Roxy Paine (nacido en 1966, Nueva York ) [1] es un pintor y escultor estadounidense ampliamente conocido por sus instalaciones que a menudo transmiten elementos de conflicto entre el mundo natural y las llanuras artificiales que crea el hombre. Se formó tanto en el College of Santa Fe (ahora Santa Fe University of Art and Design ) en Nuevo México como en el Pratt Institute en Nueva York. [2]
Desde 1990, las obras de Paine se han exhibido en importantes colecciones y galerías de Estados Unidos, Alemania, Suecia, Inglaterra, los Países Bajos e Israel. Entre sus exposiciones más reseñadas se encuentran Replicants, Machines, Dendroids y Dioramas . Roxy Paine actualmente vive y trabaja en Brooklyn y Treadwell, Nueva York .
Paine nació en la ciudad de Nueva York y se crió en los suburbios del norte de Virginia. Durante su infancia, pasó su tiempo libre explorando las zonas boscosas y cubiertas de vegetación que separaban los complejos de viviendas de su barrio. Describe su experiencia de crecer en los suburbios como una "visión retorcida de la naturaleza", con un entorno que poseía una "abrumadora insulsez". Alrededor de los 13 o 14 años, Paine usaba el arroyo de su localidad como lugar para explorar.
"Cuando yo era niño había un arroyo cerca. Allí pasaba la mayor parte del tiempo. Constantemente desviaba el curso del arroyo y construía represas. Lo que más me interesaba era el agua. Lo que recuerdo claramente de la naturaleza en los suburbios eran los límites. El mundo natural está totalmente controlado y manipulado en los suburbios".
A los 15 años, Paine huyó a California para vivir con su hermano, un excursionista y escalador. La influencia del "western al aire libre" de su hermano los impulsó a recorrer lugares como Yosemite y Joshua Tree . Vivir en California ayudó a Paine a tomar la decisión de convertirse en artista. Se mudó a Nuevo México y se inscribió en el College of Santa Fe , pero pronto abandonó los estudios debido a las malas relaciones con sus profesores.
"En general, los profesores me odiaban. Siempre tuve problemas con los profesores de arte. No sé por qué. No intentaba ser conflictivo, pero siempre terminaba con mala sangre de alguna manera".
Luego se mudó a Nueva York y asistió al Pratt Institute durante un tiempo, inicialmente como estudiante de pintura, pero luego cambió a escultura. Además de pinturas, Paine produjo instrumentos musicales de cerámica y metal inusuales y funcionales. Finalmente abandonó Pratt y, con la ayuda de algunos de sus colegas, formó el colectivo de artistas Brand Name Damages en 1989. [3]
En su obra, Paine refleja los procesos naturales, recurriendo cada vez más a la tensión entre los entornos orgánicos y los artificiales, entre el deseo humano de orden y el impulso de la naturaleza a reproducirse. Sus simulaciones sumamente detalladas de fenómenos naturales incluyen una ambiciosa serie de árboles de acero inoxidable forjados a mano, vitrinas de hongos y plantas en diversos estados de descomposición y varias máquinas a gran escala diseñadas para reproducir procesos creativos. Muchas de sus obras crean una plataforma para plantear preguntas estéticas sobre el arte, el mundo natural y el antinatural en lugar de responder a estas preguntas como sus homólogos: él enciende la llama de la investigación. [4] En conjunto, sus obras demuestran el intento humano de imponer orden a las fuerzas naturales, representando la lucha entre lo natural y lo artificial, lo racional y lo instintivo. Paine ha dicho: "Me interesa tomar entidades que son orgánicas y están fuera del ámbito industrial, introducirlas en un sistema industrial y ver qué resulta de esa alimentación forzada. Los resultados finales son una contención perfecta de estos opuestos". [5]
