Robert Delford Brown (25 de octubre de 1930 – c. 22 de marzo de 2009) [1] fue un artista de performance estadounidense . El New York Times lo llamó "un pintor, escultor, artista de performance y filósofo de vanguardia cuyas obras exuberantemente provocativas desafiaron las ortodoxias tanto del mundo del arte como del mundo en general, generalmente con un gran guiño".
Deborah Velders, del Museo de Arte Cameron en Wilmington, Carolina del Norte, lo llamó "un visionario" y "el William Blake de nuestro tiempo".
Allan Kaprow , a quien se le atribuye el origen del movimiento Happening a principios de la década de 1960, dijo de Robert Delford Brown:
El poder extático que ha marcado el arte de Brown desde los años 60 puso una piedra en el acelerador de la vanguardia de aquellos días. Brown fue (y es) un visionario que no se puede ignorar ni olvidar. La obra de Brown es importante. Toca una fibra sensible en el núcleo de los códigos sociales que organizan no sólo nuestro comportamiento sino también los límites de nuestro arte... La visión trascendente de Robert Delford Brown adquiere una gran importancia.
Robert Delford Brown nació en las estribaciones de las Montañas Rocosas durante la Gran Depresión en Portland, Colorado. “Era muy rural”, dijo en una serie de entrevistas que hizo con su biógrafo, el artista y escritor Mark Bloch . Su padre trabajaba probando cemento como técnico químico. “Nací en el centro de Colorado en 1930. Nadie es más estadounidense que yo”, le dijo a Bloch en 2006. Ambos lados de su familia habían estado en los EE. UU. desde los tiempos de la Revolución. Su padre, que también se llamaba Robert Delford Brown, era de ascendencia irlandesa, alemana y holandesa, originalmente proveniente de una granja en Illinois. La familia de su madre eran granjeros de Kansas. Dijo que una vez le dijo a su madre: “Si te unes a las Hijas de la Revolución Americana , has perdido un hijo”. Brown nació como Junior pero, como el pedigrí de DAR, lo dejó caer, “No lo necesito”. La familia se mudó a Long Beach cuando tenía 12 años. “Para mi beneficio”, agregó.
Poco después, Brown descubrió el jazz, una pasión que mantuvo durante toda su vida. “No sé cómo me topé con él. Creo que encontré estos libros en la biblioteca de la escuela secundaria. Había dos libros sobre músicos blancos en la biblioteca, biografías de músicos blancos, Frank Teschmacher , Muggsy Spanier y Pee Wee Russell ”. Con un amigo, Bill Hagleheimer, Brown asistía a conciertos de jazz en el centro de Los Ángeles y en lugares más respetables como la Filarmónica de Los Ángeles. “Había un lugar llamado The Lightning Room, y el Lightning Room tenía un pequeño escenario de aproximadamente 3 pies por 3 pies y luego se desnudaba, el stripper hacía este baile en esta pequeña plataforma. Y luego había un baterista ciego que tocaba el saxofón”. Continuó: “Tenías 50 músicos en un concierto de jazz, Coleman Hawkins , Dizzy Gillespie , Lester Young , todos aparecieron. Y yo tenía como 15 años. Mi madre me llevaba en coche y se sentaba fuera mientras yo estaba allí... un niño blanco con toda esa gente negra. Y los negros... pasaban litros de vodka de un lado a otro”. No bebía, a pesar de que a los 15 años le presentaron la cerveza. Estaba allí por la música.
Cuando era estudiante en el Long Beach State College, Brown conoció al pintor Ed Moses (artista) , que acababa de salir del servicio. Más tarde, Moses le presentó a Virginia Dwan, propietaria de una galería de Los Ángeles, que le alquiló un apartamento en el segundo piso, encima del tiovivo de Santa Mónica. Esto le mantuvo despierto, “hasta las dos de la mañana… 'Estoy mirando un trébol de cuatro hojas' una y otra vez… Viví en el muelle de Santa Mónica durante dos o tres años”.
Brown estudió arte en el Long Beach College y en la UCLA de 1948 a 1952, donde obtuvo su licenciatura y su maestría en 1956. Estudió dibujo con el surrealista Howard Warshaw (1920-1977), que había tenido su primera exposición individual con el legendario galerista Julien Levy en 1945. Brown trabajó con Warshaw desde 1955, cuando el profesor realizó una retrospectiva en el Museo de Arte de Pasadena, hasta 1958. Warshaw, conocido por desarrollar un lenguaje y una filosofía del dibujo únicos, infundió el conocimiento científico de la época en la obra que también debe haber atraído al joven Brown, quien más tarde se convirtió en un discípulo vociferante de Buckminster Fuller. En las líneas de Warshaw, como en las primeras obras de Brown, se puede leer el tenor emocional del artista y del tema. También como Brown, el cubista orgánico Warshaw, nacido en Nueva York, se trasladó a California. En 1942 se mudó al oeste y encontró trabajo en los estudios de Disney y Warner Brothers. A partir de 1951, Warshaw enseñó en la Universidad de California, donde continuó durante más de 20 años, completando murales monumentales para varios campus de la UC.
