Candido Portinari (29 de diciembre de 1903 - 6 de febrero de 1962) fue un pintor brasileño. Es considerado uno de los pintores brasileños más importantes, así como un destacado e influyente practicante del estilo neorrealista en la pintura.
Portinari pintó más de cinco mil lienzos, desde pequeños bocetos hasta obras monumentales como los paneles Guerra e Paz , que fueron donados a la Sede de las Naciones Unidas en 1956. Portinari desarrolló una preocupación social a lo largo de su obra y mantuvo una vida activa en el medio cultural brasileño. y los mundos políticos.
Nacido de Giovan Battista Portinari y Domenica Torquato, inmigrantes italianos de Chiampo Vicenza , Véneto , en una plantación de café cerca de Brodowski , en São Paulo . [1] Al crecer en una plantación de café de suelo oscuro y cielo azul, Portinari se inspiró en la tierra que amaba. En la mayoría de sus pinturas, murales y frescos posteriores, utilizó el color azul y muchos marrones y rojos porque ese era el color de su hogar.
Uno de los trabajos de principiante de Portinari fue dibujar fotografías en las que capturó de cerca la imagen exacta usando pinturas y luego ampliando las fotografías. Se vendieron con éxito porque el parecido era asombroso. Portinari luego estudió en la Escola Nacional de Belas Artes (Escuela Nacional de Bellas Artes) en Río de Janeiro. En 1923, 1925 y 1927 Portinari ganó premios en el Salón y en 1928 obtuvo una beca ofrecida por el gobierno brasileño para estudiar en Europa durante tres años. [1] Durante su estancia en Europa, Portinari pintó poco, pero estudió las obras de varios artistas europeos, visitó museos y conoció a su futura esposa, María Martinelli. Regresó a Brasil totalmente decidido a transmitir el verdadero estilo de vida brasileño y capturar el dolor y las luchas de su pueblo a través de su arte. [2]
Tras su regreso, Portinari comenzó a retratar la realidad de Brasil, desde sus bellezas naturales hasta la dura vida de las poblaciones más empobrecidas del país, persiguiendo una fusión de su formación académica con las vanguardias modernistas . Portinari siguió siendo él mismo y no permitió que sus nuevas experiencias y nuevas miradas lo cambiaran. Sus raíces siguieron siendo importantes para él y se esforzó por retratarlas en sus pinturas; el verdadero espíritu brasileño. Quería que el mundo viera la dura realidad de las condiciones de vida en Brasil y la lucha por la supervivencia. Fuerza, trabajo duro, independencia y autenticidad se reflejan en casi cada una de sus obras. [3]
En 1939, Portinari expuso en la Exposición Universal de Nueva York . Al año siguiente, Portinari expuso por primera vez un lienzo en el Museo de Arte Moderno . El ascenso del fascismo en Europa, las guerras y el estrecho contacto con la problemática sociedad brasileña reafirmaron el carácter social de su obra, además de conducirlo al compromiso político.
Ingresó al Partido Comunista Brasileño y se presentó a diputado en 1945 [4] y a senador en 1947, [5] pero tuvo que huir a Uruguay para escapar de la persecución de los comunistas durante el gobierno de Eurico Gaspar Dutra . En 1951, la primera Bienal de Arte de São Paulo dedicó una sala especial a sus obras. Regresó a Brasil al año siguiente, tras una declaración de amnistía general por parte del gobierno. En 1956, después de que las Naciones Unidas hicieran un llamamiento a sus países afiliados para que donaran una obra de arte a la nueva sede de la organización. Brasil designó para la tarea a Portinari, quien tardó cuatro años y alrededor de 180 estudios en completar la pintura. Dag Hammarskjöld , secretario general de la ONU , calificó la obra como "la obra de arte monumental más importante donada a la ONU". [2]
Incluso después de que el médico le advirtiera de los riesgos de las toxinas y el envenenamiento, no se rindió y siguió pintando. Portinari padeció problemas de salud durante la última década de su vida. Murió en Río de Janeiro en 1962 como consecuencia del envenenamiento por plomo de sus pinturas. [2] [ verificación fallida ] [6]
El 20 de diciembre de 2007, su cuadro O Lavrador de Café [7] fue robado del Museo de Arte de São Paulo junto con el Retrato de Suzanne Bloch de Pablo Picasso . [8] Las pinturas permanecieron desaparecidas hasta el 8 de enero de 2008, cuando fueron recuperadas en Ferraz de Vasconcelos por la Policía de São Paulo . Las pinturas fueron devueltas, intactas, al Museo de Arte de São Paulo. [9]
Hubo una serie de actos conmemorativos en el centenario de su nacimiento en 2003, incluida una exposición de su obra en Londres.