Paine comenzó a mostrar su trabajo en Williamsburg, Brooklyn en 1990 y 1991 en un colectivo dirigido por artistas llamado Brand Name Damages (que ayudó a fundar) y tuvo su primera exposición individual en el efímero Herron Test-Site en octubre de 1992. Sus primeros trabajos consistieron en esculturas cinéticas y basadas en el tiempo como Viscous Pult , 1990, que consistía en un pincel que untaba ketchup, pintura blanca y aceite de motor en la ventana frontal del espacio de la galería; y Displaced Sink , 1992, que tenía una tubería con fugas en el techo que goteaba agua sobre una pila alta de barras de jabón, dejando un charco de jabón semilíquido que se acumulaba en el piso de la galería. [6]
Su siguiente exposición individual fue en la galería Ronald Feldman en 1995, e incluyó otras obras cinéticas, pero la obra central y más aclamada por la crítica fue una pieza llamada La cena de los dictadores , 1993-95, una vitrina que encierra las comidas favoritas disecadas de dictadores infames, que van desde Genghis Khan y Adolf Hitler hasta Napoleón Bonaparte y Suharto . La investigación por sí sola tomó ocho meses, y en general, la obra tardó dos años en producirse, lo que abrió a Paine a nuevos enfoques y procesos en su trabajo. [7]
A partir de este punto, la obra de Paine se dividió en unas pocas categorías distintas pero relacionadas. La primera incluye obras naturalistas: reproducciones minuciosamente precisas de objetos naturales como hongos, plantas frondosas o amapolas. Una segunda categoría consiste en obras basadas en máquinas: ha ideado una serie de máquinas de creación de arte conceptualmente desafiantes, como SCUMAK (Auto Sculpture Maker) , 1998, PMU (Painting Manufacturing Unit) , 1999-2000, [8] y la Erosion Machine , 2005. Salvando la brecha entre las obras naturalistas y mecanizadas, Paine también crea árboles y rocas de acero inoxidable a gran escala de diversos tamaños (que van desde 8 a 50 pies de altura).
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Las vitrinas y obras botánicas de Paine a menudo presentan réplicas de plantas que se han descubierto como extremadamente venenosas o que han sido utilizadas por humanos para experiencias alucinógenas o de drogas experimentales. Las plantas vivas se moldean y luego se reproducen en polímeros termoendurecibles, pintura, laca y epoxi, entre otros materiales. Crop , 1997-98, muestra un campo de amapolas, con vainas maduras que exponen la evidencia de opio crudo que se prepara para la cosecha. La pieza encarna las visiones cambiantes de la belleza de un campo de flores silvestres y el grave potencial de la adicción a las drogas. [9] Amanita Muscaria Field , 2000, muestra un campo de hongos psicoactivos que parecen estar brotando del piso de la galería. Este campo puede presentar múltiples lecturas: ¿son estas obras una visión alucinógena en sí mismas o representan la vida vegetal que ofrece la posibilidad de llegar a esa visión? Otra serie de obras relacionada es la de las vitrinas Dead Amanita , hongos realistas que parecen estar descomponiéndose bajo el vidrio. El género Amanita es un grupo de hongos venenosos y psicoactivos que tiene algunas especies que se encuentran entre las más mortales si son ingeridas por humanos.
Otro ejemplo es el género de plantas frondosas Datura , que se ha utilizado durante mucho tiempo como veneno y alucinógeno; muchas especies son conocidas por nombres comunes como Campanas del infierno o Hierba del diablo. La recreación de Paine de varias especies de Datura adquiere un estado de potencial, presentándonos una planta engañosamente simple que, sin embargo, contiene moléculas complejas que pueden dar lugar a un estado alterado de conciencia.
La eliminación de la mano del artista en el proceso creativo y su sustitución por un programa informático es el eje central de las obras de Paine basadas en máquinas. Su primera máquina para hacer arte, Paint Dipper (1997), empleaba una armadura de acero que sumergía continuamente los lienzos en un tanque de pintura a lo largo del tiempo, creando obras que acumulaban estalactitas de pintura de látex a lo largo del borde inferior. SCUMAK (Auto Sculpture Maker) (1998-2001), derrite plástico con pigmentos y los extruye periódicamente sobre una cinta transportadora, creando esculturas con forma de bulbo que son únicas.
