YZ Kami (nacido en 1956, Kamran Youssefzadeh ; persa : کامران یوسفزاده) es un artista visual estadounidense nacido en Irán. Es conocido por sus pinturas de retratos a gran escala en óleo en línea. Kami tiene su base en la ciudad de Nueva York . [1] Sus obras recrean la experiencia visceral de un encuentro cara a cara. A través de una neblina mate y uniforme, representa a sus sujetos con los ojos abiertos o cerrados, mirando hacia adelante o hacia abajo. De esta manera, inspirándose en una amplia gama de textos filosóficos, literarios y religiosos, Kami continúa la búsqueda histórica del arte para localizar lo desconocido dentro de la forma material. [2] Explora estos temas no solo en sus pinturas, sino también en fotografías, trabajos de collage, impresiones editadas e instalaciones escultóricas específicas del sitio. Fueron sus retratos a gran escala los que inicialmente le valieron el reconocimiento del mundo artístico internacional, lo que llevó a que sus obras de arte fueran presentadas en varias exposiciones y bienales importantes de museos .
YZ Kami nació en 1956, en Teherán , Irán Pahlavi (ahora Irán). Sus primeros encuentros con el arte llegaron a una edad temprana, mientras pasaba tiempo con su madre, también retratista, en su estudio en la casa familiar. Después de la secundaria, Kami asistió a la Universidad de California, Berkeley , en 1975, luego recibió su licenciatura y maestría de la Université Paris-Sorbonne (ahora Universidad Paris-Sorbonne) en París, Francia, donde estudió de 1976 a 1981. Mientras estaba en París, asistió a las conferencias de Claude Lévi-Strauss , Roland Barthes , Henry Corbin y Emmanuel Lévinas . Luego continuó su educación en el Conservatoire Libre du Cinema Français en París en 1982. Sin embargo, su estudio de cine lo llevó a darse cuenta de que prefería una práctica más solitaria, y regresó a la pintura. [3]
Después de vivir en París durante más de una década, Kami se mudó a Nueva York en 1984, donde continúa viviendo. [4]
De niño, Kami viajaba frecuentemente con su familia. Sus experiencias viendo estructuras arquitectónicas antiguas y el vasto y seco desierto dejaron una impresión significativa en él, que luego trasladó a sus obras de arte. Durante sus años de estudiante en París, Kami se interesó profundamente en las ideas de Lévinas sobre el rostro humano. Consideró estas ideas en relación con los primeros retratos de momias egipcias de Fayum , que vio por primera vez en el Louvre. [5] Ha contado que quedó impresionado por sus "expresiones neutrales... sus grandes ojos y su carácter sobrenatural". [6] Otras influencias incluyen la poesía persa de los siglos XIII y XIV , especialmente los escritos del poeta sufí Rumi . Konya (2007), por ejemplo, incluye varias fotografías del mausoleo de Rumi en Konya, donde vivió y murió. [7]
Al reflexionar sobre las primeras etapas de su pintura, Kami explica cómo sus años fundacionales se fusionaron con su interés por el arte estadounidense de los años 80: "Mi madre era retratista, así que he estado pintando retratos desde que era un niño. Durante muchos años pinté con un modelo frente a mí: primero hacía un dibujo con lápiz o carboncillo sobre lienzo y luego pintaba con óleo. Años más tarde, a mediados de los años 80, cuando me mudé a Estados Unidos, me encontré con el gran retrato de Mao de Andy Warhol en el Museo Metropolitano de Arte, y los grandes retratos de Chuck Close , así como de Alex Katz y otros artistas estadounidenses. Y gradualmente comencé a cambiar el tamaño de las cabezas en mis pinturas. Antes de eso, mis experiencias con los grandes retratos se centraban principalmente en los frescos y mosaicos de las iglesias de Europa". [8]
Kami recurre a tradiciones místicas y estéticas tanto orientales como occidentales para explorar la relación entre las formas externas y el espíritu interior. [9]
Kami es reconocido por utilizar pintura al óleo para lograr una superficie seca y mate, similar a la de los frescos y las pinturas murales sagradas del arte bizantino y del Renacimiento temprano. Para desarrollar esta técnica, pasó años experimentando con óleos, pigmentos secos y polvo. Como explicó la artista y educadora Grace Adam en el segmento de The Art Channel sobre la exposición de Kami de 2015 en Gagosian Britannia Street, Londres, "[Kami] prepara el lienzo con yeso, luego agrega un poco de polvo de piedra y este asombroso color terracota, y luego coloca estos hermosos colores encima". [10]
Otro enfoque que se repite en toda la obra de Kami es el uso de la repetición. Para sus retratos, suele pintar el mismo sujeto varias veces, buscando capturar la experiencia de observar el rostro del retratado. “Me ha sucedido muchas veces”, explica, “que cuando termino un cuadro, a menudo siento que hay más que decir”. [11]
La repetición también es un elemento central de la serie de obras en papel Endless Prayers de Kami , en la que la poesía y los textos sagrados se cortan en fragmentos rectangulares y se pegan en formaciones de mandala, así como en sus pinturas Dome , que consisten en círculos concéntricos de marcas teseladas.
