Shōzō Shimamoto (嶋本 昭三, Shimamoto Shōzō , 22 de enero de 1928 - 25 de enero de 2013) fue un artista japonés. [1] [2] Habiendo estudiado con Jirō Yoshihara , el futuro líder de Gutai , desde 1947, Shimamoto fue un miembro fundador clave de Gutai junto con Yoshihara y otros quince en agosto de 1954. [3] [4] Era cercano al líder Yoshihara y participó activamente en las primeras actividades y administraciones del grupo. Trabajó con una amplia variedad de técnicas, como hacer agujeros en periódicos en capas, arrojar botellas de pintura a lienzos, experimentar con películas y representaciones teatrales y componer arte sonoro. Fue particularmente conocido por su innovador arte escénico. De hecho, cuando Yoshihara se centró más en la pintura, tras su encuentro con el crítico de arte francés Michel Tapié , Shimamoto siguió insistiendo en que el líder siguiera esa dirección, queriendo trabajar con Allan Kaprow , por ejemplo.
Después de Gutai , se hizo conocido por sus actividades de arte postal con el grupo AU y la continuación de sus actuaciones de pintura que realizó en todo el mundo. Murió de insuficiencia cardíaca aguda en la ciudad de Nishinomiya , prefectura de Hyōgo . [5]
Shimamoto fue alumno de Yoshihara cuando tenía diecinueve años, en 1947. [3] [4]
En 1950, se graduó de la Facultad de Humanidades de la Universidad Kwansei Gakuin. [2] [6]
Shimamoto ha citado el trabajo de caligrafía de Nantembō como una influencia temprana, señalando que “lo que más me sorprendió cuando fui a ver a este maestro fue que usaba un pincel muy grande y con esto creaba obras mucho más grandes que sus contemporáneos”. [7] De sus primeras obras de 1950 ha descrito “un solo signo de flecha en un trozo de papel, una imagen de un solo círculo dibujado en el lienzo y un agujero hecho en el centro del lienzo, etc.” [8] El último de estos se refiere a su serie “Agujero”, en la que perforó el plano de la pintura. Estas obras se desarrollaron a partir de las condiciones económicas posteriores a la Segunda Guerra Mundial y su incapacidad para permitirse el lienzo. [9] Al pegar capas de periódico, creó un nuevo tipo de soporte al que llamó “papel-vas”. [9] El papel-vas se adhirió con un pegamento hecho de harina y agua, sobre el que se pegó una capa final de papel de cartucho marrón y luego se pintó de blanco. [10] Descubrió que al pintar el soporte se desgarraba donde el pegamento no se había secado completamente. [10] El desgarro del soporte lo inspiró a hacer una serie de obras con papel-vas perforado, [10] dando como resultado obras de arte como su Obra de 1950 (Holes). [9] En esta obra, la superficie blanca y monocromática parece estar a punto de desmoronarse a partir de una serie de gestos agresivos a lápiz. [9] Una obra similar, Holes (1954), se encuentra en la colección de la Tate Modern . [10]
Antes de estas obras, Yoshihara había quedado poco impresionado por los esfuerzos de Shimamoto, lo que lo desanimó a seguir la pintura como carrera después de un tiempo. [11] Motivado por el desafío, Shimamoto le prometió una pintura que no había sido pintada antes. [11] Esto hizo que Shimamoto creara la primera obra de papel-vas, por la que Yoshihara lo elogió con entusiasmo. [11] Shimamoto contó que cuando le mostró su primera obra de Hole a Yoshihara , "ambos sintieron que se había logrado algo grande". [12] Luego se encerró en su habitación y produjo más usando el mismo método al que Yoshihara , según Shimamoto, "les echó un vistazo y me dijo que había visto estas cosas antes". [11] Yoshihara lo disuadió de continuar la serie cuando se encontraron por primera vez con las obras "buchi" de Lucio Fontana que también perforan la superficie de la pintura. [10] Aunque las obras se realizaron de manera contemporánea y sin conocimiento entre sí (según Shimamoto), Yoshihara sintió que las obras de Shimamoto inevitablemente serían consideradas como derivadas debido a los prejuicios del mundo del arte en ese momento. [10] Como sugiere Alexandra Munroe, estas obras “se opusieron desafiantemente a las nociones establecidas de permanencia en la pintura modernista abstracta e introdujeron hin (pobreza) —la apreciación de objetos mínimos y naturalmente desgastados como se cultiva en las artes del té— en el contexto del arte japonés contemporáneo”. Como tal, la serie Hole “representa el comienzo de un estilo Gutai ” para Munroe. [13]
En 1954, Shimamoto participó en la “Segunda Exposición Genbi”, que mostraba al artista del Gendai Bijutsu Kondankai (Grupo de Discusión de Arte Contemporáneo) iniciado por Hiroshi Muramatsu y fuertemente influenciado por Yoshihara . [3] El grupo buscaba repensar la jerarquía en todos los niveles del mundo del arte. [3] La exposición, celebrada en la Galería Asahi Biru en Kobe , reunió a muchos artistas jóvenes con base en Kansai que pronto establecerían Gutai con Yoshihara . [6] [3] Shimamoto fue responsable de proponer el nombre Gutai , traducido del japonés como “concreto” o “encarnado”. [5] [14] [10] De este nombre ha explicado: “No queríamos mostrar nuestro sentimiento de forma indirecta o abstracta”. [8] Shimamoto también es responsable de acercarse a los miembros del grupo Zero-kai, Kazuo Shiraga , Saburo Murakami , Atsuko Tanaka y Akira Kanayama , para unirse a Gutai después de que algunos de los miembros iniciales se fueron. [8] [15] La casa de Shimamoto se convirtió en la primera sede del grupo, y es donde se publicó el primer diario Gutai . [3]
Shimamoto también contribuyó a Gutai a través de sus escritos, publicados en la revista Gutai . Esta actitud hacia la pintura también se muestra en su texto de 1957 “La idea de ejecutar el pincel”, en el que escribe: “Creo que lo primero que debemos hacer es liberar la pintura del pincel”. [16] Además, aboga por el reconocimiento de que “un color sin materia no puede existir” y que, por lo tanto, el artista debe pintar de una manera que “aproveche la textura de la pintura y le dé una sensación vivaz”. [16] En un artículo, “Mambo and Painting”, Shimamoto defendió la destrucción de “los valores establecidos por la élite del arte” [17] a través de la incorporación creativa de la participación del público. [18] En oposición a la “élite” del arte, Shimamoto escribió: “Nunca sería correcto que esos elitistas consideraran una obra maestra una pintura hecha bailando el mambo sobre un lienzo”. [19]
En julio de 1955, Shimamoto creó su obra Please Walk on Here como parte de la “Exposición experimental al aire libre de arte moderno para desafiar al sol de verano” en la ciudad de Ashiya . [20] La obra consistía en dos conjuntos estrechos de tablas de madera dispuestas en un camino recto. Un conjunto era estable para caminar mientras que el otro era inestable, similar a un puente de cuerda roto. [20] En esta exposición, Shimamoto también mostró una placa gigante de metal perforada con pequeños agujeros, un desarrollo de su anterior serie Hole aunque esta vez como un medio para intervenir en la interacción del espectador con el espacio. [21] [6] La placa estaba pintada de blanco en un lado y azul en el otro y se iluminaba desde atrás con una lámpara por las noches. [ 6] Please Walk on Here se reprodujo y exhibió con motivo de la Bienal de Venecia de 1993. [11]
Un aspecto de la actitud elitista hacia el arte al que Shimamoto se opuso parece ser el mito del genio artístico y la intencionalidad contra el cual utilizó formas accidentales e incidentales de hacer trazos. “Creo que se pueden hacer pinturas superiores con pintura derramada después de dejar caer accidentalmente una pelota desde el segundo piso y volcar una lata de pintura… en ese acto no hay acción ni ambición superfluas”. [19] Este rechazo de la valorización convencional del artista o la obra de arte también se puede leer cuando escribe que “cuando se expresa la emoción irreprimible de uno, y se vincula con el pasado a través de la expresión directa, el valor del arte no reside en el artista ni en la obra. Reside en la voluntad de crear”. [22] Como señala la historiadora del arte Joan Kee, las actividades de Shimamoto en los primeros años de Gutai son indicativas de “un tipo singular de expresión” del grupo que no es fácil de categorizar como pintura de acción ni como “happening”. [23]
Esta experimentación con materiales y métodos no convencionales como medio para la originalidad pictórica continuó en el trabajo temprano de Shimamoto en Gutai . En la Exposición al Aire Libre de Gutai de julio de 1956, Shimamoto construyó un cañón utilizando combustión de acetileno con el que disparó pintura sobre una hoja de vinilo rojo para producir Cannon Work . [15] [8] La actuación estuvo acompañada de música de fondo. [6] En octubre de ese mismo año, produjo Breaking Open the Object en el que llenó botellas de vidrio con pintura y las rompió en un lienzo sin estirar debajo de él. [24] Este método de pintura "Bottle Crash", como lo llamó, se convertiría en un método característico de realizar su pintura. [21] En una entrevista con Lorenzo Mango, Shimamoto describe un impulso para sus experimentos iniciales que llevaron al uso de cañones y al método "Bottle Crash". En contraposición al atletismo requerido para las actividades de Kazuo Shiraga y Saburo Murakami , Shimamoto dice: “Yo, siendo físicamente más débil que ellos, pensé en lanzar botellas llenas de pintura de color o hacerla explotar con un cañón”. [25] Si bien al principio se sintió frustrado porque los medios de comunicación cubrieran su proceso poco convencional pero se interesaran menos por la pintura final resultante, “comenzó a pensar de manera diferente, tanto proponiendo ideas para cambiar el entorno como adoptando un cierto comportamiento para esas ocasiones”. [25] Después de esto, señala: “Así que puedo decir que los periodistas me han enseñado la relación entre mi trabajo y mis eventos”. [25]
Este pensamiento en torno a una relación activa con la pintura fue llevado al escenario para la exposición Gutai Art on Stage de mayo de 1957 en el Sankei Hall de Osaka . [26] [15] Partiendo de un escenario completamente oscuro, se bajaron desde el techo bombillas de vidrio iluminadas con luz. Shimamoto luego rompió las bombillas, apagándolas aplastándolas con un palo. [21] [9] Después de esto, se bajaron dos grandes tubos de vidrio blanco y mientras los rompía liberaron cuatro mil pelotas de ping pong. [21] En estas obras, Shimamoto se interesó por el acto de hacer arte mediante el uso de procesos de destrucción. [27] Shimamoto también experimentó con el cine y la música electrónica en este evento. [15] La música fue hecha para acompañar su The Film that Doesn't Exist Anywhere in the World (1957), que era una proyección doble superpuesta de animación pintada a mano en película en una sola pantalla. [28] [11] Debido a la falta de fondos, Shimamoto hizo que uno de sus estudiantes de secundaria de su trabajo como profesor tomara una película descartada de su trabajo en un cine. [28] [11] Luego lavó la película con vinagre y procedió a dibujar una animación simple en los fotogramas. [28] [11] Para crear la música que la acompañaba, Shimamoto decidió utilizar una grabadora, que recientemente se había introducido en el mercado. [28] [11] El resultado fue similar a la música concreta , una traducción de "música gutai". [28] Sin embargo, a Shimamoto no le gustaba la estructura de la música concreta y, por lo tanto, intentó hacer música no estructurada utilizando sonidos cotidianos. [28] Estos incluían los sonidos del agua que fluía de un grifo, una silla que se sacaba y un pequeño golpe. [11] [28] Desalentado por la falta de atención y la comparación desalentadora con el precedente privilegiado de John Cage , Shimamoto se desanimó y la película y el audio se quedaron en un almacén sin ser tocados durante más de cuarenta años. [28] Desde entonces se han dividido y se han alojado en las colecciones del Pompidou en París y el Museo de Arte e Historia de la Ciudad de Ashiya . [28] [11]
Shimamoto también fue el primer artista en tener una exposición individual en la Gutai Pincotheca, la galería y centro Gutai en Osaka . [29] La exposición se realizó del 1 al 10 de octubre de 1962. [29] En el texto para la exposición escrito por Yoshihara, describe las contribuciones innovadoras de Shimamoto al arte, incluyendo "una obra enorme, que todavía considero una obra maestra, hecha simplemente usando una escoba para esparcir pintura amarilla sobre la superficie de un gran lienzo blanco". [29] También comenta sobre "una escultura compuesta casi exclusivamente de hojas de afeitar" hecha cuando Shimamoto era estudiante, una "proyección de caleidoscopio" y "una obra enrollada como un túnel y, por lo tanto, solo visible desde el interior", que se exhibió en la Segunda Exposición Gutai en Tokio . [29]
Michel Tapié , en su texto de 1957 “Un cálculo mental de mi primer viaje a Japón” publicado originalmente en Bijutsu Techo, destacó a Shimamoto del grupo Gutai junto con Yoshihara , Kazuo Shiraga y Atusko Tanaka como “cuatro artistas que deberían aparecer junto a las figuras internacionales más establecidas”. [30] Shimamoto expresó su creencia de que Gutai habría sido más original y experimental si Taipé no hubiera influido tanto en la dirección del grupo. [15] Siguió siendo miembro de Gutai hasta 1971, un año antes de que el grupo se disolviera oficialmente con la muerte de Yoshihara . [31] [32] La salida de Shimamoto se debió a desacuerdos sobre las finanzas dentro del grupo por la participación de Gutai en la Expo '70 , la primera Feria Mundial en Asia y un evento histórico para el arte contemporáneo japonés. [33]
Shimamoto se convirtió en director de la AU (Artist Union y, más tarde, Art Unidentified) en 1967. [8] [25] [34] Como señala, "los artistas que habían estudiado en universidades prestigiosas y habían aprendido las técnicas fundamentales, tendían a alejarse del grupo, mientras que otros artistas menos educados y aquellos con discapacidades físicas o mentales se convirtieron en miembros". [25] Cita sus perspectivas poco convencionales como responsables de que el arte "evolucionara más allá del sentido artístico más común" de una manera que "genera nuevo vigor". [25] Aunque Shimamoto ya conocía el arte postal a través de la correspondencia de Gutai con Ray Johnson , fue durante su participación en AU que Shimamoto creció su interés en el arte postal . Esto se ha atribuido a su encuentro con Byron Black en Japón, un artista de video de Texas que había estado involucrado con el espacio alternativo Western Front, donde se producía mucho arte postal . [34] Las actividades de Shimamoto en el arte postal incluían muchas tarjetas de formas irregulares que enviaba por correo tanto a artistas como a personas comunes, como cartulinas recortadas con la forma del carácter hiragana “A”. Estas se publicaron en la portada de una revista que incluía algunos de los escritos de Shimamoto. [35]
En respuesta a su experimentación con el sistema postal japonés, la gente comenzó a enviarle artículos extraños pegándoles sellos y enviándolos por correo. [35] Estos incluían un calamar seco, un grano de arroz adherido con una etiqueta postal para objetos más pequeños que una postal y un gabinete de madera para sandalias enviado con sus partes constituyentes (incluidas las sandalias) que luego tuvieron que ser reensambladas. [35]
En 1976, Shimamoto hizo una carretera de 10.000 periódicos en la parte trasera del río Murogawa. [6] De manera similar, exhibió 10.000 periódicos como parte de la “Exposición de invitación al simposio mundial” en Alberta , Canadá. [6]
En 1986, con motivo de la visita a Japón del artista postal italiano Guglielmo Achille Carvellini , Shimamoto se afeitó la cabeza. [6] A partir de ese momento, pidió a los artistas que visitaba que trataran su cabeza calva como un plano de imagen. Posteriormente, su cabeza se utilizó para transportar mensajes e imágenes, así como una superficie sobre la que proyectar diapositivas y películas. [4] [36]
A lo largo de su carrera, Shimamoto también se dedicó al arte infantil. Sobre la exposición anual de pintura infantil en Ashiya (fundada en 1949), Shimamoto escribe: “Inmediatamente después de la guerra, nosotros, los miembros de Gutai , creamos varias obras utilizando nuevos métodos. No es una exageración decir que debemos todo esto a los niños y a esta exposición”. [37] Podemos ver la influencia de la creatividad de los niños en su propia práctica en lo que él ve como una ausencia de pensamiento intermedio. Al describir un video de Picasso arreglando artísticamente unas pipas de terracota que encontró tiradas en la calle, señala cómo “se divertía con la naturalidad de un niño, sin dudarlo”. [38] Esto lo vincula con la importancia de las cosas inútiles en una sociedad mediada por convenciones de pensamiento excesivamente racionales y teleológicas, [38] o, como lo ha expresado Romano Gasparotti, “a) una forma de expresión aún no condicionada por patrones culturales y formas preestablecidas, b) una atención holística al mundo entendido como un todo indiviso y que, por lo tanto, contrastaba con la actitud hiperanalítica típica de la mentalidad técnico-científica capaz solo de separar, dividir y diseccionar”. [39] La importancia de este compromiso directo con el material en el arte se puede aplicar a los tipos de métodos que Shimamoto buscó en su práctica.
