Saya Woolfalk (nacida en 1979 en la ciudad de Gifu , Japón ) es una artista estadounidense conocida por su exploración multimedia de la hibridez , la ciencia, la raza y el sexo. Woolfalk utiliza la ciencia ficción y la fantasía para reimaginar el mundo en múltiples dimensiones. [1]
Saya Woolfalk está representada por Leslie Tonkonow Artworks & Projects, Nueva York. Fue asesora de posgrado en el Art Institute of Chicago y crítica de BFA en la Parsons School of Design en 2012. También fue artista invitada en Montclair State University en 2012 y 2013. Woolfalk fue profesora adjunta en Parsons de 2013 a 2018.
Woolfalk nació en la ciudad de Gifu, Japón, de madre japonesa y padre mestizo afroamericano y caucásico. Creció en Scarsdale , Nueva York y se describe a sí misma como "binacional". De niña, pasó su primera infancia en Japón y visitó Japón con frecuencia después de mudarse a los Estados Unidos. [2] Expresó que este origen "binacional" es muy influyente para ella, lo que hace que los temas de la hibridez sean muy prominentes en su trabajo.
Woolfalk se formó en la Universidad Brown (licenciatura en Artes Visuales y Economía en 2001) [3] y obtuvo su maestría en Bellas Artes en Escultura en la Escuela del Instituto de Arte de Chicago en 2004. [4] Woolfalk se mudó a Nueva York en 2006 para participar en el Programa de Estudios Independientes del Museo Whitney de Arte Estadounidense . [5]
Desde que trabajó como artista residente en el Studio Museum de Harlem de 2007 a 2008, [5] Woolfalk ha exhibido su trabajo en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , el Studio Museum de Harlem , el Frist Center for the Visual Arts de Nashville , [6] el Weatherspoon Art Museum de Greensboro , Carolina del Norte [7] y el Contemporary Arts Museum de Houston . [8] También participó en PERFORMA 09 [9] y colaboró con su amigo Clifford Owens en su exposición individual en PS1 / MoMA de Nueva York. [10]
La crítica de arte Roberta Smith del New York Times escribió en 2008 sobre "Etnografía del no lugar" de Woolfalk, que desarrolló con la antropóloga y cineasta Rachel Lears , "un pequeño tour de force de performance, animación, Pattern and Decoration renacido , escultura suave y sátira antropológica". [11]
En el New York Times , el crítico de arte Holland Cotter escribió sobre los Empathics de Woolfalk en su pieza "Chimera", en la Third Streaming Gallery en 2013: "Estas figuras escultóricas, con sus cabezas en flor, son fantásticas pero, como con todo arte fundamentalmente espiritual, un hilo moral complejo atraviesa la fantasía". [12] En una charla sobre arte con la revista AMMO , Woolfalk dijo: "Creo mundos ficticios que son lo más inmersivos y de escala completa posible. Tomo elementos del mundo real y los incorporo a la fantasía para que sean semi-reconocibles para mis espectadores. Mi parte favorita de construir estos lugares es cuando comienzan a casi hacerse a sí mismos. Se vuelve realmente emocionante cuando la lógica de un proyecto se ha vuelto tan clara que el proyecto me dice qué debería suceder a continuación en la historia". [13]
En 2013, el comisario Lowery Stokes Sims escribió en un catálogo de Real Art Ways que "Woolfalk nos está guiando de vuelta a la promesa original del arte moderno . El suprematismo y el constructivismo en Rusia , De Stijl en los Países Bajos introdujeron dispositivos formales como la eliminación o el debilitamiento de la referencia figurativa, el uso de formas geométricas simples y colores primarios con la creencia de que estos fomentan una perspectiva transnacional y no xenófoba que nos llevaría a un futuro de mente abierta. Por lo tanto, subestimamos a Saya Woolfalk a nuestro propio riesgo, porque es una convicción como la suya la que puede mover culturas y cambiar la metanarrativa". [14]
Ha recibido premios, entre ellos una beca Fulbright para investigación en Maranhão , São Paulo , en Río de Janeiro , Brasil, una beca de maestría de la Fundación Joan Mitchell y una beca Art Matters de la Fundación para las Artes de Nueva York en 2007. [15] Ha sido artista residente en el Museo de Newark , [16] la Universidad de Buffalo , [17] Yaddo , [18] Sculpture Space y Dieu Donne Papermill. Con financiación de la NEA, su exposición individual, "The Institute of Empathy", se realizó en Real Art Ways Hartford , CT desde el otoño de 2010 hasta la primavera de 2011. Su primera gran exposición individual en un museo norteamericano se inauguró en el Museo de Arte de Montclair en octubre de 2012. [19]
Woolfalk quería crear algo que permitiera a la gente pensar en las relaciones interculturales y la hibridación. Sin embargo, no quería utilizar su historia y antecedentes personales para hacerlo. [20] En cambio, creó el mundo de los empáticos dentro de su obra. Los empáticos son una raza ficticia de mujeres que pueden alterar su composición genética y fusionarse con plantas. Con cada obra, Woolfalk continúa construyendo la narrativa de las vidas de estas mujeres y cuestiona las posibilidades utópicas de la hibridación cultural. “Como soy mestiza, tengo la idea de que dejar la conversación ambigua es interesante”, dice. [21] Los empáticos se exhibieron por primera vez en la primera muestra individual de Woolfalk en el Museo de Arte de Montclair en el otoño de 2012. [1]
No Place es un mundo en tecnicolor representado a través de la danza, el movimiento, el video y objetos escultóricos. [22] Este trabajo se desarrolló a partir de las experiencias de Woolfalk estudiando la performance y su intersección con las prácticas espirituales en Brasil . [2] Estaba con su esposo, quien estaba realizando una investigación antropológica sobre los descendientes de personas esclavizadas que escaparon y Woolfalk describe que se encontró comparando sus métodos de trabajo con los procesos científicos de su esposo. En 2008, Woolfalk y la antropóloga Rachel Lears reunieron a amigos y les preguntaron sobre sus ideas de lo que sería una utopía perfecta . Tomaron esas ideas y las entrelazaron en lo que ahora se conoce como No Place. [23]
Esta obra ha sido incluida en las exposiciones Enter the Mandala: Cosmic Centers and Mental Maps of Himalayan Buddhism en el Asian Art Museum, San Francisco en 2014 y Disguise: Masks & Global African Art en el Seattle Art Museum en 2015 y el Brooklyn Museum en 2016. Ha citado las máscaras de casco sowei producidas por la sociedad Sande en Sierra Leona como inspiración para esta obra debido a cómo la comunidad centrada en las mujeres usaba estas máscaras en mascaradas y rituales de iniciación femenina. [24]
Se inspira en fuentes tan diversas como el anime japonés y las máscaras y textiles africanos utilizados en ceremonias rituales. [25] Las prendas que diseña para ser usadas en sus obras de video filmadas en sus instalaciones son a menudo fusiones de sus diversas influencias, lo que da testimonio de sus puntos de vista sobre la hibridez cultural.
En una entrevista para el Huffington Post , describió su actitud hacia la hibridez cultural: "Aunque las culturas tienen una utilidad política importante, la idea de que se desarrollan en el vacío es falsa. Las culturas realmente se construyen unas sobre otras. La cultura estadounidense es un híbrido serio, una aglomeración de todos los diferentes grupos y nacionalidades inmigrantes. Su historia de colonialismo europeo, esclavitud e historia de los nativos americanos hicieron que nuestra cultura sea lo que es hoy". [26]
Woolfalk también basó el concepto de hibridez cultural en su experiencia como persona "binacional". Mientras crecía, asistió a la escuela primaria en Japón y aprendió sobre las plantas y sus relaciones con los humanos. Desde muy joven, le enseñaron que las plantas y los humanos están conectados de muchas maneras, lo que más tarde contribuyó a la creación de The Emppathics. En la universidad, Woolfalk conoció el proyecto Kaki Tree, que involucraba al único árbol de caqui que sobrevivió al bombardeo de Nagasaki en 1945. Este árbol permitió que se hicieran intercambios interculturales utilizando sus retoños, al mismo tiempo que mostraba que a través del dolor y el sufrimiento surge un mundo nuevo y mejorado. Esta experiencia afectó tanto a Woolfalk que afirmó: "La estructura y los impulsos de este proyecto impactaron en cómo quería concebir mi trabajo futuro". [20]
En 2002, Woolfalk comenzó a enseñar como artista docente para la organización sin fines de lucro Publicolor en la ciudad de Nueva York. Luego enseñó en Architreasures y la Escuela del Instituto de Arte de Chicago el año siguiente. En 2006, Woolfalk se convirtió en asesora de tesis en el Minneapolis College of Art and Design . En 2007 trabajó como mentora en la New York Foundation for the Arts en la ciudad de Nueva York. Woolfalk también fue artista visitante en la Universidad de Buffalo en 2009 y la Universidad de Hartford en 2010, respectivamente. En 2012, se convirtió en asesora de posgrado en el Art Institute of Chicago y crítica de BFA en Parsons School of Design . Fue artista visitante en Montclair State University . Siguió siendo artista visitante en Montclair State University en 2013 y se convirtió en profesora adjunta en Parsons School of Design, donde ocupó el puesto de profesora adjunta hasta 2018. [27]
Woolfalk ha recibido la beca Joan Mitchell MFA, la beca de la New York Foundation for the Arts (NYFA) para trabajos interdisciplinarios y de performance, la beca Art Matters, la beca Franklin Furnace Fund para arte de performance y el premio Deutsche Bank Fellowship. Woolfalk también ha sido artista residente en el Studio Museum de Harlem , el Newark Museum of Art , Dieu Donne Papermill en la ciudad de Nueva York, el Museum of Arts and Design , el Simons Center for Geometry and Physics en Stony Brook, Nueva York , Smack Mellon en Brooklyn y Headlands Center for the Arts en California. [28]
Woolfalk es hija de una madre japonesa y un padre birracial afroamericano y caucásico. Su educación la coloca en posición de trazar una definición ampliada de diversidad cultural . [29] Actualmente vive en Brooklyn , Nueva York con su esposo, el antropólogo Sean T. Mitchell y su hija Aya. Woolfalk mantiene un estudio de arte en Manhattan .
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