Kōji Enokura (榎倉康二, Enokura Kōji , 1942-1995) fue un pintor y artista de instalaciones japonés . [1]
Fue uno de los miembros clave de Mono-ha , un grupo de artistas que se hizo conocido a finales de los años 1960 y 1970. Los artistas de Mono-ha exploraron el encuentro entre materiales naturales e industriales, como piedra, placas de acero, vidrio, bombillas, algodón, esponja, papel, madera, alambre, cuerda, cuero, aceite y agua, ordenándolos en estados efímeros y en su mayoría inalterados. Las obras se centran tanto en la interdependencia de estos diversos elementos y el espacio circundante como en los materiales mismos.
Kōji Enokura nació en Tokio. En 1966 se graduó en el departamento de pintura de la Universidad Nacional de Bellas Artes y Música de Tokio . Enokura obtuvo un máster en pintura en la misma universidad en 1968 y enseñó allí desde 1975 hasta su muerte en 1995.
Desde principios de la década de 1970, Enokura tiñó papel, tela, fieltro y cuero con aceite y grasa. También decoloró los pisos y paredes de galerías y espacios al aire libre. Estas instalaciones ya no existen, pero están documentadas en fotografías. En 1970, Enokura expuso en la Bienal de Tokio '70 - Entre el hombre y la materia , con Jirō Takamatsu y Susumu Koshimizu . También expusieron artistas de renombre mundial como Richard Serra , Jannis Kounellis , Luciano Fabro , Christo y Bruce Nauman . Allí presentó Place (1970), pilas de papel de paja rugosa apiladas en diferentes alturas y empapadas con aceite. [2]
Una de sus obras más notables es Untitled (1970), una estructura triangular de cuero acuchillado colocada en el piso en una esquina, que resalta la relación de las paredes adyacentes tanto como la textura de su propia superficie. En una línea similar, para la Bienal de la Juventud de París de 1971, construyó Wall , una partición de hormigón de tres metros de alto y cinco de ancho entre dos árboles en el Parc Floral . Esta obra, por la que recibió una beca que le permitió vivir en París entre 1973 y 1974, ha sido un ícono perdurable de su práctica.
A través de intervenciones como estas, buscó afirmar su propio lugar en el mundo. En sus escritos afirmó: “Es la tensión entre el cuerpo y el material lo que me interesa, y eso es lo que quiero explorar. Da testimonio de la conciencia que tengo de mi propia existencia”.
En 1973, Kōji Enokura, Kishio Suga , Lee Ufan , Nobuo Sekine y otros artistas como Susumu Koshimizu y Katsuro Yoshida pasaron a ser conocidos colectivamente como Mono-ha (literalmente "Escuela de las Cosas").
Además de tomar fotografías que sirvieron simplemente para documentar sus instalaciones efímeras, Enokura también tomó fotografías que él consideraba obras de arte por derecho propio. Estas exploraban temas similares de estados liminales del ser, representando charcos de agua en el piso o goteando de una mesa, o reflejos de luz. Una de las imágenes más icónicas, Symptom: Sea–Body (PW No. 40) , muestra al artista acostado en la orilla del mar, su cuerpo siguiendo la curva de la marea entrante. Sobre esta obra, el curador Simon Groom escribió:
No puede haber una imagen más conmovedora del cuerpo como nuestro medio de pertenencia al mundo, ni de nuestro deseo de estar unidos con el mundo que nos rodea y nuestra conciencia de nuestra separación de él, alternando como el flujo y reflujo interminable de las olas que llegan a la orilla.
— Simon Groom, "Encuentro con Mono-ha", Mono-ha: School of Things , Kettle's Yard, págs. 17-19, 2002
Durante los años 1980 y 1990, Enokura continuó explorando el acto de teñir telas de algodón. En estas obras, tituladas Intervención o Intervención (Historia) y numeradas secuencialmente, el artista contrastaba normalmente campos lisos de pintura negra con tela sin pintar, a veces empapando toda la superficie. En varios lienzos utilizó vigas de madera empapadas en aceite para marcar la tela, ya sea fijando las vigas a la obra o apoyándolas contra ella.
Algunas obras de este período presentan estantes que sostienen botellas de vidrio llenas de arena y agua, o en un caso inusual, una planta en maceta. Enokura también creó numerosas obras que consisten en telas en capas simples o dobles colgadas en diagonal en la pared y plegadas en el piso.
La primera exposición individual de Kōji Enokura fue en la Galería Tsubaki Kindai, Tokio, en 1969. Desde entonces, ha realizado numerosas exposiciones individuales en Japón, incluido el Museo de Arte Contemporáneo Saito Memorial Kawaguchi y el Museo Nacional de Arte de Osaka, en 1994. En 2005, el Museo de Arte Contemporáneo de Tokio realizó una importante retrospectiva.
Su obra también ha sido incluida en exposiciones emblemáticas, como la Bienal de Tokio '70: Entre el hombre y la materia , Museo Metropolitano de Arte de Tokio , 1970; la Bienal de París , 1971; la Bienal de Sídney , 1976; la Bienal de Venecia , 1978; Avanguardie Giapponese degli Anni 70 , Galleria Comunale d'Arte Moderna di Bologna, 1992, y Museo de Arte Setagaya, Tokio, 1993; Reconsidering Mono-ha , Museo Nacional de Arte, Osaka , 2005; y Re: Quest―Arte contemporáneo japonés desde los años 1970 , Museo de Arte, Universidad Nacional de Seúl, Corea, 2013.
Su obra ha recibido renovada atención en los Estados Unidos tras su inclusión en Requiem for the Sun: The Art of Mono-ha , en Blum & Poe , Los Ángeles, en febrero de 2012. Esta exposición fue la primera muestra de Mono-ha en los Estados Unidos, y fue seguida por una exposición individual en Blum & Poe en junio de 2013, que fue su primera muestra individual en los Estados Unidos.
El patrimonio de Kōji Enokura está representado por las galerías Blum & Poe (Los Ángeles, Nueva York, Tokio), Fergus McCaffrey (Nueva York) y Tokyo Gallery + BTAP (Tokio, Pekín).
La obra de Kōji Enokura se encuentra en la colección de numerosos museos, entre ellos: