Stage Left Productions es una compañía de performance interdisciplinaria dedicada a las formas de arte colaborativo, las prácticas de teatro comunitario , el arte para discapacitados y el activismo social . [1] Autodescrita como “una compañía de teatro popular de base de diversos artistas y no artistas/catalizadores del cambio que crean caminos hacia la equidad sistémica, en y a través de las artes”, las actividades de Stage Left “promueven la equidad y la diversidad, brindan servicios de apoyo para artistas y grupos comunitarios aún excluidos y producen formas radicales de arte político”. [2] Con sede en Canmore, Alberta , la compañía está activa en Calgary, así como a nivel provincial, nacional e internacional. La producción de Stage Left es intercultural y multifacética, y abarca acciones de teatro de guerrilla , producción, presentación, capacitación, educación, defensa y trabajo de apoyo organizacional. [3]
Stage Left fue fundada en 1999 por un grupo de personas, entre ellas Michele Decottignies, una artista activista lesbiana con discapacidades mentales y físicas que se desempeña como directora artística actual. [1] Decottignies tiene una licenciatura en Bellas Artes y es graduada del Programa Técnico de Artes Teatrales (clase de 1992) en el Mount Royal College de Calgary . [4] Interesada en "cambiar el mundo creando comunidad a través del desempeño", [4] Decottignies fundó una compañía de teatro y adoptó las técnicas del Teatro del Oprimido de Augusto Boal , que se convirtieron en una piedra angular de la práctica de la compañía. Con sus diversas producciones, Stage Left ha forjado una estética distintiva descrita por la académica Kirsty Johnston como “una combinación de géneros de teatro popular (por ejemplo, teatro de los oprimidos, agitprop , teatro guerrillero , teatro de las calles, teatro de los trabajadores), drama político , teatro documental , creación de performances, medios digitales y arte de nuevos medios , producción interdisciplinaria y colaboración entre artistas y comunidades con procesos de cambio antiopresivos basados en las artes”. [5]
Stage Left se constituyó como una organización sin fines de lucro en 2003. [6] En sus primeros años, la compañía operó principalmente a través de subvenciones para proyectos y colaboraciones/asociaciones de trabajo, que a su vez influyeron y dieron forma a las oportunidades de financiamiento. [5] Decottignies explica el enfoque en una entrevista de 2010: “Identificamos las necesidades de programación a partir de un compromiso continuo y de larga data con comunidades específicas. Trabajamos con nuestros socios para determinar la mejor manera de ofrecer una programación que pueda satisfacer esas necesidades. Solicitamos financiamiento para apoyar esa programación”. [5] En 2012, el Consejo Canadiense para las Artes “reconoció oficialmente el sector de las artes y la discapacidad como un nuevo campo de exploración”, y Stage Left comenzó a recibir financiamiento operativo plurianual para ayudar a apoyar y sostener sus actividades. [7] En ese momento, el teatro se había convertido en “la compañía de espectáculos más exitosa de Calgary que se dedica exclusivamente a la colaboración entre artistas y la comunidad y a la producción profesional con artistas marginados”. [6]
Las técnicas de teatro popular de Augusto Boal son un aspecto importante y un sello distintivo de las actividades de Stage Left, desde el inicio de la compañía hasta la actualidad. En 2005, la organización fue oficialmente respaldada por Boal como Centro Internacional de Teatro de los Oprimidos en Canadá. [1] Al llevar el teatro a la gente (en lugar de llevar a la gente al teatro), Stage Left a menudo colabora con grupos históricamente marginados (aunque no exclusivamente), como las naciones indígenas; las personas de color; las personas con discapacidades mentales y físicas; LGBTTTIQ+; y los jóvenes en riesgo. [4] Como explica Decottignies en un artículo de perfil de 2005, el mandato de Stage Left es crear un modelo de actuación de "colaboración profesional entre artistas y comunidad" que "integrará a las personas marginadas en la vida creativa, artística y social de [la] comunidad al proporcionar un espacio seguro y accesible en el que puedan explorar, definir y celebrar su cultura; desarrollar la confianza, la imaginación y la expresión artística; contribuir a la cultura de la comunidad de formas significativas; y expresar tanto la identidad individual como la colectiva”. Además, la empresa utiliza “las artes para permitir que las personas marginadas establezcan una presencia visible en la comunidad en general, aumentando la conciencia de problemas específicos y fomentando una apreciación de diversas culturas a través de la presentación de imágenes auténticas, dinámicas y no sentimentales de la experiencia personal”. [8]
