San Sebastián atendido por Irene es una pintura al óleo sobre lienzo de Hendrick ter Brugghen fechada en 1625. Ahora en el Allen Memorial Art Museum de Oberlin, Ohio , la pieza representa el tema católico romano de San Sebastián atendido por Santa Irene , después de que Irene de Roma y su doncella lo rescataran después de su intento de martirio por parte de las autoridades romanas. [1] Una pieza ejemplar de latendencia barroca italianizante en la pintura de la Edad de Oro holandesa , la pintura emplea usos dramáticos de la luz y un claroscuro hábilpara representar su tema religioso, evidencia de la influencia de Caravaggio y los compañeros de Ter Brugghen , los caravaggistas de Utrecht .
Seymour Slive lo describió como la "obra maestra" de Ter Brugghen: "las formas grandes y llenas del grupo se han unido para formar un diseño magnífico, y lo que podría haber sido duro y escultural se suaviza notablemente con la luz suave y plateada que se refleja en el cuerpo gris oliva medio muerto de Sebastián, así como en los rojos, blancos cremosos y colores ciruela que visten las mujeres que atienden al santo". [2]
La pieza está registrada en la colección de Pieter Eris en Ámsterdam durante la década de 1660. [1] Su procedencia completa sigue siendo una especulación; tal vez estaba destinada a una institución benéfica donde se cuidaba a los enfermos, como los que padecían la peste que se generalizó en los Países Bajos alrededor de 1600. [3] Otros supusieron que estaba destinada a una iglesia oculta o una capilla privada, y luego llegó al mercado del arte. [4] También se ha sugerido que la pintura fue encargada por una schutterij (compañía de milicia), aunque esta idea generalmente ha sido descartada. Parece más probable que haya sido encargada por católicos, ya que el tema es prácticamente específico del arte de la Contrarreforma , aunque el propio Ter Brugghen era protestante . [5] La pintura finalmente llegó a Frederick Mont, a quien la compró el Oberlin College en 1953. La pieza se ha exhibido en la Galería Nacional de Arte de Washington, DC , el Museo Central de Utrecht y el Museo Metropolitano de Arte de Nueva York . [1]
San Sebastián cuidado por Santa Irene fue un tema principalmente del siglo XVII, aunque se lo encuentra en escenas de predela ya en el siglo XV. [6] Fue pintado por Georges de La Tour , Trophime Bigot (cuatro veces), Jusepe de Ribera , [7] y otros. Puede haber sido un intento deliberado de la Iglesia de alejarse del tratamiento habitual del desnudo único del tema, que ya está registrado en Vasari como algo que a veces suscita pensamientos inapropiados entre las mujeres feligresas. [8] Los artistas barrocos generalmente lo trataron como una escena nocturna de claroscuro , iluminada por una sola vela, antorcha o linterna, en el estilo de moda en la primera mitad del siglo XVII, y típicamente lo ubicaron en un interior, después de que Sebastián haya sido secuestrado. El entorno exterior de Ter Brugghen y la elección del momento anterior son inusuales, aunque compartidos por el tratamiento del tema por Dirck van Baburen .
Este cuadro representa a Sebastián, desplomado por el dolor mientras es atendido por Santa Irene y su doncella. Según la historia tradicional, el emperador Diocleciano , en la Persecución Diocleciana , hace que el soldado Sebastián sea fusilado por arqueros como castigo por su traición. Buscando su cuerpo para enterrarlo, Irene encontró a San Sebastián atado a un árbol y milagrosamente vivo, luego lo cuidó hasta que recuperó la salud. En lugar de pintar la escena de Sebastián siendo disparado con flechas, en medio de su intento de ejecución, Ter Brugghen elige mostrar los momentos posteriores donde Irene y su doncella lo desatan del árbol. [5] Algunos atribuyen este cambio narrativo a la aparición de la peste en Utrecht en la década de 1620: varios artistas que deseaban un tema salvado de la agonía, recurrieron a pintar el rescate de la personificación del sufrimiento del catolicismo. Ter Brugghen representa a Sebastián con una palidez verde enfermiza, su cuerpo flácido y sufriente, parecido a muchos de los enfermos o muertos que uno encontraría en Utrecht en esa época.
