Spiritual Unity es un álbum de estudio delsaxofonista estadounidense de free jazz Albert Ayler . Fue grabado el 10 de julio de 1964 en la ciudad de Nueva York y cuenta con la participación del bajista Gary Peacock y el baterista Sunny Murray . Fue el primer álbum grabado para el sello ESP-Disk de Bernard Stollman y atrajo la atención internacional sobre Ayler por ser tan "sorprendentemente diferente". [2] Al mismo tiempo, transformó a ESP-DISK en "una fuente importante para el jazz de vanguardia". [3] Una reseña de 5 estrellas en AllMusic lo calificó como una "grabación histórica que es esencial para cualquier comprensión básica del free jazz", "el álbum que impulsó a Albert Ayler a la vanguardia de la vanguardia del jazz... realmente el primer documento disponible de la música de Ayler que lo emparejó con un grupo de músicos verdaderamente comprensivos", y afirmó que "los resultados son una destilación magníficamente pura de su estética". [4]
A finales de diciembre de 1963, Bernard Stollman, que había estado jugando con la idea de iniciar un sello discográfico, fue, por insistencia de un amigo, a escuchar a Ayler en el Baby Grand Café en la calle 125 en Harlem. [5] Ayler se había mudado a la ciudad de Nueva York a principios de año y recientemente había estado tocando con una variedad de músicos, incluido Ornette Coleman , con quien Ayler hizo una grabación informal a principios de ese mes, [6] y Cecil Taylor , con quien actuaría en la víspera de Año Nuevo en un concierto en el Philharmonic Hall, Lincoln Center que también contaría con el quinteto de John Coltrane y Art Blakey and the Jazz Messengers . [7] Según Stollman, al llegar al Baby Grand Café,
Elmo Hope estaba al piano con su trío en un escenario elevado. Me senté y los escuché. Varios minutos después, un hombre pequeño con un traje de cuero gris, que sostenía un gran saxofón, pasó a mi lado y saltó al escenario. Tenía una barba negra, con una pequeña mancha blanca. No fue presentado y, haciendo caso omiso del trío, comenzó a tocar su instrumento. Los otros músicos se detuvieron y lo miraron. No intercambiaron palabras. Elmo Hope cerró silenciosamente su piano, el bajista aparcó su bajo, el baterista dejó las baquetas y todos se sentaron a escuchar. Estaba tocando en solitario y siguió tocando durante veinte o treinta minutos, sólo un estallido de música. Parecía un segundo; ¡no fue tiempo en absoluto! Luego se detuvo y saltó de la plataforma, cubierto de sudor. [8]
Stollman se acercó entonces a Ayler, le dijo que estaba empezando un sello discográfico y le pidió que fuera su primer artista, ofreciéndole un adelanto de 500 dólares. [9] Ayler estuvo de acuerdo y declaró que se pondría en contacto con Stollman después de cumplir el compromiso de grabar material en Atlantic Studios. [8] (Aquí se refería a la sesión del 24 de febrero de 1964 que dio lugar a dos álbumes, Spirits , posteriormente reeditado como Witches & Devils , y Swing Low Sweet Spiritual ).
A principios de 1964, Ayler se unió brevemente a un cuarteto liderado por Paul Bley . [10] Esta ocasión le presentó a Ayler al bajista Gary Peacock, que había estado tocando con Bley durante varios años, y que también había grabado recientemente con Bill Evans . El grupo de Bley también incluía al baterista Sunny Murray, con quien Ayler había tocado en el grupo de Cecil Taylor. [10] (Murray apareció en ambas grabaciones de Ayler del 24 de febrero). El cuarteto de Bley no grabó, y solo hizo una aparición pública en la cafetería Take 3 en Greenwich Village. [10] A fines de la primavera, Ayler, Peacock y Murray habían formado un trío, después de que Peacock dejara el grupo de Miles Davis , donde estaba sustituyendo a Ron Carter . [11] El 14 de junio, el trío tocó en el Cellar Café en la ciudad de Nueva York y grabó el material que se lanzaría en el álbum Prophecy , que presenta algunas de las piezas que se grabarían para Spiritual Unity menos de un mes después.
Ese mismo mes, Ayler llamó a Stollman y le dijo que le gustaría hacer una grabación. Según Val Wilmer , la decisión de Ayler de unirse al sello de Stollman, que se llamaría ESP-Disk , se tomó "en contra del consejo de Cecil Taylor y otros músicos que pensaban que los artistas deberían esperar un precio acorde con su talento". [12] Ayler justificó su decisión, afirmando: "Sentí que mi arte era tan importante que tenía que sacarlo a la luz. En ese momento, musicalmente estaba fuera de este mundo. Sabía que tenía que tocar esta música para la gente". [2]
Stollman reservó una sesión para el 10 de julio en Variety Arts Studio, un estudio pequeño y económico cerca de Times Square que había sido utilizado con frecuencia por Moe Asch , el propietario de Folkways Records , [8] para quien Stollman había realizado trabajos legales. [13] Stollman recordó:
Poco antes de la una de la tarde llegó Sunny Murray, una morsa grande y afable, que se movía y hablaba con una agilidad que contradecía su apariencia. Le siguió Gary Peacock, alto, delgado, de aspecto ascético y de voz suave, con un comportamiento introspectivo y amable. Albert Ayler fue el último, pequeño, cauteloso y lacónico. [14]
El ingeniero de grabación dejó abierta la puerta del estudio y Stollman y la entonces esposa de Peacock, Annette, se sentaron en el área de recepción. [8] Según Stollman,
Mientras sonaba la música, me sentí cautivado, entusiasmado, jubiloso. Intercambié miradas con Annette y le dije: "¡Qué comienzo tan auspicioso para un sello discográfico!" Ella asintió con la cabeza en señal de acuerdo. [8]
En un momento dado, "el ingeniero huyó de la sala de control durante unos minutos, pero regresó a tiempo para cambiar la cinta para la siguiente selección". [14] Aunque la sesión estuvo bien microfoneada, Stollman se "horrorizó" al saber que se había grabado en mono. Sin embargo, años después declaró: "En más de cuarenta años, a nadie le ha importado". [8] Los músicos recibieron el pago y firmaron acuerdos de grabación después de la sesión, en un café cercano. [14]
Stollman contrató a Jordan Matthews, ex productor de ABC, como su director artístico, y Matthews trajo a Howard Bernstein para hacer la portada. [15] Stollman declaró que decidió serigrafiar la portada, dándole "una calidad primaria, adecuada para ESP". [16] A pesar del hecho de que fue la primera grabación verdadera de ESP-Disk, Spiritual Unity fue lanzado en 1965 como el segundo artículo en el catálogo del sello, después de un disco titulado Ni Kantu En Esperanto , que Stollman describió como "solo un ejercicio" resultante de su interés en el esperanto . [13] (Stollman recordó que cuando grabó el álbum de esperanto, "no tenía pensamientos de hacer nada más allá de eso"). [13]
Los primeros lanzamientos de Spiritual Unity contenían un folleto titulado "Ayler - Peacock - Murray - You and the Night and the Music" con texto de Paul Haines . [17] Las notas del álbum indican que el símbolo "Y" que aparece en la contraportada "es anterior a la historia registrada y siempre ha representado el espíritu ascendente del hombre. Pensamos que el signo era particularmente apropiado para este álbum". [18] El folleto nunca se ha incluido en ninguna reedición en CD, pero se incluyó en la caja "Holy Ghost".