La PMU (Painting Manufacturing Unit) , de 1999-2000, consiste en un brazo de pintura de metal programado para expulsar pintura blanca sobre un lienzo según instrucciones específicas programadas en la máquina. Las obras resultantes a menudo pueden evocar paisajes o, posiblemente, capas de sedimentos geológicos.
Más recientemente, Paine presentó su Erosion Machine (Máquina de erosión) , 2005, que consiste en un brazo robótico que traza y corta patrones en grandes bloques de piedra. El curso del movimiento del brazo está determinado por conjuntos de datos, como las condiciones climáticas y los resultados de las pruebas escolares. La obra sugiere los efectos corrosivos de la imposición humana sobre el medio ambiente y, al mismo tiempo, representa la transformación de lo banal en bello.
El historiador de arte Jonathan Fineburg escribió sobre SCUMAK (Auto Sculpture Maker) : "La belleza de la máquina y la excentricidad de los resultados también son un himno al romanticismo. Paine sitúa tanto sus jardines como sus máquinas en una interfaz fluida entre el hombre, la naturaleza y la ciencia; llevan al espectador a una experiencia intuitiva del lugar liminal al que han llegado los científicos cuando comienzan a rediseñar el genoma humano y a conectar neuronas vivas con chips de silicio". [10]
Paine utiliza tanto medios mecánicos como la lógica innata de las formas naturales para crear sus esculturas de árboles "Dendroid". La investigación y la observación meticulosas de Paine de una variedad de especies de árboles lo ayudan a comprender el "lenguaje" de cómo crece un árbol y, a partir de allí, crea especies de árboles ficticias que crecen con una lógica propia. Paine ha dicho:
He procesado la idea de un árbol y he creado un sistema para su forma. Tomo este ser orgánico majestuoso y lo descompongo en componentes y reglas. Las ramas se traducen en tubos y varillas. [11]
Al emplear el lenguaje que ha inventado para cada una de estas especies ficticias, los árboles de Paine "crecen" mediante un laborioso proceso de soldadura de tubos cilíndricos y varillas de tamaño decreciente. [12] También ha descrito sus objetivos con la serie Dendroids diciendo: "He estado tratando de expandir los límites del lenguaje y enviar la obra hacia esos límites. Esencialmente, estoy estableciendo las reglas de un lenguaje, solo para luego romper esas reglas". [13]
El primero de estos dendroides fue Impostor (1999), que ahora se encuentra en la Fundación Wanas, en Knislinge, Suecia. Posteriormente, ha creado 25 de estas esculturas, entre ellas Bluff (2002), que se estrenó en el Central Park de Nueva York durante la Bienal de Whitney en 2002, y la muy ambiciosa Conjoined (2007), que recientemente se exhibió en el Madison Square Park de Manhattan (hasta el 31 de diciembre de 2007). Conjoined es una escultura de 12 metros de alto por 14 metros de ancho de dos árboles cuyas ramas se elevan en el espacio y se conectan en el aire. Paine crea dos especies de árboles ficticios diferentes donde cada rama de un árbol se une con una rama del otro. Para el observador, no está claro dónde comienza un árbol y dónde termina el otro. "Conjoined" fue adquirida en 2008 por el Museo de Arte Moderno de Fort Worth y se exhibe en él.
La reciente escultura de Paine, Inversión , 2008, se instaló en la sección Proyectos de Arte Público de Art Basel 39, en Basilea, Suiza, en junio de 2008. También fue parte de FREEDOM: Den Haag Sculptuur 2008 en La Haya, Países Bajos, hasta agosto de 2008.
