mezzotinta utilizaban el aguafuerte en su proceso creativo, mientras que Hamaguchi prefería cortar líneas en una placa de cobre antes de aplicar el ácido. Las rebabas que se incluían después del tallado permitían que la tinta de impresión permaneciera en su lugar y proporcionaban los detalles para el sombreado y los contrastes. Al igual que otros grabadores, la mezzotinta era un proceso largo que significaba que Hamaguchi podía tardar varios meses en completar cada placa de cobre. La mayoría de las mezzotintas de Hamaguchi se completaban en color, aunque diseñó muchas impresiones en blanco, negro y gris. Estilísticamente, Hamaguchi demostró un tratamiento de cerca de sus sujetos donde los animales y los objetos ocupan un primer plano prominente. [19] El fondo se representa en negro o en tonos de gris o marrón severamente oscurecidos. Si bien los detalles de estas figuras se magnifican para dominar las partes principales de la impresión, la escala física de las obras es bastante pequeña.
La consultora de arte Marjorie Katzenstein describe las impresiones de Hamaguchi como la encarnación de un " surrealismo romántico " basado en su capacidad para representar objetos aislados de naturaleza muerta con vigor y luminosidad. [20] Ella comentó que gran parte del trabajo de Hamaguchi se inspiró en los surrealistas europeos de las décadas de 1920 y 1930, como Salvador Dalí y Giorgio de Chirico . Dado que artistas como Dalí exploraron temas relacionados con la sexualidad, Katzenstein postula que Hamaguchi asumió un enfoque humorístico de la sexualidad con sus objetos, particularmente sus temas de frutas y verduras. En un ejemplo, Patrick's Cherry (1980) presenta una cereza que surge de un espacio oscuro y una fuente de luz que ilumina su borde ranurado que recuerda visualmente a un par de nalgas. [21] De manera similar, su anterior grabado monocromo Espigas de maíz y limón (1959) sugiere una referencia a la penetración fálica basada en el alargamiento de las cuatro espigas de maíz en primer plano, donde una de ellas está orientada en dirección opuesta a las tres restantes. [22] Además, Katzenstein supone que la textura suave y aterciopelada del mezzotinto podría ser otra referencia a la sensualidad.
A su regreso a Japón en 1939, Hamaguchi conoció a la artista y escritora Keiko Minami , con quien más tarde se casó. La pareja se mudó a París en la década de 1950, después de que Hamaguchi decidiera continuar su carrera allí, y finalmente se establecieron en San Francisco entre 1981 y 1996. Hamaguchi pasó los últimos años de su vida en Tokio con Minami, entre 1996 y 2000.
Hamaguchi murió por causas naturales el día de Navidad del año 2000. [23]
Durante y después de su vida, la revitalización que hizo Hamaguchi del medio mezzotinta, durante mucho tiempo descuidado, inspiró a nuevas generaciones de grabadores de mezzotinta en Japón y más allá, entre ellos: Byron Bratt, HW Hwang y Tomoe Yokoi. [24]
En 1998, Hamaguchi vivió para ver la creación de un museo en su honor en Nihonbashi , Chuo-kan, Tokio. Las colecciones del museo comprenden una importante cantidad de obras de Hamaguchi que abarcan toda su carrera, junto con obras de su esposa Minami.
Desde su fundación, se han celebrado cada año múltiples exposiciones que destacan aspectos temáticos, estilísticos y formales específicos de las obras de Hamaguchi. A menudo, las exposiciones exploran la naturaleza del grabado en mezzotinta como medio y muestran obras de Hamaguchi junto con las de otros grabadores contemporáneos más recientes. [25]
Exposiciones individuales seleccionadas
1951: Exposición individual , Galería Formes, Tokio, Japón
1985: Exposición individual - Yurakucho Art Forum, Tokio, Japón
1999: Hamaguchi Yozo - Obras monocromáticas - Museo de Arte de la Ciudad de Sakura, Sakura, Japón
Exposiciones colectivas seleccionadas
1957: Bienal de Sao Paulo - São Paulo, Brasil
1957: 1ª Bienal Internacional de Grabado , Tokio (Japón)
1960: Pabellón de Japón , Bienal de Venecia , Venecia, Italia
2004: Maestros japoneses del mezzotinto - Museo de Arte de Worcester, Worcester, Massachusetts
2011: Mezzotintas contemporáneas - Galerías Davidson, Seattle, Washington
2012 : Renovación y revisión: grabados japoneses de los años 1950 y 1960 - Smart Museum of Art , Universidad de Chicago , Chicago, Illinois
2012: El arte de la oscuridad: mezzotintas japonesas de la colección Hitch - Freer Gallery of Art y Arthur M. Sackler Gallery, Smithsonian Institution , Washington, DC
2016: La cultura del vino. Maestros del grabado de la Colección Vivanco - Museo de Bellas Artes de Bilbao , Bilbao, España
2017: Recuerdos - Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima , Hiroshima, Japón
2018: Like a Face - Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Hiroshima, Japón
2019: Un paisaje interior - Paisajes y recuerdos - Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima, Hiroshima, Japón
2021: Exposición Rich Black - Galería Bunkamura, Tokio, Japón
Retrospectivas
1983: Retrospectiva - Galería Vorpal, San Francisco, California
1985: Retrospectiva - Museo Nacional de Arte, Osaka, Japón
1988: Retrospectiva de grabados y estudios - Museo Metropolitano de Arte Teien de Tokio , Tokio, Japón
1998: Retrospectiva con Keiko Minami - Grandes almacenes Tokyu-Kichijoji, Musashino, Japón
2002: Maestro impresor del siglo XX : Hamaguchi Yozo
2018: Yozo Hamaguchi: maestro del mezzotinto - Museo de Arte, DeLand , DeLand, Florida
2020: La felicidad en el horizonte: las estampas en cobre de Yozo Hamaguchi - Colección Yozo/Yamasa del Museo Hamaguchi, Tokio, Japón
El Museo Metropolitano de Arte , Nueva York; la Biblioteca Nacional de Francia , París; el Instituto de Arte de Chicago , Chicago; el Museo Británico , Londres; la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur , Australia; la Galería Nacional , Washington, DC; el Museo de Arte Moderno de Wakayama, Wakayama; el Museo Hamaguchi Colección Yozo/Yamasa, Tokio; el Museo de Filadelfia , Filadelfia; la Universidad de Alberta , Canadá. [27] [28]