Durante la década de 1980, Kami dejó de pintar directamente del natural para trabajar a partir de bocetos y fotografías de cada modelo. Estas pinturas, más grandes que los retratos anteriores, se basan en la memoria de Kami de los sujetos y, por lo tanto, representan la impresión duradera del encuentro en lugar del momento del encuentro en sí. [4] Hizo retratos a gran escala que animan al espectador a observar de cerca el rostro humano. Kami señala: "A medida que el tamaño de las pinturas se hizo más grande, las imágenes se volvieron un poco borrosas y gradualmente se desenfocaron cada vez más. Cuanto más borrosas se volvían, más abstracta era la experiencia para el espectador al acercarse a la obra". Los retratos de Kami, basados en sus propias fotografías de familiares, amigos y extraños, presentan sujetos ordinarios e introspectivos, pero cada rostro actúa como un umbral entre los pensamientos internos impenetrables del modelo y la percepción del espectador. En 1989, Kami viajó a Irán por primera vez después de muchos años y se encontró con una fotografía de él mismo tomada cuando tenía once años. Esta fotografía se convirtió con el tiempo en un punto de referencia en su obra, inspirando una serie de variaciones de autorretratos. [12] Desde entonces, coleccionistas privados han adquirido versiones de Autorretrato de niño y una obra de la serie, que muestra el retrato con un grupo de tres mujeres sentadas en una mesa, está incluida en la colección permanente del Museo Guggenheim. [13]
En la década de 1990, Kami pintó retratos individuales de hombres y mujeres, que académicos y críticos han analizado desde una perspectiva de duelo y mortalidad. Sin título (1997), una obra única compuesta por dieciséis retratos, se conserva en la colección del Museo Whitney de Arte Americano de Nueva York. [14] Los retratos, pintados a partir de fotografías, recuerdan tanto a los retratos tradicionales bizantinos como a los de Fayum, así como a las fotografías de periódicos. En su reseña de la "Exposición por invitación" (una exposición colectiva en la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras de Nueva York, en 2000), Ken Johnson escribió en el New York Times : "[L]a obra más conmovedora de la exposición es la gran pared de retratos de YZ Kami: imágenes borrosas, cálidamente apagadas, basadas en fotografías de 16 personas exudan un estado de ánimo inquietante y fúnebre. Aprovechando una tradición que se remonta a la época romana, Kami ha producido una obra que parece sobriamente adecuada para este momento de la historia". [15]
Aunque los retratos de Kami son conocidos por sus cualidades sutiles y meditativas, el artista ganó especial atención por su trabajo más político, como In Jerusalem (2004-05), que se incluyó en "Think With the Senses, Feel With the Mind", comisariada por Robert Storr en la 52.ª Bienal de Venecia en Italia. La obra representa a cinco destacados líderes religiosos –un cardenal católico, un obispo ortodoxo oriental, rabinos sefardíes y asquenazíes y un imán sunita– que se unieron en 2005 en una feroz oposición a una marcha del orgullo gay que se celebraría en Jerusalén. Kami extrajo las figuras de una fotografía que apareció en la portada del New York Times . En el ensayo de Storr "Cada vez que siento el espíritu...", él le atribuye a Kami "una gentil audacia al aceptar el desafío de delinear imágenes contemporáneas creíbles de oración —incluyendo varias de manos unidas levantadas en adoración y/o súplica— y, por lo tanto, bajo las condiciones actuales del mundo del arte, el excepcional coraje de sus convicciones". [16]