A principios de la década de 2000, Stage Left estaba facilitando diferentes corrientes de actividad basadas en el Teatro de los Oprimidos y otras prácticas teatrales populares y políticas, como las Artes Activas para personas con discapacidades y Acting Out para jóvenes LGBTTTIQ+. [4] El compromiso con las comunidades de las Primeras Naciones también ha sido siempre central, como lo demuestra una iniciativa conjunta de 2004/05 con la Dra. Lindsay Crowshoe (médica y profesora adjunta del Departamento de Medicina Familiar de la Universidad de Calgary en ese momento) [9] destinada a mejorar la formación de los médicos y la competencia cultural para la atención médica aborigen. [10] La revista Medical Education informa que el Teatro Foro se utilizó para que los estudiantes de primer año "se conectaran mental, física, espiritual y emocionalmente con el contenido y comenzaran a desarrollar un enfoque apropiado para interactuar con los pacientes aborígenes". [10] El teatro foro es una técnica interactiva en la que se representan en el escenario diversos escenarios problemáticos, facilitados por un “bromista” o maestro de ceremonias que anima a los miembros de la audiencia a detener la acción en el escenario, reproducirla e insertarse en la escena en un intento de encontrar una resolución aceptable para el problema en cuestión. Se desarrollaron tres escenarios de la “vida real” como parte de este “proyecto curricular integral”, que fue diseñado para colocar “las relaciones humanas y la comprensión en el centro” de la formación médica, y para “abordar tanto una brecha en la salud aborigen como una brecha en la comprensión de los estudiantes sobre las culturas aborígenes y médicas”. [9] Los estudiantes de medicina encontraron que el teatro foro era “una forma muy eficaz de involucrar a la clase en estrategias de resolución de conflictos” y, como señala Crowshoe, es una forma útil “de eliminar las capas de prejuicio y corrección política y comenzar a abordar los problemas reales y realmente comenzar a abrir el diálogo”. La implementación de prácticas de Teatro Foro para la formación médica es un trabajo “innovador”, que garantiza que las cuestiones de salud y los programas de estudio de los indígenas no sean “un añadido a la educación médica convencional”, sino que se incorporen “como parte integral de la educación médica”. [11]
La eficacia de este trabajo es evidente en la relación continua entre Stage Left y el Dr. Crowshoe, quienes han seguido colaborando en varios proyectos a lo largo del tiempo. En 2018, la Oficina de Salud Indígena, Local y Global de la Universidad de Calgary se asoció con Stage Left y un equipo de médicos, incluida la Dra. Lindsay Crowshoe, en una plataforma de intercambio de conocimientos destinada a mejorar la "capacidad de los jóvenes indígenas para comprender, articular y abordar el estrés tóxico, así como para influir en las políticas y los servicios que afectan su bienestar". [12] Titulado Interrumpir el estrés tóxico en los jóvenes indígenas: un congreso social para la salud indígena, Stage Left y el Dr. Crowshoe utilizaron una vez más las técnicas del Teatro del Oprimido para involucrar a los jóvenes indígenas y "invitar a los socios de la sociedad civil a ser más conscientes, participar y trabajar en red para identificar las opciones disponibles para prevenir y mitigar el estrés tóxico que afecta a los jóvenes y las comunidades indígenas". [13]
Además de la formación educativa, Stage Left utiliza el Teatro del Oprimido para diferentes tipos de trabajo de defensa. En 2006, la compañía se asoció con la Sociedad de Amistad Autismo Asperger para crear una pieza de Teatro Foro que involucraba a jóvenes con discapacidades, muchos de ellos en el espectro autista, que se representó en el Festival de Artes de Discapacidad de Stage Left. La presentación se describe como "una breve parodia que le dio al público una idea de cómo sería ser un estudiante de secundaria que vive con los desafíos de una discapacidad. La parodia destacó cómo sería ser "diferente"; la frustración de tener desafíos de aprendizaje, la ansiedad de lidiar con problemas de aceptación de pares y acoso, y las luchas con asistentes y maestros de necesidades especiales que, a veces, no comprenden". [14] Los miembros del público pudieron detenerse en la obra e insertarse en la acción para encontrar soluciones alternativas a los problemas presentados. Como comentó un testigo: "Lo más notable de la actuación esa noche fue la participación del público. Algunos de los miembros del público que se unieron al escenario tenían una discapacidad. "La obra fomentó un profundo sentido de empatía y comprensión, al tiempo que empoderó a muchos con ideas sobre cómo lidiar ellos mismos con una discapacidad, o cómo mejorar la vida de una persona discapacitada en nuestra comunidad". [14] Yendo más allá de los paradigmas teatrales habituales, este trabajo innovador de Stage Left creó teatro por y para personas con discapacidad.