Otro futuro miembro del mundo del arte que Brown conoció cuando era joven fue Walter Hopps , que más tarde se convertiría en el curador del Museo de Arte de Pasadena y luego de la Colección Menil en Houston, además de ocupar muchos otros puestos. Los dos se conocieron en la UCLA cuando Hopps estaba en la GI Bill. “Pensé que estos chicos que habían estado en el ejército, pensé que lo sabían todo. Yo tenía 17 o 18 años, ellos tenían 20. Pensé que realmente sabían qué diablos estaba pasando”, dijo Brown. A través de una clínica psiquiátrica asociada con la UCLA, Brown, Moses y Hopps se convirtieron en asistentes masculinos de una joven esquizofrénica a la que Hopps recordaba que le gustaba que la llevaran a Disneylandia en Anaheim. Brown continuó trabajando en el área de salud mental durante los siguientes años.
En 1952, Brown realizó su primera exposición en la tienda de marcos Ed Kelly's Frame Shop de Los Ángeles. Walter Hopps dijo en una entrevista de 2004: "Me decepcionó que nadie comprara nada. Cuando terminó la exposición, sacó todo al patio trasero del lugar y lo quemó".
En 1959, Brown se mudó a Manhattan. “Si uno aspiraba a convertirse en artista, tenía que ir a Nueva York”. Brown pasó los meses siguientes “caminando por las calles de la ciudad, visitando todas las galerías” y “devorando” todas las revistas de arte o textos sobre arte que pudo encontrar.
“El evento más fortuito en mi vida fue mi encuentro con Rhett Cone”, dijo Brown en 1990. “Ella había fundado el Cricket Theater en la Segunda Avenida y la Calle Décima, donde exhibió material nuevo, presentó el teatro infantil "Merry Mimes" y produjo y dirigió obras de escritores como Edward Albee y Samuel Beckett . Durante los últimos 27 años, Rhett ha sido mi admiradora más ferviente. Durante los últimos 25 años ha sido mi esposa y colaboradora entusiasta, así como co-conspiradora”. Su esposa y compañera artística durante los siguientes treinta años, que murió de cáncer de pulmón en 1988, le dijo una vez a un entrevistador: “Cuando conocí a Bob, él tenía 29 años y trabajaba en un pabellón psiquiátrico. Gran parte de su trabajo surge de esa experiencia”. Brown dijo una vez: “En 1963 conocí a Rhett y la vida mejoró. Estaba en una cafetería y ella entró y se veía sexy. Ella acababa de divorciarse". Brown dijo más tarde sobre Rhett y sus dos hijas, Peggy y Carol: "Éramos como una pequeña familia", Brown había encontrado el sistema de apoyo que necesitaba y su carrera artística como iconoclasta de primer nivel despegó poco después.
“Cuando salí de la escuela en 1950, el mundo del arte para el que me estaba preparando había desaparecido”, dijo Brown. Pero en Nueva York, se lanzó de cabeza a las nuevas sensibilidades artísticas que se estaban desarrollando a finales de los años 50 y principios de los 60. Happenings , Fluxus , la New York Correspondence School de Ray Johnson e incluso el Pop Art aún no habían recibido nombre, pero el cambio estaba en el aire y Brown fue uno de los muchos artistas que llegaron a la escena neoyorquina en aquellos días, sintiendo que algo dramático estaba a punto de suceder. “En retrospectiva, el cubismo era Pop Art . Toda la historia del arte moderno fue Pop Art”, dijo Brown una vez. Pero a medida que el expresionismo abstracto se desvanecía, las galerías y los artistas por igual estaban haciendo espacio para las exposiciones “Neo-Dada”, como se las llamaba en aquellos días, y las obras de arte basadas en el tiempo y orientadas a la acción que surgieron en ese momento y que acercaron el arte y la vida un paso más que las pinturas de goteo de Jackson Pollock .
“Conocí a Allan Kaprow cuando estábamos en París de luna de miel”, dijo Brown. “Rhett y yo fuimos a esta galería. Fue un acontecimiento increíble. Y luego lo conocí en la ciudad de Nueva York. Y como Rhett era amable, nos mantuvimos en contacto”. Brown a menudo le atribuía a Rhett el mérito de haberle dado una licencia para no hablar. “A ella le gustaba hablar y a mí no. No tuve que hablar hasta que Rhett murió”.
Un acontecimiento significativo para Brown fue su participación en la presentación de la obra musical " Originale " del compositor vanguardista alemán Karlheinz Stockhausen, dirigida por Allan Kaprow . Este escandaloso acontecimiento se celebró en el Judson Hall de la ciudad de Nueva York como parte del Segundo Festival Anual de Vanguardia en 1964. Brown creó la memorable imagen del "pintor loco" que llenó las páginas de los periódicos locales y las revistas de noticias nacionales.