En sus recientes retratos a gran escala, Kami enfatiza el proceso detrás de las pinturas, a veces enfatizando o inventando rasgos individuales, como en Hombre con ojos violetas (2013-14). También ha pasado de representar a sus sujetos con miradas suaves y borrosas a mostrarlos con los ojos cerrados, lo que aumenta su distancia introspectiva y emocional. Como ha escrito Steven Henry Madoff sobre estas obras, "Atravesamos lo cognoscible y llegamos a un estado de expectativa y suspensión en el que nos abrimos a la posibilidad de una presencia inmaterial, un vínculo con el mero Ser". [17] De esta manera, los puntos focales de las pinturas no son los ojos, como es el caso de los retratos tradicionales, sino más bien el rostro entero, que emana como una presencia única y envolvente. "Cuando pasas por el proceso de mirar un rostro y meditas sobre él con pigmentos y pinceles en la mano", dice Kami, "es como vivir con el rostro. De alguna manera, se vuelve parte de ti". [18]
Después de que estos retratos se exhibieran en el Gagosian de Nueva York y Londres, Jackie Wullschlager escribió en el Financial Times que "están llenos de paradojas que lo convierten en uno de los pintores conceptuales más intrigantes de la actualidad". [19] También recibió elogios Laura Cumming del Guardian , que escribió: "Es obvio, a partir de estas pinturas, que Kami es prodigiosamente consciente de las limitaciones del retrato. Sin embargo, es obvio a partir de estas pinturas, con su intenso aspecto de interioridad, de intentar hacer visible lo invisible, que está pensando en esta dimensión de nuestras vidas como pocos otros pintores contemporáneos. Así que, aunque sus retratos son por naturaleza impermeables, resistentes a la comunión emocional, también son cándidamente abiertos en su escala monumental". [20]
Aunque lo que más le cautiva es el rostro humano y lo que significa representarlo, Kami también ha explorado el trabajo en técnicas mixtas y la abstracción, utilizando estas formas para examinar más a fondo los temas de la luz, el infinito y el acto de mirar.
Las obras de Endless Prayer son collages de técnica mixta sobre papel, inspirados en diseños arquitectónicos. [21] Estas obras, realizadas pegando en círculos diminutos recortes en forma de ladrillo de textos persas, árabes, arameos y hebreos, recuerdan el ritual de la oración y los mosaicos de la arquitectura sagrada, y en particular los patrones de ladrillos de las cúpulas. Aunque Kami había estado produciendo obras de Endless Prayer sobre papel durante una década antes, las expuso por primera vez en la Parasol Unit Foundation for Contemporary Art de Londres, la John Berggruen Gallery de Gagosian y la Sackler Gallery de la Smithsonian Institution en 2008.
YZ Kami creó Rumi, el Libro de Shams e Tabrizi (En memoria de Mahin Tajadod) para la IX Bienal Internacional de Estambul en 2005. Cortó bloques de esteatita gris y luego, con tinta litográfica, los estampó con los versos persas originales de un poema de Rumi. El poema es un encantamiento rítmico y repetitivo: "Ven a mí, ven a mí, amado mío, amado mío/ ¡Entra, entra en mi trabajo, en mi trabajo!". La escultura consta de doce círculos formados por bloques de piedra individuales y se puede disponer de dos formas diferentes: ya sea en círculos concéntricos alrededor de un área de sal blanca que hace referencia a una luz blanca; o como círculos separados, cada uno manteniendo su diámetro original de la disposición concéntrica, pero instalados como anillos individuales.