Ese mismo año, la compañía también recibió el encargo del Consejo de Cooperación Global de Alberta (ACGC) para trabajar con poblaciones inmigrantes "en áreas rurales de Alberta en temas de desarrollo internacional y ciudadanía global". [15] Stage Left creó We Are Global Citizens!, una pieza de teatro foro que proporcionó "un espacio seguro para que las personas compartan, discutan y aprendan sobre el concepto de ciudadanía global y examinen el impacto de sus propias acciones en nuestra comunidad global". [15] La conferencia Art Aware! del ACGC comenzó con una presentación de la pieza, y Stage Left concluyó el evento con un taller de teatro popular sobre desarrollo comunitario basado en las artes. [16] Forjando nuevas colaboraciones, la conferencia también incluyó un taller de mural "Pintando nuestro cambio", cuyos productos finales viajaron a escuelas secundarias como una exhibición de arte junto con producciones posteriores de We Are Global Citizens!, [ 17] presentadas en Edmonton, Smoky Lake, Fort McMurray, Jasper, Brooks, High River, Three Hills, Kathryn, Sundre y Rosebud. [15] Esta obra “interactiva” fue “muy bien recibida” y “resultó ser una herramienta sumamente eficaz de participación pública para el Consejo”. [15]
Aunque Stage Left no se considera una compañía de TYA , trabaja frecuentemente con jóvenes (a menudo en riesgo), como lo demuestra la gira de secundaria de We Are Global Citizens! y otras producciones, como The Hate Show , una pieza original presentada en el Festival Internacional de Niños de Calgary en mayo de 2011. Esa obra era una obra intercultural que exploraba "cómo un grupo de adolescentes urbanos diversos (discapacitados, homosexuales, musulmanes, aborígenes o pobres) están formando sus identidades mientras intentan encajar con sus pares". [18]
Más allá de las fronteras de Alberta, Stage Left también ha formado alianzas nacionales e internacionales basadas en su trabajo de Theatre of the Oppressed. La más trascendental de ellas fue un proyecto Arts exCHANGE de 2016 que implicaba una “colaboración intercontinental” entre Stage Left y el Third Way Theatre de Australia. Los dos grupos se unieron para ofrecer cursos intensivos de “capacitación en intervención de equidad” impartidos a través de “aprendizaje corporal”. [19]
El Teatro del Oprimido rara vez ocurre en espacios teatrales designados, por lo que a menudo no se revisa ni se documenta; por lo tanto, vale la pena señalar que una compañía como Stage Left ha colaborado y se ha comprometido con miles de personas a través de sus proyectos a lo largo del tiempo, mucho más que una compañía de teatro regular de tamaño comparable.
Como parte de su amplia práctica teatral política, Stage Left también se dedica a la creación de performances para el desarrollo de obras de performance originales, a menudo en espacios públicos. Esta rama de actividad también emplea la colaboración entre artistas y comunidades y se basa en una fusión de técnicas de teatro popular y político, especialmente las prácticas de teatro épico de Bertolt Brecht . [ cita requerida ] Las producciones de esta naturaleza incluyen As I Am (2002), Mercy Killing or Murder: The Tracy Latimer Story (2003), Notwithstanding: 100 Years of Eugenics in Alberta (2005), Same Difference (2008), Time to Put My Socks On (2008) Women's Work (2013), Le Crip Blue (2018, 2019), y más. [20]
Los estudiosos consideran que la obra Mercy Killing or Murder: The Tracy Latimer Story es una obra de “importancia crítica”. [5] El tema de la obra es un crimen canadiense real: el asesinato premeditado en 1993 de Tracy Latimer, de 13 años, por parte de su padre, Robert Latimer , quien afirmó que no tuvo más remedio que matarla porque sufría un “dolor constante e insoportable” debido a una parálisis cerebral. Robert Latimer empleó esta defensa de “necesidad” en el tribunal, lo que generó una tormenta mediática comprensiva y, aunque el asesinato fue premeditado, recibió una sentencia por asesinato en segundo grado en lugar de en primer grado, lo que resultó en una pena de prisión de diez años. Mercy Killing or Murder: The Tracy Latimer Story , “explora las posiciones extremas tomadas durante los juicios de Robert Latimer y ofrece voces que rara vez se escucharon en medio del diálogo en torno a su caso: las de personas con discapacidades físicas y del desarrollo como Tracy Latimer”. [21] La producción “buscó corregir un desequilibrio que los artistas percibieron en la cobertura mediática del caso penal”, que “se centró más típicamente en la simpatía pública por Robert, así como en los debates sobre la eutanasia y los derechos humanos de las personas con discapacidades”. [22] A Michele Decottignies se le atribuye la autoría de la obra, pero se reconoce un proceso de construcción colaborativo en los créditos de facturación, que señalan que la obra nació “de un proceso de creación de una actuación en el que todos los miembros del equipo son coautores”. [23] Los miembros de la compañía encontraron que “Tracy Latimer había sido menospreciada, deshumanizada y subrepresentada en el proceso legal”, [24] y por eso el proceso creativo “se centró en encontrar, apoyar y presentar” las voces de las personas con discapacidades. [25] En consecuencia, la obra ofrece perspectivas y puntos de vista de personas con discapacidades, al mismo tiempo que presenta hechos adicionales sobre el caso que no se hicieron públicos en ese momento. Estilísticamente, la obra se basa en técnicas de teatro documental y textual , citando la cobertura mediática y las transcripciones del juicio para las líneas de los Latimer, jueces, abogados, testigos y similares, mientras que el diálogo de los otros personajes es original y, en la mayoría de los casos, de los propios intérpretes. [24] Este último aporte fue desarrollado en colaboración con una amplia investigación y apoyo dramatúrgico durante un período prolongado de tiempo, “por seis artistas con discapacidades físicas y de desarrollo, por una gran cantidad de artistas profesionales, algunos con discapacidades y otros no, y por colaboradores de la comunidad interesados en dar voz a las perspectivas de las personas con discapacidades sobre el caso”. [25]
Presentada en diciembre de 2003, tanto la ambientación como la puesta en escena de la obra enfatizaron la polaridad de perspectivas en el caso entre el público en general y las personas con discapacidad, así como entre los "expertos" y la "gente común", y debido al papel central de los medios de comunicación, también tuvo una fuerte presencia en el escenario durante toda la obra, subrayada por el uso de proyecciones de películas y medios digitales. [24] En un homenaje al Movimiento de Teatro de los Trabajadores Canadienses (y más específicamente a Eight Men Speak ), Mercy Killing or Murder emplea una configuración de juicio dentro de un juicio en el que las personas/personajes con discapacidad funcionan como jurado, mientras que la puesta en escena sugiere que el público también funciona como jurado. [24] La producción original incluía a uno de los actores con discapacidad sentado en la casa y pronunciando sus líneas desde allí, implicando e involucrando aún más al público al romper la cuarta pared . [24] Otras tácticas en este sentido incluyeron que el público compartiera palomitas de maíz con los actores y, al final de la obra, participara en una vigilia con velas en memoria de Tracey Latimer, de modo que los espectadores estuvieran “alineados” con las perspectivas “complejas y estratificadas” de las personas con discapacidad. [26] Como escribe la especialista en teatro para discapacitados Kirsty Johnston, “la producción no se apartó de su crítica, juiciosa y contundente en su retórica y argumentos”, al tiempo que evocaba respuestas empáticas a una situación deshumanizante, un “mayor cuestionamiento de la historia de Tracy Latimer” y una mayor comprensión de “cómo se entiende y experimenta la discapacidad en la sociedad canadiense contemporánea”. [26] Dada su articulación de “preocupaciones urgentes de derechos humanos para las personas con discapacidad”, [27] la eficacia de las tácticas teatrales populares y las innovaciones de la estética de la discapacidad, Mercy Killing or Murder: The Tracy Latimer Story se considera una obra germinal y canónica del teatro para discapacitados en Canadá. [28]
Otra pieza en la línea del teatro épico, y una coproducción esta vez, es Time to Put My Socks On , una creación de Alan Shain, un comediante, bailarín y actor profesional con parálisis cerebral de Ontario. Trabajó con Stage Left en algunos espectáculos diferentes a lo largo del tiempo. Time to Put My Socks On fue escrita en colaboración por Shain, Decottignies y la directora artística asociada de Stage Left en ese momento, Nicole Dunbar. La pieza es un drama que explora "el amor entre un chico discapacitado, Marc, y su amante no discapacitada, Linda", e incluye "sexualidad y temas adultos" que tratan "la dinámica de las relaciones y la independencia de Marc como individuo con una discapacidad". [29] Una secuela de Still Waiting for that Special Bus de Shain de 1999 , [30] Time to Put My Socks On tuvo una presentación en Bow Valley en 2008, presentaciones en 2009 y una gira en 2010 a Ottawa. [31]
El arte de la discapacidad se define en Wikipedia como cualquier obra de arte que se centra en la discapacidad en términos de tema, tema o contexto. Esto contrasta con la entrada de Wikipedia sobre Discapacidad en las Artes , que implica la inclusión y la participación directa de las personas con discapacidad, y a veces se entiende como un acto político. Stage Left está firmemente situada en el último cuadrante, pero la compañía emplea el primer término, "Arte de la discapacidad" (de manera opuesta a las descripciones actuales de Wikipedia ), tal como lo entienden y utilizan académicos como Colin Barnes, profesor emérito de Estudios de la Discapacidad en la Universidad de Leeds. Define el arte de la discapacidad como: "no simplemente acerca de que las personas discapacitadas obtengan acceso a la corriente principal del consumo y la producción artística. Es el desarrollo de significados culturales compartidos y la expresión colectiva de la experiencia de la discapacidad y la lucha. Esto implica usar el arte para exponer la discriminación y el prejuicio que enfrentan las personas discapacitadas y para generar conciencia grupal y solidaridad". [32] Decottignies profundiza más en una entrevista de 2017, citando tres prácticas distintas (aunque a menudo superpuestas) de arte para discapacitados en Canadá: arte y discapacidad, arte inclusivo de la discapacidad y arte identificado con la discapacidad. El arte y la discapacidad se define como “formas de arte tradicionales practicadas por artistas con discapacidades, sin tener en cuenta la política, la cultura o el orgullo de la discapacidad”, mientras que el arte inclusivo de la discapacidad se refiere a “cuando las personas con discapacidad reciben adaptaciones que permiten a los artistas no tradicionales adaptarse a la estética tradicional”, mientras que el arte identificado con la discapacidad “adopta y promueve la política, la cultura y el orgullo de la discapacidad”, centrándose en “la resistencia, la afirmación y la inversión”, que pueden ser revolucionarias tanto en la forma (por ejemplo, “cuando las discapacidades se posicionan como una fuente de enriquecimiento artístico”) como en el contenido (por ejemplo, “cuando los estereotipos y los prejuicios sobre la discapacidad se cuestionan y se replantean, y la discapacidad se celebra como una especie de diversidad en lugar de vergüenza)”. [32]
Algunos afirman que “Canadá tiene la historia más antigua de producción de arte para discapacitados en el mundo”, [32] y Stage Left es una de las compañías de arte para discapacitados más antiguas del país, lo que la coloca a la vanguardia del movimiento. Como lo plantea la académica canadiense Kirsty Johnston (citando a Decottignies), Stage Left suscribe la “promoción del movimiento global de arte para discapacitados de una práctica artística distintiva que resiste las ‘normas dominantes que enmarcan la discapacidad como indeseable’, promueve nuevas ideas de equidad y refleja una estética de la discapacidad”. Esto significa entender la discapacidad “como una cultura única en la sociedad, cuyo valor puede comentarse y compartirse con una sociedad en gran medida ignorante y sesgada de maneras artísticamente atractivas, de la misma manera que el arte ‘queer’ o ‘feminista’ contribuyó a una nueva comprensión de la humanidad para la sociedad a través de canales artísticos”. De esta manera, Johnson conecta la puesta en primer plano de la política radical de las artes para discapacitados con una escena internacional más amplia como un "marcador" de la "conexión de Stage Left con el movimiento global", [33] lo que justifica el uso de uno de los lemas de la compañía: "Stage Left: el principal contribuyente de Canadá al movimiento global de las artes y la cultura para discapacitados". [34]
Stage Left también funciona como presentador, como en su notable festival de artes para discapacitados, Balancing Acts. En Stage Turns: Canadian Disability Theatre , Kirsty Johnston escribe que “desde 2000, los canadienses han desempeñado un papel importante en la organización de festivales de artes para discapacitados con alcance local, nacional e internacional”, y esto ha “elevado el perfil de las artes para discapacitados en general y ha ayudado a conectar sectores discretos de actividad artística para discapacitados”. [35] Johnston señala además las importantes contribuciones de Stage Left a este fenómeno, a partir de febrero de 2002, cuando la compañía se asoció con Calgary SCOPE Society y Transition to Independence para producir el primer festival de artes para discapacitados de Calgary. [35] Titulado “Stages: Unmasking Disability Culture”, el festival “fue una celebración de la cultura de la discapacidad a través de espectáculos de teatro, danza, música, poesía, fotografía y bellas artes”, en el que participaron más de cincuenta artistas con discapacidades. [36] Stage Left y la Sociedad SCOPE de Calgary unieron fuerzas nuevamente a fines de año, en diciembre, para otra presentación, llamada “Una segunda mirada a la cultura de la discapacidad: otro festival de artes de la discapacidad”, esta vez presentada por One Yellow Rabbit . “Second Look” fue diseñado para aumentar “la conciencia y la apreciación de las cuestiones de discapacidad al brindar imágenes auténticas, dinámicas y no sentimentales de la experiencia de la discapacidad e integrar la cultura de la discapacidad en la vida creativa, artística y social de nuestra comunidad”. [37]
Al año siguiente, en diciembre de 2003, Stage Left volvió a producir el festival, esta vez de forma independiente, lo rebautizó como Balancing Acts y lo presentó en colaboración con One Yellow Rabbit. Balancing Acts se repitió anualmente desde diciembre de 2004 hasta 2009. La compañía definió los festivales como “una celebración de la autoexpresión creativa de personas con discapacidades del desarrollo, físicas o sensoriales, enfermedades mentales, lesiones cerebrales y/o enfermedades crónicas”, articulando “exploraciones, representaciones y declaraciones distintivas de la identidad de la discapacidad, destacando la creatividad de los artistas discapacitados y ofreciendo expresiones artísticas que celebran y desafían tanto el ethos como la percepción de la cultura de la discapacidad”. Además, Balancing Acts “promueve el avance profesional de los artistas discapacitados y fomenta una audiencia agradecida y educada para la cultura de la discapacidad a través de la presentación de actuaciones innovadoras y que invitan a la reflexión, exhibiciones de artes visuales, talleres basados en las artes y mesas redondas. Durante la semana que dura el festival se exhibe el trabajo de más de 100 artistas discapacitados, con un enfoque principal en interpretaciones de trabajos creados originalmente y en la diversidad en las interpretaciones y en todas las discapacidades". [38]
Conmovedor y político, Balancing Acts, como escribe Kirsty Johnston, “construyó conexiones críticas entre artistas de teatro para discapacitados canadienses e internacionales”, presentando aclamados artistas de teatro para discapacitados como Mat Fraser , así como artistas de renombre nacional, como Alex Bulmer , Jan (JD) Derbyshire , Rachel Gorman, Victoria Maxwell, Alan Shain y Spirit Synott, así como grupos de actuación comunitarios locales como Inside Out y MoMo. [33]
Stage Left amplió sus actividades y se adentró en el ámbito de los encargos en 2008, cuando presentó el Balancing Acts Commissioning Project para crear “obras de interpretación desafiantes y que inviten a la reflexión, de alto mérito artístico, de artistas discapacitados profesionales emergentes y establecidos, cuyo trabajo se alinee con los objetivos y principios del movimiento global de las artes y la cultura de la discapacidad”. [39] La compañía se centró en desarrollar “una cultura global en lugar de nacional”, [40] y encargó diez nuevas obras de artistas con discapacidad con la intención de una serie de producciones escénicas principales entre los años 2008 y 2010.