Luego, el segundo gran éxito de Brown, el "Meat Show", se presentó en 1964 en un gran frigorífico en el Washington Meat Market... Brown se convirtió en el primer artista en montar un espectáculo de carne, alquilando "toneladas de carne y galones de sangre" y un armario refrigerado para un espectáculo salpicado de sangre.
"Fuimos y alquilamos un frigorífico para carne, y le dijimos al dueño que estábamos haciendo una película y necesitábamos un decorado. Llegaron los camiones con toda esa carne humeante. La colgamos por todas partes en ganchos. Después conseguimos miles de metros de tela transparente que parecía lencería y creamos habitaciones como en un burdel. En realidad parecía muy erótico. La policía vino a inspeccionar y dijo que teníamos que tener algunas luces rojas en la parte de atrás para que fuera aún más erótico", dijo Rhett, la esposa de Brown.
En 1967, Rhett y Robert Brown descubrieron un edificio de una sucursal de la biblioteca que estaba a la venta en West Village. Inmediatamente crearon un lugar físico para la sede de una obra iniciada en 1964: la Primera Iglesia Nacional del Pánico Exquisito, Inc. El edificio en West 13th Street, conocido como The Great Building Crack-Up, se convirtió en un hito arquitectónico que luego apareció en The New York Times . Celebraron muchas inauguraciones y eventos en Great Building Crack-Up, incluida una producción del taller del Westbeth Playwrights Feminist Collective de "Wicked Women".
En una declaración sobre la Primera Iglesia Nacional del Pánico Exquisito, Inc., Brown dijo: "Cuando decidí fundar la Primera Iglesia Nacional del Pánico Exquisito, Inc. en 1964, había estado incubándose durante más de la mitad de mi vida. Tenía la esperanza de que sus rituales e iconos sirvieran como una fuente inagotable de temas para mi trabajo como pintor y escultor, y también me ayudarían a explicarme a mí mismo un mundo que era totalmente abrumador en su complejidad y completamente diferente del mundo que había dado origen a las religiones establecidas".
Brown denominó a la Primera Iglesia Nacional del Pánico Exquisito, Inc. (FUNKUP, por sus siglas en inglés) una creencia pagana ortodoxa. Su deidad principal se llama ¿QUIÉN?, como en “No sabemos a dónde vamos, pero ¿QUIÉN? lo sabe”. El mandamiento principal de la iglesia es vivir y la prohibición principal es “No comer autos”, una regla sin sentido que se deriva de la teoría de Brown de que un problema importante con la religión organizada moderna es su falta de humor.
El Manifiesto Funkup dice:
Debemos regenerarnos. Debemos crear nuevos rituales y nuevas mitologías para dar cabida a las nuevas capacidades descubiertas.
Nuestro lanzamiento al espacio exterior, que se consideraba imposible hace apenas 50 años, ya se ha logrado. Ahora debemos tener el coraje de continuar esta emocionante y aterradora aventura sin demoras.
Será necesario que descartemos los modos de vida anticuados y derrochadores. La humanidad tiene que alcanzar la coherencia.
Necesitamos una igualdad absoluta para que todos puedan contribuir a esta empresa.
Necesitaremos toda la inteligencia y energía que podamos reunir.
Desde su Iglesia, Brown continuó creando obras de arte colaborativas durante las siguientes tres décadas.
Su colaboración física preferida hacia el final de su carrera fue la "Acción Colaborativa de Pegado", en la que, por correo electrónico y teléfono, conseguía un espacio y una audiencia participativa de no artistas, que podía estar en otra ciudad o en otro país. Entonces se presentaba, armado con pegamento, tijeras, guantes de goma, papel de colores, revistas para recortar y varios lienzos para que los participantes los embellecieran colectivamente con sus reflexiones no formales, cada uno de los cuales, con el tiempo, pasó de ser una tabula rasa fluorescente a un testimonio vibrante y arremolinado del poder de la acción conjunta de los no artistas, pero que, al mismo tiempo, sorprendentemente recordaba a los recortes de Miró , Kandinsky y, por supuesto, Matisse . [2]
A principios de la década de 1990, realizó gran parte de su trabajo en línea a través del sitio web de la iglesia, Funkup.com.
Su obra está representada en las colecciones de (lista parcial): El Museo de Arte Moderno , Nueva York; Institución Smithsonian , Washington DC; Museo de Arte de Denver , Denver, Colorado. [3]
Brown fue encontrado muerto el 24 de marzo de 2009 en el río Cape Fear en Wilmington, Carolina del Norte , a donde se había mudado en 2007 para preparar una exposición en el Museo de Arte Cameron. Brown se ahogó en el río Cape Fear en Wilmington, Carolina del Norte, en algún momento entre el 20 de marzo de 2009, cuando fue visto por última vez, y el 24 de marzo de 2009, cuando su cuerpo fue encontrado por dos navegantes. Estaba planeando un evento que implicaba construir balsas hechas de chanclas y hacerlas flotar río abajo, originalmente inspirado por el artista local de Wilmington Dixon Stetler. Su último trabajo fue un desfile dadaísta llamado "Kazooathon" en el centro de Wilmington un mes antes.