La carrera de Shimamoto posterior a Gutai también estuvo marcada por su pasión por el activismo por la paz mundial, inspirada en parte por una visita en 1986 de Bern Porter . [25] Porter , un físico nuclear que trabajó en el Proyecto Manhattan y adoptó una vida de austeridad y expiación después del bombardeo nuclear de Japón, posteriormente nominaría a Shimamoto para el Premio Nobel de la Paz . [25] En una obra producida en 1999, Heiwa no Akashi (Una prueba de paz), dejó caer botellas de vidrio de pintura sobre una losa de concreto mientras se elevaba en el aire en el puerto deportivo Shin Nishinomiya. Se supone que la obra continuará cada año durante 100 años con la condición de que la paz permanezca en Japón, con nuevos artistas y miembros del público que contribuyan a la pintura utilizando la técnica de la botella de vidrio de Shimamoto. [4] [36] De manera similar, en 2006 realizó Un arma para la paz en la Piazza Dante en Nápoles. [21] Para esta performance, la plaza fue decorada con un enorme lienzo con un piano de cola en el centro. [21] Shimamoto entró entonces en la zona a través de un tubo de lona blanca, sugiriendo una especie de nacimiento. [21] Shimamoto, suspendido de un arnés mediante una grúa, dejó caer “extrañas esferas formadas por numerosos vasos de plástico llenos de pintura de colores” sobre el lienzo y el piano que se encontraban debajo. [21] A lo largo de la performance, Charlemagne Palestine tocó un piano diferente, colocado al costado del área de pintura. [21] Shimamoto ha llamado a la paz el “tema” de su vida. [25]
Las performances pictóricas de Shimamoto continuarían en diversas formas a lo largo de su trabajo posterior, incluyendo una performance en 2008 en el Palacio Ducal de Génova, Certosa do Capri y Punta Campanella. [21] Sus obras se encuentran en colecciones de museos como las de la Tate Gallery y la Tate Modern (tanto en Londres como en Liverpool ) y el Museo de Arte de la Prefectura de Hyōgo en Kobe, Japón . La crítica de arte del New York Times, Roberta Smith [1], lo ha señalado como uno de los experimentalistas más audaces e independientes de la escena artística internacional de posguerra en la década de 1950. En 1997, sus obras de arte postal se mostraron en la exposición individual "Shozo Shimamoto's Gutai & AU" en los 'Archivos de arte por correo electrónico' de Guy Bleus , Centro de Artes Visuales, Hasselt, Bélgica. [40] En 1954 ganó el Premio de la Asociación de Arte Moderno de Japón, asociación a la que se uniría como miembro en 1957. [2] Recibió el premio del concurso en la 9ª Exposición de Arte Contemporáneo de Japón en 1969, una Medalla Cinta Azul Oscuro en 1999 y el Premio Cultural de la Prefectura de Hyōgo en 2000. [2]