El Proyecto de Encargos apoyó el desarrollo de la obra That's So Gay! de la poeta, locutora y artista de nuevos medios Meg Torwl . [30] Presentada en Balancing Acts [ cita requerida ] en 2009, esa pieza fue "una actuación solista multidisciplinaria que examina el género, la discapacidad y la sexualidad". [41] Basándose en el éxito del primer espectáculo [ cita requerida ] , Stage Left encargó nuevamente a Meg Torwl en 2010, lo que dio como resultado una nueva obra titulada Cancer Town . [42]
En total, Stage Left presentó diez festivales a lo largo de ocho años, en los que participaron más de 1200 artistas. [43]
Otra rama de las actividades de Stage Left incluye la defensa, la creación de alianzas y el apoyo a organizaciones que trabajan en pos de una mayor equidad, diversidad e inclusión en las artes. Uno de esos proyectos nacionales fue la formación pionera de la Red de Arte y Cultura para Discapacitados (DACN, por sus siglas en inglés) en 2006. [44]
Inspirada por su trabajo en la red Performance Creation Canada con Michael Green, [45] Decottignies recibió fondos para crear una red nacional de presentadores para organizaciones de artes para discapacitados, que según Kirsty Johnston, constituyó, “[u]no de los pocos esfuerzos coordinados a escala nacional al servicio de las artes para discapacitados canadienses”. [46] El objetivo era que los presentadores “forjaran vínculos profesionales, exploraran posibilidades de coalición y trabajaran para mejorar eficiencias tales como: desarrollar coproducción o compartir costos de gira; determinar las mejores prácticas para servir a los artistas con discapacidades; o resolver problemas en torno a desafíos recurrentes de festivales como las relaciones con los medios o la organización de viajes y alojamiento para necesidades específicas de discapacidades”. [46] En otras palabras, la idea era crear una red de apoyo para el debate y los esfuerzos coordinados entre los presentadores de artes para discapacitados. [46]
La reunión inaugural se celebró en Calgary en marzo de 2006, [47] y fue la primera vez que los presentadores de artes para discapacitados se reunieron como grupo para discutir el futuro de la presentación de artes para discapacitados en Canadá. [48] La reunión involucró a personas de seis organizaciones: Stage Left for Balancing Acts (Calgary), Ryerson's Art With Attitude (Toronto), Kick-START (Vancouver), S$DAC (Vancouver), Madness and the Arts World Festival (Toronto) y el Abilities Festival (Toronto). [48] Los representantes de cada organización se reunieron durante tres días y discutieron temas como: "el equilibrio entre el arte profesional y el comunitario; el desarrollo de la audiencia; la sostenibilidad y la falta de fondos operativos; el agotamiento y la superación del éxito; las relaciones con las principales organizaciones artísticas; la investigación y la documentación; la marginación; la asimilación y la apropiación cultural; las disparidades regionales; la falta de colegas/apoyo; la competencia y la cooperación dentro de la red", y más. En febrero de 2007 se celebró una segunda reunión en Toronto, en la que ocho presentadores se reunieron para redactar declaraciones de visión y misión. [49] La DACN no volvió a reunirse en los años siguientes (no se pretendía que fuera una iniciativa a largo plazo), pero las dos reuniones sentaron bases importantes para transiciones adicionales en el campo, como la formación del Colectivo DisArts y su Encuentro de Alto Impacto Beyond Access (que a su vez condujo a la primera asociación nacional de servicios de arte para artistas con discapacidad en Canadá), y primicias históricas, como el reconocimiento oficial de las artes para discapacitados por parte del Consejo Canadiense para las Artes en 2007 con su Plan Estratégico 2008-2011, que surgió debido al “cabildeo inicial de Decottignies, otros miembros de la red y artistas con discapacidad y sus partidarios en todo el país”. [50]
Siguiendo los pasos de DACN, en 2009, Decottignies estaba “organizando una red separada y de orientación diferente de artistas radicales discapacitados 'preocupados por las prácticas artísticas de la discapacidad como un modo único de producción cultural, en lugar de por la asimilación a la corriente principal'”. [51] El mayor énfasis político del Colectivo DisArts se manifiesta en Beyond Access: A Disability Arts Gathering, una conferencia producida y organizada por Stage Left en su ciudad natal de Canmore, Alberta, del 29 de septiembre al 6 de octubre de 2012. Esta fue la “Primera Reunión Nacional de Artes de la Discapacidad de Canadá”, [52] y el tema era trabajar juntos “para cambiar el discurso del Movimiento de Discapacidad y Artes y Cultura de Canadá de los problemas de acceso sobrerrepresentados que dominan el medio a los problemas de práctica artística más urgentes a los que se enfrentan demasiados artistas discapacitados”. [53] El objetivo principal del Encuentro fue el debate y la conversación para diseñar de manera colaborativa una propuesta de Estrategia nacional de cultura y arte para personas con discapacidad a través de un enfoque de tres frentes que incluía el intercambio de conocimientos, laboratorios de performance y participación pública. El Encuentro Beyond Access incluyó un discurso, una mesa redonda de artistas, una recepción con las partes interesadas y más, [54] proporcionando "un ámbito de resistencia colectiva al borrado cultural del verdadero propósito y la práctica de las artes para personas con discapacidad". [55] También es importante destacar que el Encuentro Beyond Access condujo a la formación de una red más permanente y una organización de servicios artísticos: la Alianza de Artes para Sordos, Discapacitados y Locos de Canadá.