Ayler se mostró satisfecho con la grabación y sintió que representaba un nivel muy alto de interacción musical, afirmando: "La mayoría de la gente habría pensado que esto era imposible, pero en realidad sucedió. Lo más importante es estar en sintonía con los demás, pero se necesitan personas espirituales para hacer esto... No estábamos tocando , nos estábamos escuchando unos a otros". [2] Después de su lanzamiento, Ayler envió una copia del álbum a John Coltrane , y poco después, Coltrane instó a Impulse! Records a contratar a Ayler. En junio de 1965, Coltrane grabó el álbum Ascension ; después de la sesión de grabación, Coltrane "llamó a Ayler y le dijo: 'Grabé un álbum y descubrí que estaba tocando como tú'. La respuesta de Albert: 'No, hombre, ¿no lo ves? Estabas tocando como tú mismo. Estabas sintiendo lo que yo siento y estabas clamando por la unidad espiritual". [19]
Stollman se sintió muy animado por la experiencia y recordó: "Estaba emocionado con ese disco, así que estaba muy entusiasmado con la idea de seguir adelante. Quería explorar esta nueva música". [20] Una semana después de la sesión de Spiritual Unity , Ayler, Peacock y Murray, junto con Don Cherry , John Tchicai y Roswell Rudd , grabaron New York Eye and Ear Control , que también sería lanzado por ESP-Disk. El sello lanzaría varios álbumes adicionales de Ayler, incluido Bells and Spirits Rejoice . Según Stollman, después de la muerte de Ayler en 1970, representó al patrimonio del músico. [21]
La reacción crítica inicial a Spiritual Unity fue mixta. Scott Deveaux y Gary Giddins observaron que el álbum "fue aplaudido y ridiculizado al mismo tiempo", y afirmaron que "el sonido descomunal de Ayler evocaba histeria lujuriosa". [3] En julio de 1965, DownBeat publicó un artículo que incluía una crítica negativa de cero estrellas de Kenny Dorham , quien escribió que el álbum "no vale el papel que se necesita para reseñarlo. Demasiado fuera de lugar. Pasó la luna y las estrellas", junto con una crítica positiva de Bill Mathieu, quien escribió: "Las notas desaparecen en cintas anchas e irregulares, fragmentadas, prismáticas, arrastradas por el viento, indeterminadas y llenas de furia. Aunque la furia es aterradora, peligrosa, logra una certeza absoluta al estar, musicalmente, absolutamente contenida... Ayler aparentemente rara vez escucha una nota a la vez, como si fuera inútil considerar las partículas de una cosa. Parece querer escanear todas las notas en todo momento y de esta manera hablar a una conciencia expandida. Y la consistencia en esta efusión es un punto de referencia a partir del cual su música toma forma... La música de Ayler, así como la mayoría de la música de vanguardia, es, en el mejor de los casos, difícil de escuchar. Sin embargo, es una declaración muy directa, la manifestación física de Un ritual espiritual o místico. Su lógica es la lógica de la carne humana en la esfera del espíritu. ¿Podría ser que el ritual sea más accesible para algunos oyentes que para otros? [25]
Las reacciones recientes han sido más positivas. Los autores de The Penguin Guide to Jazz seleccionaron el álbum como parte de su "Core Collection" sugerida, otorgándole una "corona" además de una calificación de cuatro estrellas, y comentando: "el trío de Ayler de 1964 era por excelencia una banda de escucha, atrapada en una lucha personal que solo es posible observar, atónito, desde la barrera". [26] En 2013, Spin lo incluyó en la lista de los "100 mejores álbumes alternativos de los años 60". [27] En 2017, Pitchfork lo colocó en el puesto número 30 de la lista de los "200 mejores álbumes de los años 60". [28]
Val Wilmer escribió que Spiritual Unity "revolucionó la dirección que debía tomar cualquiera que tocara esos tres instrumentos. La música era sorprendentemente diferente: Ayler inquietantemente áspera y brutal pero al mismo tiempo profundamente teñida de patetismo, Peacock escuchando mientras tocaba monumentales figuras de bajo, Murray comportándose, como dijo una vez LeRoi Jones, como si "simplemente quisiera desaparecer"; pero sus conclusiones parecían tan simples cuando las escuchabas. Ayler, Murray y Peacock habían creado la música grupal perfecta". [2] Según John Corbett , Spiritual Unity representa "uno de los momentos más radicales" en una "forma alternativa de pensar" donde los instrumentistas preguntan: "¿Cuál es mi supuesto papel y qué pasa si no quiero vivir de acuerdo con él?" [29] Escribió: "El saxofón, el bajo y la batería están haciendo algo muy diferente de lo que normalmente hacen: el bajista... es melódico, nervioso y virtuoso; el baterista... reúne charcas y remolinos de sonido, aumentando y disipando el volumen, sus platillos inundados de energía nerviosa; el saxofonista... sólo toca una pizca de material melódico, concentrándose en gritos y llantos extáticos, abriéndose paso entre los demás en grandes murmullos y golpes, como relámpagos que destellan en un mar turbulento. Los roles convencionales de los instrumentos se trastocan, se reinventan". [30] Corbett continuó comparando la experiencia con "conducir un automóvil en el que las relaciones entre las partes del motor se reinventan repetidamente". [31]