Las obras de Portinari comprenden una fuerte voluntad de representar al pueblo brasileño y sus características. El propio Portinari dijo que "pintaría a ese pueblo con esa ropa y ese color". Según Antonio Callado , la obra de Portinari constituye un "libro de arte monumental que enseña a los brasileños a amar más su tierra". [2]
Portinari fue capaz de trascender su formación académica original al experimentar y absorber técnicas y estilos modernistas , que crearon fundamentalmente su personalidad pictórica. La variedad y amplitud de su producción incluye pinturas que representan trabajadores rurales y urbanos, refugiados que huyen de las dificultades del noreste rural de Brasil; y, a pesar de estos aspectos importantes y más conocidos de su obra, tratamientos de los acontecimientos clave de la historia de Brasil desde la llegada de los portugueses en 1500, imágenes de la infancia, retratos de miembros de su familia y destacados intelectuales brasileños, ilustraciones para libros. y azulejos que decoran la Iglesia de São Francisco en Pampulha , Belo Horizonte .
Su carrera coincidió e incluyó la colaboración con Oscar Niemeyer, entre otros. Las obras de Portinari se pueden encontrar en galerías y escenarios de Brasil y del extranjero, desde la capilla familiar en la casa de su infancia en Brodowski hasta sus paneles Guerra e Paz ( Guerra y Paz ) en el edificio de las Naciones Unidas en Nueva York y cuatro murales en el Museo Hispánico. Sala de lectura de la Biblioteca del Congreso en Washington, DC. [10]
Como se mencionó anteriormente, Candido Portinari provenía de una familia de inmigrantes pobres. [11] Esto le permitió tener una perspectiva única sobre la cultura brasileña y lo que significaba ser verdaderamente brasileño. Esto es importante porque fue un artista destacado durante la época del modernismo brasileño. [12] Como tal, su perspectiva dio una visión más orgullosa y digna de los trabajadores en ese momento. Mientras otros artistas como Lasar Segall con Bananal y Tarsila do Amaral con Trabajadores ofrecieron una imagen de los trabajadores que quitó personalidad y anonimizó a cada individuo, Portinari hizo todo lo contrario. Por ejemplo, en su cuadro El mestizo , pinta un personaje que luce fuerte, competente y noble. Con esto demuestra que los trabajadores no estaban quebrantados. En cambio, eran orgullosos e independientes. Portinari utilizó su cultura y experiencia de vida para contribuir a la explicación de lo que es Brasil con un estilo distintivo.
En Cacao (1938) Portinari representa a los trabajadores de las plantaciones de café. Se ve a una mujer en la parte de atrás balanceando una caja sobre su cabeza y hay un niño en la pintura. Esto pretendía significar que los niños también estuvieron presentes durante este arduo trabajo y se les animó a ayudar a los padres. Se entregaba tierra a las familias a cambio de su trabajo en las plantaciones, donde cuidaban su parte. Aquí también se incluye el uso de azules y naranjas para capturar verdaderamente la importancia de Brasil, que era el deseo de Portinari. Esta obra de arte fue descrita diciendo "Brasil está siendo rescatado de la oscuridad por el 'Café Portinari'". [13]
El Café (Museo Nacional de Bellas Artes, 1935) representa a los trabajadores fuertes e ingeniosos. Sus grandes manos y pies demuestran que eran fuertes y no temían el trabajo duro. [13] La gente trabajó junta para preservar sus tierras y sobrevivir. Esta pintura también es una gran representación del “realismo” debido a cómo captura a su gente con cuerpos cortos, cabezas más redondas y los tonos marrones y rojos de la tierra.
En El mestizo (1934) intenta presentar no sólo un retrato sino un tipo individual de persona. [14] Portinari muestra que los trabajadores brasileños eran duros y orgullosos de su trabajo porque al fondo de los mestizos se ven los campos y todo su arduo trabajo; su postura orgullosa refleja confianza y fuerza.