Como iniciativa de la izquierda escénica, la Alianza de Canadá para las Artes de Sordos, Discapacitados y Locos (DDMAAC, por sus siglas en inglés) ha sido liderada por Michele Decottignies como directora ejecutiva desde su inicio hasta el día de hoy. Decottignies se refiere a la DDMAAC como “un colectivo de artistas con una larga trayectoria y que se identifican con la discapacidad y que se unieron en 2012 en respuesta a la creciente desigualdad en materia de discapacidad en el ámbito de las artes para discapacitados”. [56] Para este contexto, en un artículo de la Canadian Theatre Review de 2016, Decottignies adopta una descripción de la Universidad Ryerson de las “artes para discapacitados” como una marca del “creciente poder político de las personas discapacitadas… [que] lo utilizan para contrarrestar la tergiversación cultural, establecer la discapacidad como una condición humana valorada, [y] transferir el control a las personas discapacitadas”. [56] La postura de la DDMAAC es más radical que la de su predecesora DACN, y evita los reclamos por el acceso generalizado, como lo indica la descripción del sitio web de la DDMAAC:
“DDMAAC apoya a los colaboradores de Stage Left que están marginados del ámbito [de las artes profesionales], como resultado de su neoliberalización y la imposición clasista del 'acceso' (¿a una cultura de masas que devalúa implacablemente a las personas que viven con cualquier tipo de discapacidad? ¡No, gracias!).
A través de DDMAAC, Stage Left ofrece servicios de solidaridad y apoyo a miembros social y culturalmente diversos de nuestra compañía que experimentan discapacidad en la ecología de las artes profesionales, que buscan una práctica de autonomía por sobre la inclusión y que entienden que el "acceso" es meramente una condición de la práctica artística, no el objetivo final”. [57]
La misión de DDMAC es defender la “justicia para la discapacidad” a través del “promoción de una estética contracultural y no normativa, mediante la integración de la descolonización, el antirracismo y la antiopresión en los procesos de producción y presentación”. [57]
La DDMAAC también es notable por haber realizado la primera encuesta nacional sobre el ámbito de las artes para discapacitados en Canadá. El estudio de 2016 concluyó que en Canadá el sector es principalmente multidisciplinario y que las disciplinas más populares son el teatro, la danza, las artes visuales y los nuevos medios. [58] La DDMAAC informó de un total de veintinueve compañías profesionales, aproximadamente 250 artistas, varias organizaciones comerciales y un número desconocido de grupos de arte amateur. El hallazgo más sorprendente de la encuesta fue que, si bien “existen grados muy altos de equidad y diversidad en las obras de arte identificadas como discapacitadas”, la equidad en materia de discapacidad había disminuido en el ámbito de las artes para discapacitados, en la medida en que las personas con discapacidades eran “dependientes de las personas sin discapacidad para acceder a las artes”. [58] Se argumentó que esta inequidad “parece estar vinculada a las políticas de las artes para discapacitados, las intervenciones de financiación y las colaboraciones de acceso al mercado que se centran en la inclusión de las personas discapacitadas en las artes como la principal preocupación de las artes para discapacitados, en lugar de la producción de obras de arte identificadas como discapacitadas por artistas discapacitados calificados”. Como resultado de estos hallazgos, la DDMAAC se comprometió a tres prioridades para ayudar a lograr una mayor equidad en el ámbito de las artes para personas con discapacidad en Canadá: “(1) educar a las partes interesadas y a los colaboradores sobre la diferencia entre el arte inclusivo de las personas con discapacidad y el arte identificado como discapacitado; (2) promover a los artistas, las formas de arte y las prácticas artísticas identificados como discapacitados; y (3) insistir en una mayor inversión en obras de arte identificadas como discapacitados producidas por artistas identificados como discapacitados”. [59] La organización ha llevado a cabo actividades relacionadas desde entonces: presentando talleres, formando alianzas estratégicas en diversas iniciativas y elaborando recomendaciones de políticas para el Consejo Canadiense para las Artes. [60]