Una línea diagonal recorre la longitud del lienzo desde la esquina superior izquierda hasta la inferior derecha. [9] Se extiende por el brazo tenso de San Sebastián, cruza su cuerpo y baja hasta sus pies, con una flecha que sobresale del centro de su pecho continuando la forma. La mano derecha sin vida de Sebastián en el aire forma una forma triangular en un extremo de la línea con las manos de la doncella de Irene, en equilibrio con los pies y la mano izquierda de Sebastián que toca el suelo en la esquina opuesta. En el vértice están los rostros de Irene y Sebastián en primer plano, de espaldas el uno al otro con sus posiciones yuxtapuestas, destacando su relación simbólica y a ellos como el foco principal de la pintura. El rostro de Irene vuelto hacia la fuente de luz, adornado con una suave sonrisa, le proporciona una sensación de esperanza y rescate. Contrasta con la cabeza de Sebastián, afligida por la angustia mientras su expresión se proyecta en la sombra. Las cabezas de las figuras crean una "forma piramidal", haciendo eco de la disposición de tríos prominentes en la pieza. [10]
La forma curva de Irene mira hacia otro lado, en dirección opuesta al árbol solitario del fondo, que recuerda vagamente a una crucifixión , y que contrarresta la espalda y el trasero arqueados de Sebastián. La oposición de estas figuras también se destaca por una flecha que sobresale de su pierna. Sebastián descansa sobre el objeto más vívido de la pieza: una tela roja brillante adornada en oro, que los caravaggistas, como Ter Brugghen, suelen usar simbólicamente para simbolizar la Sangre de Cristo y el martirio . El árbol del fondo contrasta con el grueso árbol del grupo, y su forma esbelta y aparentemente endeble resalta el ambiente trágico. [10] El uso constante de grupos de tres, ya sean las tres cabezas en formación, el trío de manos de la doncella y la mano de Sebastián, las hojas del lejano árbol desamparado del fondo o simplemente el tema de las tres figuras bíblicas, es un símbolo de la Santísima Trinidad .
Ter Brugghen infunde sutilmente la asociación de las figuras en esta pieza a través de la disparidad y similitud de sus manos. La mano izquierda de Sebastian, libre de ataduras, yace flácida y oculta a la vista, símbolo de su inalcanzable alivio del dolor y la falta de libertad. La mano izquierda de Irene reposa sobre su pecho, por encima de su corazón y le brinda apoyo en un abrazo benévolo, formando su relación en la composición como alguien que tiende al otro en el sufrimiento. La forma triangular en la esquina superior izquierda representa la conexión entre la criada y Sebastian; como lo describe Stechow, "... la carne sin vida de la mano derecha de Sebastian cede a la presión de la cuerda mientras que la mano izquierda de la sirvienta de Irene reacciona a la misma presión con vivaz resiliencia". [9] La mano derecha de la sirvienta tira de las cuerdas tensas en la muñeca de Sebastian, intentando deshacerlas. Ella junta su dedo índice y pulgar, el mismo gesto que Irene usa con su mano derecha para sacar una flecha del torso inferior de Sebastian. Juntas, estas dos mujeres se asemejan en gestos y acciones, ambas tratando de eliminar una fuente de dolor de Sebastián.
Si esta pintura hubiera estado realmente destinada a una institución dedicada a curar a los enfermos y afligidos por la peste o a una iglesia oculta, es interesante ver cómo Ter Brugghen construye esta composición para su público. La iluminación dramática proyectada desde la esquina superior izquierda de la pintura y el uso sutil de la iconografía, como el árbol del fondo, que simboliza una crucifixión, sugieren delicadamente la presencia de Dios, tal vez observando el rescate desde arriba. Otras elecciones estilísticas realizadas por Ter Brugghen, como la yuxtaposición de las manos de la criada y las de Sebastián o la palidez de la piel de Sebastián en comparación con los tonos vivos de la criada, introducen temas de esperanza, fuerza y resistencia frente a la desesperación, así como alivio para los afligidos, ya sea en forma de recuperación o entrada al cielo. La combinación de estos temas de la manera en que se exhibe en San Sebastián atendido por Santa Irene de Ter Brugghen demuestra una clara consideración por su destino original: los afligidos por la peste, enfrentándose a su inminente mortalidad. [11] Las víctimas que buscaban alivio y consuelo contemplaban la pintura de Ter Brugghen y encontraban semejanza en la palidez enfermiza de Sebastián mientras se sentía aliviado de su aflicción y tal vez encontraba alivio o era invocado al culto religioso.
Pintada el mismo año, se acepta que la Crucifixión con la Virgen y San Juan de Ter Brugghen es muy similar en características estilísticas y tal vez destinada al mismo destino que San Sebastián atendido por Irene . [11] El estilo arcaico del Cristo en el crucifijo recuerda los viejos estilos de los Países Bajos, pero permanece en contraste con la María y Juan más contemporánea, creando una pieza donde "Ter Brugghen rechaza lo ahistórico por lo metahistórico". [12] También se establece una conexión más fuerte entre las dos pinturas basada en las similitudes entre San Juan de la Crucifixión y Sebastián en San Sebastián, que se cree que son el mismo modelo. [13]
Dirck van Baburen , otro caravaggista de Utrecht que alguna vez compartió estudio con Ter Brugghen, pintó su propia interpretación de Santa Irene atendiendo a Sebastián, el joven abatido, una década antes. [13] Las dos pinturas comparten una sorprendente similitud: Sebastián está desplomado en la esquina derecha del lienzo, con la boca abierta mientras su rostro está abatido, justo por encima del pecho. Lo más probable es que esta pintura haya sido la que más influyó en la visión de Ter Brugghen de la escena bíblica.
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