Ted Gioia calificó Spiritual Unity como "una declaración importante, el proyecto de conjunto más cohesivo que el saxofonista había emprendido hasta la fecha", en el que "Ayler demostró que su radical reinterpretación del vocabulario del saxofón de jazz era en gran medida autosuficiente, sin necesidad de otros instrumentos para realzarlo o apoyar su ataque abrasador. Abarcaba fervientes exploraciones de armónicos, inquietantes evocaciones de cuerdas en el registro más alto y explosiones vesubianas de lava sónica. Peacock y Murray se aferran a estas líneas enérgicas con la determinación de los vaqueros que se aferran a los novillos en el rodeo. A su favor, se enfrentan magistralmente a los saltos y giros impredecibles de Ayler". [32] Los autores de The Penguin Jazz Guide describieron al trío de Ayler como "una banda de oyentes por excelencia, atrapada en una lucha personal que sólo es posible observar, atónita, desde la barrera", y, tras señalar que Ayler había grabado material tradicional en Swing Low Sweet Spiritual a principios de ese año, escribieron: "Escuchado en ese contexto, es imposible considerar Spiritual Unity como algo más que una extensión de temas vernáculos, tocados de una manera extática típica de las iglesias afroamericanas. Por breve que sea, sigue siendo un disco de poder y autoridad inimitables, pero hay humor bajo la superficie y una humanidad que rara vez se reconoce". [33]
El saxofonista Shabaka Hutchings , líder de la banda Sons of Kemet , escribió que la primera vez que escuchó Spiritual Unity , "no entendía nada!... Mi cerebro no podía procesarlo". Comentó: "Esto era intranscribible - parecía que no había nada que robar de ello. Sonaba como si estuviera llorando a través del saxofón. Puedes escuchar vocalización en Sidney Bechet y los chicos mayores, pero esta fue la primera vez que escuché a alguien seguir con eso y no tratar de mezclarlo con algo más convencional". Finalmente, afirmó, "Cuanto más escuchaba, más me daba cuenta de que está en lo que Anthony Braxton llama 'una zona emocional' - todo lo que Ayler hace, se trata de la intención emocional detrás de ello. Quería ver si podía entrar en ese espacio donde eres libre de hacer eso. Se trata de la imagen general - más como pintar". [34]
Mark Richardson escribió que Ayler tenía una "empatía telepática" con Peacock y Murray en Spiritual Unity , y afirmó: "Juntos, Peacock y Murray forman un acompañamiento sonoro que a veces parece más un conjunto de sonidos que cambian sin fin que una sección rítmica real. Murray tiene un toque ligero y rápido, manteniendo los platillos y las cajas funcionando casi constantemente, sin romper nunca el flujo de la música con un redoble pesado, y Peacock funciona como una extensión de sus texturas". Concluyó llamando al álbum "corto... intenso y un clásico merecido". [23] John Fordham , escribiendo en The Guardian , comentó: "Medio siglo después de que el trío lanzó esta música en un pequeño estudio de Times Square, todavía brilla, eleva y desconcierta. Ayler emerge de una alegría al estilo de Sonny Rollins hacia ráfagas de tonos arrastrados y ululatos de claxon sobre las líneas insistentes de Peacock y los matices de Murray en el primer 'Ghosts'; avanza ferozmente a través de secuencias sin fisuras en 'The Wizard'; y llama implorantemente en un tono entre un cantante apasionado y un viola microtonal en el meditativo 'Spirits'. Todavía suena como música al límite". [35]
En una reseña para All About Jazz , Mark Corroto llamó al álbum "30 minutos que cambiaron la dirección del jazz", y escribió: "Cincuenta años después de la grabación de Spiritual Unity de Albert Ayler , la música (y el hombre) siguen causando tumulto. No es tanto que el free jazz no haya estado en nuestro radar durante las últimas décadas, es solo que esta grabación sigue siendo una de esas experiencias de '¿dónde estabas cuando lo escuchaste por primera vez?'". Continuó: "El bajista Gary Peacock... no tanto marca el ritmo como alimenta el fuego de la interpretación de jazz folk libre de Ayler. Peacock pasó de su trabajo con los pianistas Bill Evans y Paul Bley a esta expresión abierta con Ayler. Escucharlo tocar líneas de arco en 'Spirits' o lanzar bombas de energía en 'Ghosts' es similar a ver a un boxeador ejercitándose en un saco de velocidad. Lo mismo se aplica al baterista Sunny Murray, que evita las presunciones de pulso para el acento. Su trabajo con platillos chisporrotea en todo momento... Las marchas de Ayler, su folk-jazz y el sonido de metales de Nueva Orleans fue (es) un enfoque audaz e indomable de la creación musical que fue a la vez revolucionario y un momento 'ajá' en el desarrollo del jazz libre de los años 60 que todavía resuena con fuerza hoy en día". [36]