La amplitud del trabajo de Stage Left es impresionante. En 2013, la compañía había facilitado 150 actuaciones artísticas comunitarias con jóvenes y adultos con discapacidades, y había presentado a más de 5000 personas con discapacidades “programas de autodefensa basados en las artes”. [61] En 2016, Stage Left podía jactarse de “diez festivales de arte para discapacitados, quince producciones teatrales originales y treinta películas digitales”, todas las cuales Decottignies describe como “fusiones interculturales, intersectoriales e interdisciplinarias de arte feminista, arte queer y arte para discapacitados, co-creadas con equipos de diversos artistas colaboradores de todo Canadá”. [41] En 2017, a eso hay que sumar los más de trescientos talleres sobre equidad que Decottignies llevó a cabo en Canadá, en los Estados Unidos y en el extranjero. [62]
Stage Left continúa con su trabajo sin descanso, sus estadísticas no dejan de crecer, a excepción del período habitual de cierre durante la pandemia de COVID-19, pero incluso entonces, la compañía se mantuvo ocupada. El trabajo de Stage Left con formatos multimedia y digitales tuvo un precedente, y el teatro volvió a asociarse con el Dr. Crowshoe (y otros) en el podcast KIT (“Keeping It Together”). KIT es “un podcast audiovisual orientado a los indígenas que muestra historias y estrategias para mantener el bienestar en un mundo pospandémico”. Hay dieciocho episodios, presentados por un equipo de cuatro personas (Louis Crowshoe, Bridget White, el Dr. Adam Murry y la Dra. Lyndsay Crowshoe) que comparten sus propias experiencias y las de sus invitados a lo largo de la pandemia, así como “las actividades y pasatiempos que los ayudaron a 'mantenerse unidos'”. [63]
Para cerrar el círculo, desde 2021 Stage Left también ha estado trabajando con la Dra. Lindsay Crowshoe y un equipo de médicos de la Universidad de Calgary en la próxima iteración de Interrupting Toxic Stress in Indigenous Youth; una continuación de la iniciativa iniciada en 2018 con el Social Congress for Indigenous Health. El propósito del reciente proyecto es doble: involucrar a los jóvenes directamente en el trabajo como expertos con la formación de un Youth Advisory Circle (YAC), y recopilar y compartir aprendizajes a través de una plataforma de intercambio de conocimientos con un enfoque en los enfoques indígenas para ayudar a mitigar el estrés tóxico y fomentar personas más saludables. [64] Al referirse a este proyecto continuo y plurianual como “Metaxis: un congreso de artes en la salud indígena”, el papel de Stage Left es apoyar una coalición de jóvenes pan-indígenas trabajando con las técnicas de teatro legislativo de Boal para defender los llamados a la acción de la Comisión de la Verdad y la Reconciliación, en particular los números 18 a 22, que abordan el legado de las escuelas residenciales y la colonización en lo que respecta a la salud en el Canadá actual. [65] Stage Left también ha realizado talleres para la Facultad de Medicina Cummings de la Universidad de Calgary, como el de junio de 2022, “Cómo interrumpir el racismo antiindígena”. Este taller utilizó técnicas de teatro foro con la clase de graduados de Indigenous Health Leadership Pathways como una herramienta para interrumpir el racismo y generar un cambio positivo. [66]
Stage Left celebró su vigésimo aniversario en 2023. A propósito de la ocasión, la compañía programó un simposio retrospectivo llamado Step Right Up!. Realizado en asociación con el Canadian College of Performing Arts (CCPA) en Victoria, BC , el evento se planeó originalmente como un evento en vivo para junio, pero debido a la alta demanda, el formato se cambió a un modelo de presentación digital para fin de año. [67] El contenido de la conferencia revisó y conmemoró los "primeros" del Canadian Disability Theatre de los últimos cincuenta años, como la primera producción de teatro para discapacitados en el mundo occidental; Creeps de David Freeman. Los presentadores del simposio incluyeron a Lyle Victor Albert, Rachel da Silveira Gorman, Michele Decottignies, Brian Paisley, Ruth Ruth Stackhouse, Adam Warren y más. [68] Hubo una presentación en vivo en la CCPA, un evento de clausura llamado CripTeases Cabaret, que incluyó actuaciones en solitario y una presentación de “Closet Freaks” de Alain Shain y Karine Rathle, que se describe como “un espectáculo de teatro físico que elimina las muchas capas de opresión que existen en medio de las intersecciones de la discapacidad, el sexo y la sociedad”. [69] Como indicativo de un enfoque pospandémico, el equipo del simposio creó una serie de videos de las presentaciones de la conferencia, incluido el cabaret, que estarán disponibles en Vimeo en 2024. [67]
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