Kishio Suga (菅 木志雄, Suga Kishio ) (nacido en 1944), es un escultor y artista de instalaciones japonés que actualmente vive en Itō, Shizuoka , Japón. [1]
Es uno de los miembros clave de Mono-ha , un grupo de artistas que se hizo conocido a finales de los años 1960 y 1970. Los artistas de Mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, como piedra, placas de acero, vidrio, bombillas, algodón, esponja, papel, madera, alambre, cuerda, cuero, aceite y agua, ordenándolos en estados efímeros y en su mayoría inalterados. Las obras se centran tanto en la interdependencia de estos diversos elementos y el espacio circundante como en los materiales mismos.
Kishio Suga nació en Morioka , prefectura de Iwate . De 1964 a 1968 fue estudiante en el departamento de pintura de la Universidad de Arte Tama de Tokio. Mientras estuvo en Tama, Suga leyó los escritos de Jean Baudrillard , Gilles Deleuze , Kitarō Nishida , Kei Nishitani, Nāgārjuna y Vasubandhu .
Durante este período, dos artistas que enseñaban en la universidad fueron influencias importantes para Suga. Yoshishige Saitō alentó a Suga y otros estudiantes a adoptar un enfoque deconstructivo del modernismo y la teoría del arte centrada en Europa y Estados Unidos. Otro profesor influyente fue el artista Jirō Takamatsu , cuyas pinturas y esculturas ilusionistas fueron fundamentales para el desarrollo de la escena artística de Tokio en ese momento. El trabajo temprano de Suga reflejó este enfoque. En su primera exposición individual, en la Galería Tsubaki Kindai, Tokio, en noviembre de 1968, Suga presentó Space Transformation (1968) (転移空間), una estructura independiente de madera pintada de rojo que daba la ilusión de una pila de cajas colapsando por su propio peso. [2]
Al mismo tiempo que Suga producía estas pinturas y esculturas ilusionistas, ya estaba pasando a un compromiso con las materias primas en obras como Layered Space (1968) (積層空間), una caja de acrílico transparente que contenía capas de aserrín, algodón, cenizas, polvo de plástico y tierra. [2]
En la segunda mitad de 1968, esta exploración de las materias primas, lo efímero y el espacio ganó reconocimiento como un movimiento más amplio. Lee Ufan presentó su primera obra yuxtaponiendo rocas y placas de acero. En la 1.ª Exposición de Escultura Contemporánea del Parque Suma Rikyū de Kobe (第一回野外彫刻展), Nobuo Sekine presentó Phase—Mother Earth (位相—大地), un agujero cilíndrico en la tierra, de 2,7 metros de profundidad y 2,2 metros de diámetro, con la tierra excavada moldeada en un cilindro de exactamente las mismas dimensiones. [3]
En 1973, Kishio Suga, Lee Ufan , Nobuo Sekine y otros artistas como Susumu Koshimizu , Katsuro Yoshida y Kōji Enokura pasaron a ser conocidos colectivamente como Mono-ha (literalmente "Escuela de las Cosas"). [4]
Suga llegó a articular sus ideas en términos de hōchi (放置, liberación), un acto que resalta la realidad de mono (もの, cosas) y su interdependencia con el jōkyō circundante (状況, situación, contexto o extensión). En su investigación en curso sobre la "situación" y la "activación (アクティベーション) de la existencia", Suga ha producido muchas instalaciones que son emblemáticas del enfoque Mono-ha. [3]
Situación infinita I (ventana) (1970) (無限状況), consistía en dos bloques de madera de diferentes longitudes que sostenían abiertas ventanas adyacentes en una escalera en la exposición Tendencias en el arte contemporáneo en el Museo Nacional de Arte Moderno de Kioto, en 1970.
En 1971, Suga creó la Ley de la Situación (状況律), el artista colocó diez piedras planas en línea sobre un panel de vidrio de 20 metros de largo y lo hizo flotar en la superficie de un lago en el Parque Tokiwa, ciudad de Ube, prefectura de Yamaguchi .
En el estado de igualdad de dimensiones (1973) (等間体) está formada por dos ramas altas y bifurcadas que sostienen una cuerda en cuatro puntos a lo largo de una esquina de la pared de la galería; cada extremo de la cuerda está atado a una roca que descansa en el suelo.
La Ley de la Multitud (1975) (多分律) consistía en una extensión ondulada de láminas de plástico transparente colocadas sobre varias docenas de columnas de hormigón, cada una de ellas rematada por una única piedra.
Además de sus instalaciones específicas para cada lugar, Suga también realiza ensamblajes más pequeños que se exhiben en la pared o en el piso. Suga ata, enlaza, apila, corta, pega, pinta, coloca cintas, calza, inclina, pela, clava, atornilla, talla, dobla y pliega estos materiales para darles sus formas actuales.
La primera exposición individual de Kishio Suga fue en la Galería Tsubaki Kindai, Tokio, en 1968. Desde entonces, ha realizado numerosas exposiciones individuales en Japón, incluso en el Museo de Arte de Iwate, Morioka; el Museo de Arte de Yokohama ; el Museo de Arte de la Ciudad de Chiba; el Museo de Arte Contemporáneo de la Ciudad de Hiroshima ; y el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio .
Su obra también ha sido incluida en muestras emblemáticas, como la 8ª Bienal de París en 1973; Japon des Avant Gardes 1910–1970 , Centro Georges Pompidou , París, 1986; Japanese Art after 1945: Scream Against the Sky , celebrada en el Museo de Arte de Yokohama , el Museo Guggenheim Soho, Nueva York, y el Museo de Arte Moderno de San Francisco , 1994; y Reconsidering Mono-ha , Museo Nacional de Arte, Osaka , 2005.
En 2008, el Museo Kishio Suga Souko abrió sus puertas en Itamuro Onsen Daikokuya, en la prefectura de Tochigi. Este museo alberga una gran selección de obras escultóricas de interior de Suga y varios jardines escultóricos al aire libre diseñados e instalados por Suga.
Su obra ha recibido renovada atención en los Estados Unidos tras su inclusión en Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha , en Blum & Poe , Los Ángeles , en febrero de 2012. Esta exposición fue la primera muestra de Mono-ha en los Estados Unidos, y fue seguida por una exposición individual en Blum & Poe en noviembre de 2012, que fue su primera muestra individual en los Estados Unidos. [5] El trabajo de Suga también se presentó en Tokio 1955-1970: Una nueva vanguardia en el Museo de Arte Moderno de Nueva York , en 2012. En 2016, la Dia Art Foundation encargó a Suga que resucitara una de sus obras de la década de 1970 que respondían al sitio en Dia:Chelsea . [6]
La obra de Kishio Suga se encuentra en la colección de numerosos museos, entre ellos:
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Kishio Suga recibió el 11º Premio de Arte Shell en 1967, el Gran Premio en el 5º Festival de Arte de Japón en 1970 y los Premios Mainichi en 2016. Enseña en la Universidad de Arte Tama, Tokio.
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