El biógrafo de Ayler, Jeff Schwartz, afirmó: "La música grabada en esta sesión es sencillamente increíble... Los tres miembros improvisan constantemente con libertad. Es solo por convención que uno escucha un saxofón acompañado de bajo y batería. De hecho, si bien hay bastante interacción brillante entre los músicos, es mucho más útil ver las piezas grabadas por el trío de Ayler como conjuntos de solos simultáneos. Nunca antes (o quizás desde entonces) un conjunto había llevado el ideal de improvisación colectiva de Nueva Orleans a un nivel tan extremo". En cuanto al tono de Ayler, Schwartz escribió: "Ningún músico de jazz había utilizado nunca un vibrato tan amplio como el de Ayler y es principalmente el melodrama de este sonido lo que llevó a los críticos a describirlo como primitivo. En esta oscilación de tono que suena como un llanto y un rebuzno se encuentra quizás la mayor ruptura de Ayler con la tradición del jazz. Es como si se negara a ser 'moderno', a ocultar sus sentimientos, a ser 'cool', como los Paul Desmond y Lee Konitz sin vibrato. Ha ido más allá del vibrato vocalizado de músicos como Louis Armstrong a lo que sólo puede describirse como sollozo". [10] El escritor Ekkehard Jost señaló que "la negación de Ayler de las notas fijas encuentra una contraparte en la negación del pulso de Peacock y Murray. En ningún grupo de esta época se escucha tan poco de un pulso constante... La absoluta libertad rítmica conduce con frecuencia a la acción en tres planos rítmicos independientes: Ayler improvisa en lapsos sonoros largos y prolongados; Peacock insinúa cadenas de impulsos, irregulares y sin embargo oscilantes en un sentido remoto; Murray toca platillos con una resonancia muy viva, creando color en lugar de acentuación". [37]
El crítico musical S. Victor Aaron escribió: "El jazz comenzó como el ragtime de Buddy Bolden inspirado en los antiguos esclavos que actuaban en Congo Square, Nueva Orleans, durante los últimos años del siglo XIX. De alguna manera, terminó unos setenta años después en un estudio justo al lado de Times Square, Nueva York. Fue entonces cuando Albert Ayler y su trío grabaron Spiritual Unity un día de verano de 1964... era evidente que el saxofonista inconformista Albert Ayler entró en ese estudio hace cincuenta años la semana pasada para llevar el jazz al punto final de su trayectoria de desarrollo". Continuó: "Este disco estaba muy por delante de la frontera del jazz. Y todavía hoy, no hay mucho por ahí que sea realmente 'allá afuera' como Spiritual Unity . Hay pocos entre los que poseen su enfoque asombroso y su propósito unificado... Para avanzar mucho en la música, hay que retroceder cincuenta años". [38]
En una reseña, el escritor Jackson Brown afirmó: " Spiritual Unity de Albert Ayler es una confluencia de caminos divergentes que se remontan hasta donde nuestra especie puede rastrear, hasta los primeros experimentos del hombre para dar forma a la fuerza a la manera del sonido... No es la mera representación de la cosa lo que Ayler logra aquí, sino la recontextualización, la liberación de la tradición musical estadounidense. El resultado es de otro mundo... Ayler deseaba prescindir de las limitaciones de las notas musicales y la composición convencional. En su lugar, buscó el sonido entre las notas y la expresión de su instrumento como una fuerza primaria, una extensión de sí mismo en la que explorar un timbre único, improvisando tanto en registros altos como bajos con chirridos, bocinazos, explosiones: explosiones de pasión todas ellas". En relación con el trío, escribió: "la comprensión que este grupo tiene de las tendencias y las búsquedas creativas de los demás es asombrosa, casi telepática... el álbum entero son tres 'solos' separados, cada uno de los cuales se basa en el otro. El grupo parece menos como tres músicos diferentes y más como un organismo espiritual unificado en comunión consigo mismo". Concluyó: "Albert Ayler se inspiró en las músicas dispares de la tradición estadounidense y forjó audazmente su propio camino a través de las llamas, inspirando a algunas de las figuras más inspiradoras del jazz y dando forma al futuro de la música de vanguardia que vendría. No será olvidado ni perdonado por eso". [39]
Todas las pistas están escritas por Albert Ayler
Créditos adaptados de las notas del álbum.
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