Guerra y Paz (Guerra e Paz; Palacio Gustavo Capanema en Río de Janeiro; 1952-56) fue un mural creado cuando las Naciones Unidas pidieron a Brasil que donara una obra de arte. Portinari creó dos murales para mostrar la guerra, la agonía, el miedo y el dolor que mostraban cómo el pueblo sufrió y fue afectado durante la guerra. Su uso de tonos azules en Guerra creó un contraste entre los amarillos más claros en Paz . El segundo estaba destinado a expresar paz y felicidad. Bento Antonio en su libro Portinari , describe esta obra como “una especie de visión inocente del paraíso”. Con este mural, también pretendía conectar diferentes grupos raciales y mostrar la paz entre la variedad de individuos. Había una gran variedad de etnias que vivían en Brasil en esa época. Sus obras estaban destinadas a crear un puente entre los individuos multiculturales. Esta obra está ubicada en el edificio de la Asamblea General de las Naciones Unidas en Nueva York, que fue creado en recuerdo de la Segunda Guerra Mundial y sus horrores. Estaba destinado a parecerse a algo que nunca debería volver a ocurrir. Aquí, los visitantes vienen siendo testigos de un epítome de la guerra y se van dándose cuenta de que la paz es realmente alcanzable. [15] Guerra e Paz es la síntesis de toda una vida comprometida con el ser humano. Su pintura, al igual que sus opiniones políticas militantes, hablaba contra la injusticia, la violencia y la miseria en el mundo, según el hijo del artista, João Candido Portinari . [dieciséis]
En la Fundación Hispana de la Biblioteca del Congreso de Washington DC se encuentran cuatro murales que Portinari realizó en 1941 representando las luchas de los hispanoamericanos. Descubrimiento de la tierra, Entrada al bosque, Enseñanza de los indios y Descubrimiento del oro pretenden representar la llegada de los españoles y portugueses a América y le llevó dos meses completarlo con la ayuda de su hermano Luiz. El Descubrimiento de la Tierra pretende mostrar a los marineros comunes que navegaban en los barcos. Entrada al bosque es una “reminiscencia de los frescos” donde tampoco deja de captar su estilo de agrandar los brazos y piernas de las figuras para mostrar su fuerza. En La Enseñanza de los indios, Portinari intenta crear una escena de un sacerdote o “padre jesuita” español con los indios y una evidente unidad. También la presencia del suelo rojo brasileño. En el último mural, Descubrimiento del oro, el artista elige pintar solo un barco y personas específicas para representar que habían encontrado oro. El gobierno brasileño pagó para que Portinari viajara a Washington para crear los murales y representar a su país. [17]
Portinari dijo una vez: “Soy el Hijo de la Tierra Roja. Decidí pintar la realidad brasileña, desnuda y cruda como es”. [18] La vida en Brasil no fue fácil para Portinari, especialmente considerando que nunca fue rico, pero su deseo de mostrar pruebas de esta realidad es evidente en todas sus obras de arte. Las malas viviendas, la nutrición inadecuada, la falta de educación, el escaso o nulo acceso a la atención médica y diversas enfermedades crearon situaciones desesperadas para el pueblo brasileño que luchaba por sobrevivir. Esto llevó a Portinari al deseo de crear conciencia global sobre el dolor humano que intentó representar en casi todas las pinturas.
Portinari también influyó mucho en la futura generación brasileña de artistas, músicos, poetas y compositores. Después de haber viajado mucho por Europa, estudiando su arte, su técnica y sus estilos, regresó a Brasil con la esperanza de crear su método personal e interpretar su propio estilo. En lugar de seguir imitando la apariencia europea, Portinari pintó lo que vivió y su vida. Las obras de Portinari instaron a los artistas emergentes a buscar su propio estilo único, particular para sus vidas, experiencias y realidad en su país. Esta es también otra razón por la que los azules, rojos y naranjas se usaban con tanta frecuencia en su arte; los colores de su tierra natal. [19]
El Proyecto Portinari, iniciado en 1979, está dedicado a Candido Portinari por su hijo Joao Candido para revivir sus obras, hacerlas más conocidas y preservar la historia. Su hijo no solo pudo localizar más de 5.000 pinturas, sino que también encontró miles de dibujos, bocetos y documentos relacionados con la vida, los viajes y las interacciones de Portinari. [2] El Catálogo Razonado de la obra completa de Portinari se publicó en 2004. Fue el primer Catálogo Razonado que abarca la obra completa de un pintor latinoamericano. El “Projeto Portinari” también fue curador de la primera exposición retrospectiva de la obra de Portinari, en el “Museu de Arte de São Paulo – MASP”, en 1997.
Al artista está dedicada 'Un son para Portinari', de Nicolás Guillén y Horacio Salinas, célebre interpretación de Mercedes Sosa . El nombre de Cándido Portinari sigue viéndose hoy en día. Rodovia Candido Portinari es una carretera estatal ubicada en Brasil en São Paulo. [ cita necesaria ]
Pinturas y murales
