Preludio y fuga sobre un tema de Vittoria es una obra para órgano solista compuesta por Benjamin Britten en 1946. Fue encargada para la iglesia de San Mateo, Northampton y se interpretó por primera vez el 21 de septiembre de 1946, el día de San Mateo, tres días después de su composición. Utiliza un tema de un motete del compositor español Vittoria , tanto en el preludio (donde se toca repetidamente en los pedales ) como como base para la fuga . La pieza, que dura unos cinco minutos en interpretación, ha tenido una recepción mixta. Un escritor ha señalado la dificultad de encontrar un órgano adecuado en el que interpretar la pieza, dadas las dificultades para encontrar el registro apropiado para cumplir con los requisitos de Britten. Un crítico de una interpretación en concierto en la década de 1960 la llamó "un intento artificial de hacer ladrillos sin paja", [1] aunque otros comentaristas han sido más favorables sobre la pieza.
El compositor inglés Benjamin Britten recibió el encargo de escribir el Preludio y Fuga para la iglesia de San Mateo de Northampton . Se estrenó allí el día de San Mateo (21 de septiembre) de 1946, tres días después de su composición. [2] [3] Existe una historia de que lo escribió en la cama una mañana antes del desayuno. [4] Britten había recibido previamente el encargo del vicario de San Mateo, Walter Hussey , de escribir una cantata , Rejoice in the Lamb , para el quincuagésimo aniversario de la iglesia en 1943; el acompañamiento de órgano para la cantata utilizó el órgano de una "manera sorprendentemente original". [5] El Preludio y Fuga fue una de las dos piezas basadas en temas de otros compositores que Britten escribió en 1946; la otra fue la Guía para jóvenes de la orquesta , que se basó en una pieza de Henry Purcell . [6]
Ambas secciones de la pieza están basadas en un tema de un motete , Ecce sacerdos magnus ("He aquí un gran sacerdote"), del compositor español Tomás Luis de Victoria (o "Vittoria", 1548-1611). [2] El tema, que proviene de una melodía de canto llano utilizada en la época de Vittoria en la festividad de un santo y obispo, tiene nueve notas de duración y no tiene un rango amplio. [3] [7] El Preludio , que está en4
2 tiempo (cuatro mínimas por compás), se abre con una declaración del tema tocado en los pedales en quintillos (cinco corcheas tocadas en el tiempo de cuatro), marcadas ff , ( fortissimo , "muy fuerte"). [2] El tema se repite con frecuencia en los pedales durante el preludio, que está marcado " largamente " ("ampliamente"). [2] El preludio, que dura aproximadamente un minuto y medio en la interpretación, tiene una duración de trece compases . [2] [8]
El tema de Vittoria también se utiliza (con poco desarrollo) como sujeto de la fuga . Esta sección está en3
4tiempo (tres puntos por compás) y está marcado como " Andante con moto" ("a paso de marcha, con movimiento"). [2] La fuga, que se escribe principalmente en cuatro partes con frecuentes cambios rítmicos, va aumentando gradualmente hasta llegar a un clímax. En el compás 69, se añade una nueva melodía más fuerte en la mano derecha contra el tema de la fuga en los pedales. Gradualmente, la pieza se desvanece en dos partes y ppp ( pianississimo , "muy, muy silenciosamente") mientras las manos izquierda y derecha tocan el tema de la fuga con un compás de diferencia entre sí, en canon . [2] [8] La pieza completa dura unos cinco minutos. [3]
La pieza ha tenido una recepción mixta. Incluso uno de sus partidarios dice que "a los intérpretes no parece gustarles mucho", [4] a pesar de que fue escrita para que "el organista parroquial promedio pudiera tener una buena oportunidad de tocarla". [7]
El músico estadounidense Luther Noss reseñó la pieza cuando fue publicada por Boosey & Hawkes en 1952, afirmando que estaba "bien escrita para órgano" y "notablemente libre" de algunos de los problemas que se encuentran en otra música de órgano moderna. [7] Pensó que daba la impresión de haber sido escrita con el órgano en mente, más bien adaptada de una pieza destinada a otro instrumento, a diferencia de algunas otras obras de órgano contemporáneas. Sin embargo, comentó que el tema brindaba poco interés melódico o rítmico y Britten lo usó, pensó, "no sin una sugerencia de monotonía". [7] Aunque el tema "no es del tipo del que está hecha la gran música", Noss destacó el "emocionante" floreo del pedal en la apertura de la pieza, el atractivo uso de la melodía y la armonía, y los "grandes crescendos y diminuendos persistentes" para mantener al oyente interesado. [7] Otro crítico temprano la describió como "espaciosa", con una fuga "de ninguna manera académica" y un estilo que "sugiere la apreciación de un compositor romántico moderno de los aspectos más austeros de la escuela clásica del órgano". [9] La reseña también señaló que muchos de los acentos marcados en la pieza "parecen incapaces de realización mediante cualquiera de los métodos habituales de sugerir la acentuación del órgano". [9]
Fue incluida en un concierto en St Clement Danes , Londres, en noviembre de 1963, que conmemoraba el quincuagésimo cumpleaños de Britten con interpretaciones de algunas de sus obras menos conocidas. La reseña en The Times elogió el Te Deum en do y las Seis metamorfosis de Ovidio para oboe solo. Sin embargo, sobre la pieza para órgano, el crítico dijo que era "un intento artificial de hacer ladrillos sin paja". [1]
El organista Alan Harverson la describe como "excelente" y destaca su "disposición y texturas ortodoxas", en comparación con la escritura para órgano de Rejoice in the Lamb y el Festival Te Deum (1944). [2] Considera el Preludio como "conciso y majestuoso" y describe el final como "conmovedoramente sereno" con un "canon encantador". [2] El musicólogo y experto en Britten Philip Brett describe la pieza (sin nombrarla) en The New Grove Dictionary of Music and Musicians como una "obra ligera para órgano". [10]
El organista Timothy Bond no está de acuerdo con la "mala prensa" de la pieza y los comentarios "despectivos" que Brett y otros han hecho sobre ella. [4] Según Bond, esta obra "fresca y vital" es "una pieza más fina y lograda de lo que a veces suena en la interpretación". [4] Señala la dificultad de encontrar el mejor registro (no se dan sugerencias de registro [8] ) y el mejor órgano para interpretar la pieza, ya que parece requerir cambios constantes y considerables en el volumen sin cambios en la calidad del tono producido por el órgano, pero también exige "brillo y claridad" neoclásicos , una combinación de requisitos que es difícil de cumplir para los órganos. [4] Sin embargo, en el órgano derecho, Bond dice que la pieza puede sonar "particularmente sorprendente" y "armónicamente audaz y reveladora, aunque ocasionalmente torpe", a medida que avanza a través de pasajes que son "serenos", "espeluznantes", "vigorosos", "nostálgicos" y finalmente "serenos", aunque con una cadencia "más bien pedestre" . [4]