Maelstrom, 2009, estuvo en exhibición en el Museo Metropolitano de Arte del 28 de abril al 29 de noviembre de 2009 [14] y Graft, 2009 se instaló en el Jardín de Esculturas de la Galería Nacional de Arte en Washington, DC, en el otoño de 2009. Cuando se le preguntó sobre Maelstrom, Paine lo describió como existente en cinco "niveles" a la vez:
"En un nivel, es un bosque que ha sido derribado por una fuerza invisible, una fuerza de la naturaleza o, tal vez, una fuerza del hombre. También quiero que la escultura sea la fuerza misma, una fuerza que se arremolina y se agita. La palabra 'maelstrom' en realidad tiene una raíz holandesa; literalmente significa 'corriente que muele'... El tercer estado son los árboles en el estado de convertirse en abstracciones. Hay áreas con partes reconocibles de árboles y luego otras donde la representación se estira, se desintegra y se vuelve a fusionar... Quiero que el cuarto estado de trance sea una tubería en una fábrica que se ha vuelto loca. Esto es volver a la raíz del material, por así decirlo, que es puramente industrial. Aquí la pieza está abrazando su fuente. Y, finalmente, el quinto estado es el de una tormenta mental, o lo que imagino que sucede durante un ataque epiléptico".
Distillation, 2010, estuvo en exhibición en la galería James Cohan de Nueva York del 16 de octubre al 11 de diciembre de 2010, [15] y One Hundred Foot Line, 2010, se instaló de manera permanente en la Galería Nacional de Canadá, en Ottawa, Ontario. [16] Distillation, como lo describe Hilarie Sheets en The New York Times,
Lleva el contenido metafórico que sustenta estas esculturas a nuevos extremos. Sigue utilizando formas arbóreas, pero ahora se combinan con otros sistemas de ramificación claramente definidos: una red vascular de arterias y venas con dos riñones regordetes, colonias de hongos y sus micelios en germinación, haces de neuronas y diagramas taxonómicos, y tuberías de crudo conectadas a tanques de acero y válvulas industriales. [17]
Ferment se instaló de forma permanente en abril de 2011 en el jardín sur del Museo de Arte Nelson-Atkins de Kansas City, Missouri . Esta escultura dendróide de acero inoxidable de 17 metros de altura, que tardó más de tres años en producirse, según la descripción de Paine, "intentaba capturar una fuerza agitada y arremolinada".
En junio de 2014, Symbiosis (2011) se instaló en Filadelfia, Pensilvania, en Iroquois Park, originalmente en préstamo temporal a la Association for Public Art por cortesía de Paine and Marianne Boesky Gallery. En 2015, la Association for Public Art recibió una subvención de Daniel W. Dietrich II Trust, Inc. para adquirir Symbiosis , lo que le permitió al dendroid permanecer en Filadelfia. [18]
En septiembre de 2013, Paine estrenó las dos primeras instalaciones de una nueva serie de trabajos que utilizan dioramas a gran escala. Las dos instalaciones se dieron a conocer en una exposición en la galería Kavi Gupta de Chicago. [19] Las nuevas piezas, meticulosamente talladas en madera, son réplicas de tamaño natural de un restaurante de comida rápida y una sala de control, respectivamente.
El nuevo trabajo se basa en un diálogo complejo de filosofías occidentales y orientales que adoptan y deconstruyen los valores y el núcleo conceptual del trabajo anterior de Paine. Christian Viveros-Faune , en una entrevista con Paine, [20] discutió los intereses de Paine en la estética filosófica japonesa de Wabi-Sabi , que enfatiza la belleza dentro de los defectos naturales e impredecibles. Paine también le contó a Viveros-Faune sobre un interés en el postestructuralismo y las teorías de Michel Foucault sobre la episteme , como lo describe Paine [21] -
"Me ha influido mucho la idea de Foucault sobre la episteme, la estructura y la base del conocimiento de una era que determina qué tipo de preguntas se pueden y no se pueden plantear en un momento determinado. Creo que es especialmente pertinente en este momento en que la cantidad de información es tan grande y el acceso a ella tan instantáneo; sin embargo, el tipo de preguntas que se plantean parece limitado y limitado, un repliegue hacia la comodidad del ámbito hiperespecializado del conocimiento de cada persona". [20]
Paine analizó además su interés en la nueva obra como una manifestación de "Una copia de una copia de una copia", que podría estar relacionada con el compañero postestructuralista de Foucault, Jean Baudrillard .
El artista Roxy Paine contribuyó con muchas de sus obras a los siguientes lugares:
Medios relacionados con Roxy Paine en Wikimedia Commons
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