Seijun Suzuki (鈴木 清順, Suzuki Seijun ) , nacido Seitaro Suzuki (鈴木 清太郎, Suzuki Seitarō ) (24 de mayo de 1923 - 13 de febrero de 2017), [1] fue un cineasta, actor y guionista japonés. Sus películas son conocidas por su estilo visual discordante, humor irreverente y sensibilidad ante el entretenimiento por encima de la lógica. [2] Hizo 40 películas predominantemente de serie B para la compañía Nikkatsu entre 1956 y 1967, trabajando más prolíficamente en el género yakuza . Su estilo cada vez más surrealista comenzó a provocar la ira del estudio en 1963 y culminó con su despido definitivo por lo que ahora se considera su obra maestra, Branded to Kill (1967), protagonizada por el notable colaborador Joe Shishido . Suzuki demandó con éxito al estudio por despido injustificado , pero después de eso fue incluido en la lista negra durante 10 años. Como cineasta independiente, recibió elogios de la crítica y un premio de la Academia japonesa por su trilogía Taishō , Zigeunerweisen (1980), Kagero-za (1981) y Yumeji (1991).
Sus películas permanecieron ampliamente desconocidas fuera de Japón hasta una serie de retrospectivas cinematográficas que comenzaron a mediados de la década de 1980, lanzamientos en video doméstico de películas clave como Branded to Kill y Tokyo Drifter a fines de la década de 1990 y homenajes de cineastas tan aclamados como Jim Jarmusch , Takeshi Kitano , Wong Kar-wai y Quentin Tarantino marcaron su descubrimiento internacional. Suzuki continuó haciendo películas, aunque esporádicamente, hasta principios de la década de 2000.
Suzuki nació durante el período Taishō , y tres meses antes del Gran Terremoto de Kantō , en el Barrio Nihonbashi (ahora el Barrio Especial Chūō ) en Tokio. Su hermano menor, Kenji Suzuki (ahora presentador de televisión retirado de la NHK ), nació seis años menor que él. Su familia se dedicaba al comercio textil. Después de obtener un título en una Escuela de Comercio de Tokio en 1941, Suzuki solicitó ingresar a la universidad del Ministerio de Agricultura, pero reprobó el examen de ingreso debido a malas calificaciones en química y física. Un año después, se inscribió con éxito en una universidad de Hirosaki . [3]
En 1943, fue reclutado por el Ejército Imperial Japonés durante la movilización nacional de estudiantes para servir en la Segunda Guerra Mundial . Enviado a Abiko Oriental , Chiba , se le asignó el rango de soldado de segunda clase . Naufragó dos veces a lo largo de su servicio militar; primero, el carguero que lo llevaría al frente fue destruido por un submarino estadounidense y huyó a Filipinas . Más tarde, el carguero que lo llevaba a Taiwán se hundió después de un ataque de la fuerza aérea estadounidense , y pasó 7 u 8 horas en el océano antes de ser rescatado. [4] En 1946, habiendo alcanzado el rango de segundo teniente en el Cuerpo Meteorológico , regresó a Hirosaki y completó sus estudios. [3] Sobre su tiempo en el ejército, Suzuki escribió:
Aunque permanecí en el ejército por miedo a que me ejecutaran por desertor en cuanto arrojara el fusil y corriera, no tardé en ascenderme a oficial en prácticas con un sueldo de doce yenes y medio, comparable en aquella época al de un director de departamento en la vida empresarial. Me fui a Filipinas, donde la guerra tomó un rumbo equivocado para nosotros. Después me transfirieron a Taiwán, donde estuve destinado en un aeropuerto aislado al pie de una montaña, junto con otras doce personas. Nuestro sueldo se dividía en trece partes iguales, como en un sistema comunista perfecto. Para evitar el estallido de una revuelta por privaciones sexuales, no sólo nos dieron comida, ropa y alojamiento, sino que el personal del ejército también había considerado estratégicamente necesario proporcionarnos tres prostitutas del ejército. No es una historia muy edificante, pero no puedo evitarlo: gasté la mayor parte de mi dinero en alcohol y mujeres, y cuando llegué al puerto de Tanabe el año después de la liberación, estaba completamente en la indigencia. [5]
También ha dicho que a menudo le parecían cómicos los horrores de la guerra, [6] como cuando subían a bordo de su barco hombres con cuerdas y los golpeaban hasta quedar negros y azules contra el casco, o cuando el corneta hacía sonar su trompeta cada vez que un ataúd era arrojado al mar. Ian Buruma escribe: "El humor de estas situaciones podría escapar a alguien que no estuviera allí, pero Suzuki nos asegura que era divertido". [7]
Pero la guerra es muy divertida, ¿sabes? Cuando estás en medio de ella, no puedes evitar reírte. Por supuesto, es diferente cuando te enfrentas al enemigo. Me arrojaron al mar durante un bombardeo. Mientras iba a la deriva, me dio risa. Cuando nos bombardearon, había algunas personas en la cubierta del barco. Fue una imagen divertida. [8]
Luego solicitó ingresar en la prestigiosa Universidad de Tokio , pero nuevamente suspendió el examen de ingreso. Por invitación de un amigo, que también había suspendido el examen, Suzuki se inscribió en el departamento de cine de la Academia Kamakura . En octubre de 1948, aprobó el examen de ingreso de la Compañía Shochiku y fue contratado como asistente de dirección en el Estudio Ōfuna de la compañía. Allí trabajó con directores como Minora Shibuya, Yasushi Sasaki, Noboru Nakamura y Hideo Oniwa antes de unirse al equipo regular de Tsuruo Iwama. [3]
Yo era un borracho melancólico y no tardé en convertirme en un ayudante de dirección relativamente inútil. En una gran empresa como Mitsui o Mitsubishi, estas cosas habrían provocado mi despido, especialmente en los viejos tiempos, pero como tanto el estudio como los propios ayudantes de dirección vivían bajo la extraña idea errónea de que eran artistas brillantes, se toleraba casi cualquier cosa, excepto incendios, robos y asesinatos. Así que recogía flores para mi mujer durante las horas de trabajo y, cuando estábamos en el lugar de rodaje, me quedaba en el autobús. [5]
En 1954, la compañía Nikkatsu reabrió sus puertas después de haber cesado toda producción cinematográfica al inicio de la guerra. Atrajo a muchos directores asistentes de otros estudios cinematográficos importantes con la promesa de evitar la larga cola habitual para la promoción. Entre estos viajeros se encontraba Suzuki, quien aceptó un puesto de director asistente allí por aproximadamente 3 veces su salario anterior. [9] Trabajó con los directores Hidesuke Takizawa, Kiyoshi Saeki, So Yamamura e Hiroshi Noguchi. Su primer guion que se filmó fue Duelo al atardecer (落日の決闘Rakujitsu no ketto , 1955). Fue dirigida por Hiroshi Noguchi. En 1956, se convirtió en director de pleno derecho. [3]
Su debut como director, acreditado a su nombre real, Seitarō Suzuki, fue Victory Is Mine , una kayo eiga , o película de canciones pop, parte de un subgénero que funcionó como vehículo para los discos y cantantes pop de éxito. [10] Impresionado por la calidad de la película, Nikkatsu le firmó un contrato a largo plazo. [11] Casi todas las películas que hizo para Nikkatsu eran películas de programa, o películas B , películas de género de línea de producción hechas con un cronograma ajustado y un presupuesto reducido que estaban destinadas a completar la segunda mitad de una película doble . Se esperaba que los directores de B trabajaran rápido, aceptando todos y cada uno de los guiones que se les asignaban, y rechazaban guiones solo con el riesgo de ser despedidos. Suzuki mantuvo un ritmo impresionante, con un promedio de 3½ películas por año, y afirma haber rechazado solo 2 o 3 guiones durante sus años en el estudio. [12] Más tarde dijo sobre su horario de trabajo (y despido injustificado):
En realidad, hacer películas era un trabajo doloroso, como le decía a menudo a mi mujer. Ya había querido dejarlo cuatro o cinco años antes. Le dije que odiaba ese proceso tonto y doloroso. Ella me dijo que no debía decir semejante cosa... que si hablaba de esa manera, se haría realidad. Y finalmente se hizo realidad. [Esto alude a su despido injusto de Nikkatsu en 1968.] Para mí, fue un alivio. Me sentí así desde el principio. [13]
Su tercera película y primera película de acción sobre yakuzas , Satan's Town , lo vinculó inexorablemente al género. Underworld Beauty (1958) marcó su primera película en CinemaScope y también fue la primera en ser acreditada con su seudónimo Seijun Suzuki. [14]
Tras haber disfrutado de un éxito moderado, su trabajo comenzó a atraer más atención, especialmente entre el público estudiantil, [12] con Youth of the Beast de 1963 , que los estudiosos del cine consideran su "gran avance". [6] El propio Suzuki la llama su "primera película verdaderamente original". [14] Su estilo eludió cada vez más las convenciones del género, favoreciendo el exceso visual y la emoción visceral sobre una trama coherente e inyectando humor alocado en un género normalmente solemne, desarrollando una "voz" distintiva. Tony Rayns explicó: "A sus propios ojos, las cualidades visuales y estructurales de sus películas de género de los años 60 surgieron de una mezcla de aburrimiento ("Todos los guiones de las compañías eran muy similares; si encontraba una sola línea que fuera original, podía ver espacio para hacer algo con ella") y autoconservación ("Dado que todos los directores contratados trabajábamos a partir de guiones idénticos, era importante encontrar una forma de destacar entre la multitud")". [12]
Si escuchas la palabra película de serie B, probablemente te reirás de buena gana, pero un director de películas de serie B tiene sus propias preocupaciones. En los anuncios de los periódicos, el tema principal suele ocupar el lugar más destacado, y yo estoy muy abajo. La mayor preocupación del director de películas de serie B es la pregunta "¿Qué efecto tendrá el tema principal que se muestra antes de tu película?". Las películas de Nikkatsu suelen tener la misma trama: el protagonista se enamora de una mujer, mata al malo y se queda con la mujer. Este patrón se repite en todas las películas, así que te concentras en averiguar todo lo que puedas sobre quiénes son los actores, quién es el director y el enfoque que tiene este director. Esto es lo que hace el director de películas de serie B. Por ejemplo, el director del largometraje principal tiene la costumbre de filmar una escena de amor de una determinada manera; esto significa que tengo que manejarla de otra manera. El director del largometraje principal lo tiene fácil. No tiene que averiguar cómo trabajo en absoluto. Puede hacer lo que quiera. En realidad, un director de películas de serie B tiene una tarea más difícil que su colega que hace la película principal. Por eso, el estudio debería darme más dinero a mí que a él, pero es justo al revés. [15]
Este desarrollo se llevó a cabo con la ayuda de colaboradores con ideas afines. Suzuki consideró que el diseñador de producción era uno de los más importantes:
El bastardo fue el verdadero punto de inflexión en mi carrera, más que La juventud de la bestia , que había hecho justo antes. Era la primera vez que trabajaba con [Takeo Kimura] como diseñador, y esa colaboración fue decisiva para mí. Fue con Kimura con quien empecé a trabajar en formas de hacer más poderosa la ilusión fundamental del cine. [16]
Su base de seguidores creció rápidamente, pero no se extendió al presidente del estudio Kyusaku Hori. A partir de Tattooed Life , el estudio le lanzó a Suzuki su primera advertencia por "ir demasiado lejos". [17] Él respondió con Carmen de Kawachi, tras lo cual se le ordenó "actuar de manera seria" [18] y se le redujo el presupuesto para su siguiente película. [14] El resultado fue Tokyo Drifter , una "película aparentemente rutinaria" convertida en una "fantasía asombrosa y deslumbrante". [19] Reducido aún más a filmar en blanco y negro, Suzuki hizo su película número 40 en sus 12 años con la compañía, Branded to Kill (1967), considerada una obra maestra de vanguardia por los críticos, por la que Hori lo despidió de inmediato. [3]
El 25 de abril de 1968, Suzuki recibió una llamada telefónica de una secretaria de Nikkatsu que le informaba de que no recibiría su salario de ese mes. [20] Dos amigos de Suzuki se reunieron con Hori al día siguiente y les informaron de que "las películas de Suzuki eran incomprensibles, que no generaban dinero y que Suzuki bien podría abandonar su carrera como director, ya que no haría películas para ninguna otra compañía". [20] En ese momento, la sociedad cinematográfica estudiantil Cine Club, dirigida por Kazuko Kawakita, estaba patrocinando una gran retrospectiva de las películas de Suzuki; se suponía que sería la primera en Japón en honrar a un director japonés. [21] Estaba previsto que comenzara el 10 de mayo, pero Hori retiró todas sus películas de la distribución y se negó a distribuirlas al Cine Club. A los estudiantes se les dijo que "Nikkatsu no podía darse el lujo de cultivar una reputación de hacer películas entendidas sólo por un público exclusivo y que mostrar películas incomprensibles y por lo tanto malas deshonraría a la compañía", agregando que "las películas de Suzuki no se exhibirían durante algún tiempo en los cines o en el Cine Club". [20]
Suzuki denunció la rescisión ilegal de su contrato y la retirada de sus películas de la distribución a la Asociación de Directores de Cine Japoneses. El presidente de la asociación, Heinosuke Gosho, se reunió con Hori el 2 de mayo, pero no pudo resolver el asunto. Gosho emitió entonces una declaración pública condenando a Nikkatsu por incumplimiento de contrato y violación del derecho de Suzuki a la libertad de expresión . [20] El día de la retrospectiva prevista, el Cine Club se reunió para discutir la situación. Asistieron doscientas personas, lo que superó con creces sus expectativas. Se produjo un debate de tres horas sobre si debían negociar el estreno de las películas o enfrentarse directamente a Nikkatsu. Se acordó lo primero y se decidió que había que hacer esfuerzos para mantener informado al público. [20]
El 7 de junio, después de repetidos intentos de razonar con Nikkatsu, Suzuki llevó al estudio a los tribunales, demandando por incumplimiento de contrato y daños personales por un valor de ¥ 7 380 000. También exigió que Hori enviara cartas de disculpa a los tres principales periódicos debido a que las declaraciones de Hori daban la impresión de que todas sus películas eran malas. Luego convocó una conferencia de prensa con representantes del Sindicato de Directores de Japón , el Sindicato de Actores, el Sindicato de Guionistas, ATG y el Cine Club. Entre los participantes se encontraban los directores Nagisa Oshima , Masahiro Shinoda y Kei Kumai . El único grupo que no estuvo representado fue la Asociación de Directores de Nikkatsu. [20]
El Cine Club realizó una manifestación pública el 12 de junio, que resultó en la formación de un comité conjunto de apoyo a Suzuki contra Nikkatsu. El comité estaba compuesto principalmente por directores, actores, grandes grupos de estudiantes de cine y cineastas independientes . [20] Esto también marcó la primera vez que el público se involucró en un tipo de disputa normalmente confinada a la industria. [20] El Cine Club, y otros grupos similares, movilizaron al público, celebrando mesas redondas y liderando manifestaciones masivas contra el estudio. El apoyo público, obtenido en el apogeo del movimiento estudiantil, se basó en una amplia apreciación de las películas de Suzuki y la idea de que los espectadores deberían poder ver el tipo de películas que quisieran ver. Esto sacudió a la industria cinematográfica por el hecho de que el público estaba haciendo demandas en lugar de aceptar pasivamente su producto. [20]
Durante el proceso, se escucharon 19 testigos durante un proceso de dos años y medio, incluidos directores, periodistas , críticos de cine y dos miembros del público cinéfilo . [20] Kohshi Ueno escribe sobre el propio testimonio de Suzuki sobre la realización de Branded to Kill : "Una película programada para producción se consideró repentinamente inapropiada y llamaron a Suzuki con muy poca antelación para llenar el vacío. La fecha de estreno ya se había fijado cuando se le pidió a Suzuki que escribiera el guion. Sugirió dejar de lado el guion cuando el director del estudio le dijo que tenía que leerlo dos veces antes de entenderlo, pero la compañía le ordenó que hiciera la película. Según Suzuki, Nikkatsu no estaba en posición de criticarlo por una película que hizo para ayudarlos en una emergencia". [20] Suzuki nunca antes había revelado esta información ni discutido ningún asunto interno de la empresa y su testimonio expuso el hecho de que los principales estudios asignaban películas a directores al azar, las publicitaban indebidamente y esperaban que los directores cargaran con la culpa. [20]
También se supo que, con la industria en decadencia desde principios de los años 1960, en 1968 Nikkatsu se encontraba en medio de una crisis financiera . El estudio había acumulado una deuda de ¥1.845.000.000 debido a una gestión irresponsable y se iba a someter a una reestructuración masiva. Se reduciría el tamaño del equipo de filmación, se introducirían tarjetas de tiempo y se exigiría una aprobación previa para todas las horas extra. [20] Hori, conocido como una figura totalitaria, poco acostumbrado a retractarse de declaraciones o conceder solicitudes, había puesto a Suzuki como ejemplo aparentemente sobre la base de su desagrado por la película. En un discurso de Año Nuevo a la compañía, enfatizó repetidamente que quería hacer películas que fueran "fácilmente comprensibles". [20]
El 12 de febrero de 1971 se completó el testimonio y se esperaba un veredicto. Sin embargo, en marzo el tribunal informó de un acuerdo , explicando que las apelaciones consumían mucho tiempo. Las negociaciones comenzaron el 22 de marzo y concluyeron el 24 de diciembre, tres años y medio después de que comenzara el caso. Nikkatsu le pagó a Suzuki una fracción de su reclamación original, y Hori se vio obligado a disculparse por los comentarios que hizo mientras se desempeñaba como presidente. En un acuerdo separado, Nikkatsu donó Fighting Elegy y Branded to Kill al Centro de Cine del Museo Nacional de Arte Moderno de Tokio . En el momento del acuerdo, Suzuki expresó sus temores de que si hubiera seguido luchando, tal vez ni siquiera podría obtener una disculpa de la empresa en quiebra. [20] Durante el curso del litigio, Nikkatsu se estaba desmantelando lentamente. Los planes de Hori para reestructurar la empresa no tuvieron éxito y Nikkatsu se vio obligada a liquidar estudios y edificios de la sede. Lanzó dos películas finales en agosto de 1971 y en noviembre comenzó a producir pornografía romántica suave. [20] A pesar de la victoria de Suzuki con un amplio apoyo del público y del mundo del cine, fue incluido en la lista negra de todas las principales compañías de producción y no pudo hacer otra película durante 10 años. [3]
Para mantenerse durante el juicio y los años de lista negra que siguieron, Suzuki publicó libros de ensayos y dirigió varias películas para televisión, series y comerciales. [3] El juicio y las protestas lo habían convertido en un ícono contracultural y sus películas Nikkatsu se volvieron bastante populares en las proyecciones de medianoche , [13] proyectándose ante "audiencias repletas que aplaudieron salvajemente". [21] También comenzó a actuar para otros directores en pequeños papeles y cameos. Su primer papel acreditado en la pantalla fue una aparición especial en Don't Wait Until Dark! (1975) de Kazuki Omori. [22] Shochiku, la compañía que lo inició como asistente de dirección, produjo su regreso a la dirección cinematográfica en 1977, A Tale of Sorrow and Sadness , una exposición de golf convertida en thriller psicológico escrito por el ilustrador de manga orientado al deporte Ikki Kajiwara . Joe Shishido aparece en un breve cameo. La película fue recibida pobremente por la crítica y el público. [11]
Suzuki colaboró con el productor Genjiro Arato en 1980 e hizo la primera parte de lo que se convertiría en su trilogía Taishō , Zigeunerweisen , una historia psicológica, de época y de fantasmas, llamada así por un disco de gramófono de música de violín gitano de Pablo de Sarasate que aparecía de forma destacada en la película. Cuando los exhibidores se negaron a mostrar la película, Arato la proyectó él mismo en una cúpula móvil inflable con gran éxito. [23] Obtuvo una mención de honor en el 31.º Festival Internacional de Cine de Berlín , [24] fue nominada a 9 premios de la Academia Japonesa y ganó cuatro, incluyendo mejor director y mejor película, [25] y fue votada como la película japonesa número uno de la década de 1980 por los críticos japoneses. [23] Continuó la película con Kagero-za , realizada al año siguiente, y completó la trilogía diez años después con Yumeji . Suzuki comentó sobre trabajar fuera del sistema de estudios:
Hablando de forma muy práctica, no cambio como cineasta. Pero el sistema de estudio ofrecía una forma muy cómoda de trabajar, y el cine independiente es diferente. En Nikkatsu, si tenía una idea por la mañana, podía implementarla por la tarde en el estudio. Ahora es mucho más complicado. Supongo que sigo intentando utilizar las localizaciones como antes utilizaba el estudio, pero el problema de la iluminación lo hace difícil. En el estudio, tienes pórticos de iluminación de los que colgar las luces. Instalar las luces en una localización lleva mucho tiempo. [16]
De 1978 a 1980, Suzuki se desempeñó como "director en jefe" (supervisor) en la popular serie de anime Lupin the Third Part II , influenciada por sus películas anteriores. [1] [26] Volvería a la franquicia Lupin III dos veces más, guionando el decimotercer episodio de Lupin the 3rd Part III: The Pink Jacket Adventures y codirigiendo (con Shigetsugu Yoshida) su película asociada, Legend of the Gold of Babylon , en 1985. [1] Según el investigador de Lupin III Takeshi Ikemoto, el crédito de dirección de Suzuki en Legend of the Gold of Babylon probablemente fue honorario, ya que había una tendencia contemporánea de acreditar a directores de acción en vivo notables en películas de anime para obtener publicidad, pero también es probable que su estilo influyera en la producción. [27]
Italia albergó la primera retrospectiva parcial de sus películas fuera de Japón en el Festival Internacional de Cine de Pesaro de 1984. [3] La retrospectiva itinerante de 1994 Branded to Thrill: The Delirious Cinema of Suzuki Seijun mostró 14 de sus películas. En 2001, Nikkatsu presentó la retrospectiva Style to Kill que presentó más de 20 de sus películas. En celebración del 50 aniversario de su debut como director, Nikkatsu volvió a presentar el Suzuki Seijun 48 Film Challenge de 2006 , mostrando todas sus películas hasta la fecha en el Festival Internacional de Cine de Tokio .
Hizo una secuela suelta de Branded to Kill con Pistol Opera (2001). Makiko Esumi reemplazó a Joe Shishido como el asesino número 3. A esto le siguió Princess Raccoon (2005), protagonizada por Zhang Ziyi , una historia de amor musical. En una entrevista de 2006, dijo que no tenía planes de dirigir más películas, citando problemas de salud. [28] Le habían diagnosticado enfisema pulmonar y estaba conectado permanentemente a un respirador portátil. [29] Sin embargo, asistió a la Reunión del Proyecto Tokio de 2008, un lugar que sirve para la financiación de películas y coproducciones internacionales , y presentó una película titulada A Goldfish of the Flame . [30]
Seijun Suzuki murió el 13 de febrero de 2017 en un hospital de Tokio. [31] Su muerte fue anunciada por Nikkatsu. [31] Murió de enfermedad pulmonar obstructiva crónica . [32]
Como director de contrato B en Nikkatsu, las películas de Suzuki se hacían siguiendo una estructura rígida. Se le asignaba una película y un guion, y solo podía rechazarlos a riesgo de perder su trabajo. Afirma haber rechazado solo 2 o 3 guiones en su tiempo con Nikkatsu, pero siempre modificaba los guiones tanto en preproducción como durante el rodaje. [12] Nikkatsu también asignaba un actor para el protagonista, o protagonistas, ya sea una estrella (generalmente de segundo nivel) o una que se estuviera preparando para el estrellato. El resto del elenco no era asignado, sino que generalmente se extraía del grupo de actores contratados del estudio. La mayoría de las películas del estudio A tenían un presupuesto fijo de ¥45 millones, donde las películas B en blanco y negro de Suzuki costaban ¥20 millones y sus películas en color recibían ¥3 millones adicionales. Sus películas estaban programadas para 10 días de preproducción , como búsqueda de locaciones , diseño de escenarios y vestuario, 25 días para rodaje y 3 días para posproducción , como edición y doblaje. [33] En este marco, tenía un mayor grado de control que los directores A, ya que las producciones B, más baratas, atraían una mirada menos vigilante por parte de la oficina central. [15]