Las obras de Oración sin fin dieron lugar a las pinturas Dome , en las que, en lugar de texto, Kami utiliza el color y la forma para referirse a los mosaicos y la arquitectura, aplicando toques de pintura similares a ladrillos en anillos concéntricos, dejando el centro oscuro o claro. Las Domes de Kami, que se producen desde mediados de la década de 2000, se han producido en azul, negro, blanco y dorado. Paul Richard, del Washington Post, escribe sobre esta serie: "Mirar esa imagen es como estar de pie con la cara erguida debajo de una cúpula perforada, por ejemplo, la del Panteón en Roma, o la de alguna mezquita turca, mirando a través del óculo, que interrumpe la mampostería muy por encima de tu cabeza y te permite ver, más allá, el brillo del cielo". [22] Las Domes ofrecen un contrapunto abstracto a los retratos de Kami, reuniendo ideas tan diversas como la arquitectura, la luz, la oración, la meditación y el minimalismo en un único acto de repetición. Cuando se le pregunta sobre las pinturas de Dome en relación con sus otros trabajos, Kami afirma: "La conexión se da a través de la luz. Hay una experiencia de luz en los retratos, como si el retratado saliera de la luz o entrara en ella. Y en White Domes, también se trata mucho de esa experiencia de luz". [8]
Las Cúpulas han aparecido en numerosas exposiciones individuales, entre ellas "YZ Kami: Paintings" (Gagosian Nueva York en 2014 y Gagosian Londres en 2015), "Endless Prayers" (Los Angeles County Museum of Art en 2016-17), así como en Gagosian París en 2018. [23] Como escribe Robert Storr sobre las pinturas de las Cúpulas , "Compuestos por anillos concéntricos anidados de rombos similares a ladrillos que evocan las cúpulas y domos de iglesias, mezquitas y templos, estos paneles son mandalas que se dilatan y contraen para la contemplación de mentes sin restricciones". [16] A través de estas pinturas abstractas, Kami continúa explorando aquello que podría no ser discernible o visible para los ojos humanos.
Además de los retratos y las cúpulas , Kami comenzó a crear pinturas de manos en 1987. Si bien inicialmente representó manos individuales, desde 2012 las manos en las pinturas de Kami suelen posarse de una manera asociada con la oración y se representan con el mismo matiz y concentración que los retratos. Kami explica cómo la meditación está presente en los retratos, la luz está presente en las cúpulas y la fe está presente en las manos. No limita la asociación de la fe a una religión. Las manos desnudas ocupadas en la oración son una imagen universal de la fe y la contemplación de lo desconocido. [24]
Continuando con la naturaleza abstracta de las pinturas Dome y en su práctica de explorar los límites de la luz, las tenebrosas Pinturas Nocturnas de Kami (2017-presente) están compuestas en gran parte por un solo tono de índigo mezclado con varias gradaciones de blanco. [25]
Las pinturas de Kami representan los límites entre lo terrenal y lo sublime. Inspiradas en su herencia cultural, pero decididamente cosmopolitas y seculares, las obras de Kami transmiten una reflexión filosófica y espiritual. Al mismo tiempo, oscurece y anonimiza visualmente a sus sujetos, prefiriendo abordar cuestiones más amplias de lo infinito y lo inefable en lugar de ahondar en los detalles de una existencia religiosa. Las pinturas nocturnas de Kami se han exhibido en "YZ Kami: Night Paintings". Aquí, Kami se involucra en un tira y afloja entre la abstracción y la figuración, confundiendo aún más los intentos del espectador de reconocer elementos del reino humano.[1]
La obra de Kami se encuentra en las colecciones del Museo Metropolitano de Arte , Nueva York; el Museo de Arte Moderno , Nueva York; el Museo Whitney de Arte Estadounidense , Nueva York; el Museo Solomon R. Guggenheim , Nueva York; y el Museo Británico , Londres, entre otros. Las exposiciones incluyen The Watchful Portraits of YZ Kami, Museo de Arte Herbert F. Johnson , Universidad de Cornell , Ithaca, Nueva York (2003); 52nd Biennale di Venezia (2007); Perspectives: YZ Kami, Galería Arthur M. Sackler , Institución Smithsonian , Washington, DC (2008); Endless Prayers, Fundación Parasol Unit para el Arte Contemporáneo , Londres (2008-09); Beyond Silence, Museo Nacional de Arte Contemporáneo de Atenas (2009-10); y Endless Prayers, Museo de Arte del Condado de Los Ángeles (2016-17). De forma silenciosa/In a Silent Way, un estudio a mitad de carrera de la obra de Kami, fue presentado por el Museo de Arte Contemporáneo de Castilla y León , España, en 2022-23. Luz, Mirada, Presencia se organizó en cuatro ubicaciones en Florencia , Italia, en 2023: Museo di Palazzo Vecchio, Museo Novecento, Museo degli Innocenti y Abbazia di San Miniato al Monte.