Pietro Longhi (5 de noviembre de 1701 [1] - 8 de mayo de 1785) fue un pintor veneciano de escenas de género contemporáneas .
Pietro Longhi nació en Venecia en la parroquia de Santa María, primogénito del platero Alessandro Falca y su esposa, Antonia. Adoptó el apellido Longhi cuando comenzó a pintar. Inicialmente fue alumno del pintor veronés Antonio Balestra , quien luego recomendó al joven pintor que hiciera de aprendiz con el boloñés Giuseppe Maria Crespi , [2] [3] que era muy apreciado en su época tanto por la pintura religiosa como por la de género y que estaba influenciado por la obra de los pintores holandeses. Longhi regresó a Venecia antes de 1732. Se casó en 1732 con Caterina Maria Rizzi, con quien tuvo once hijos (solo tres de los cuales llegaron a la mayoría de edad).
Entre sus primeras pinturas se encuentran algunos retablos y temas religiosos. Su primera obra importante documentada fue un retablo para la iglesia de San Pellegrino en 1732. En 1734, completó frescos en las paredes y el techo del salón de Ca' Sagredo , que representan la Muerte de los gigantes . A finales de la década de 1730, comenzó a especializarse en las obras de género de pequeña escala que lo llevarían a ser visto en el futuro como el William Hogarth veneciano , pintando temas y eventos de la vida cotidiana en Venecia. Las escenas de interiores galantes de Longhi reflejan el giro del siglo XVIII hacia lo privado y lo burgués , y fueron extremadamente populares.
Muchas de sus pinturas muestran a venecianos jugando, como la representación de la multitud de ciudadanos gentiles que miran boquiabiertos a un extraño rinoceronte indio . Esta pintura, expuesta en la National Gallery de Londres , narra la historia de Clara, la rinoceronte traída a Europa en 1741 por un capitán de barco holandés y empresario de Leyden , Douvemont van der Meer. Este rinoceronte se exhibió en Venecia en 1751. [4] Hay dos versiones de esta pintura, casi idénticas excepto por los retratos sin máscara de dos hombres en la versión de Ca' Rezzonico . [5] En última instancia, puede haber un chiste en la pintura, ya que el joven de la izquierda sostiene en alto el cuerno recortado (metáfora de la infidelidad ) del animal. Quizás esto explique la diferencia entre las mujeres sin acompañante.
Otras pinturas narran las actividades diarias, como los salones de juego ( Ridotti ) que proliferaron en el siglo XVIII. [6] Casi la mitad de las figuras en sus pinturas de género no tienen rostro, ocultas detrás de máscaras de carnaval veneciano . [7] En algunas, la postura y circunstancia inseguras o ingenuas, la delicadeza de las personas como de marionetas, parecen sugerir una perspectiva satírica de los artistas hacia sus sujetos. Que esta cualidad de marioneta era una presunción intencional por parte de Longhi está atestiguada por la hábil representación de las figuras en sus primeras pinturas históricas y en sus dibujos. [8] Los numerosos dibujos de Longhi , típicamente en tiza negra o lápiz realzados con tiza blanca sobre papel de color, a menudo se hacían por sí mismos, más que como estudios para pinturas.
En la década de 1750, Longhi, como Crespi antes que él, recibió el encargo de pintar siete lienzos que documentaran los siete sacramentos católicos . Estos se encuentran ahora en la Pinacoteca Querini Stampalia junto con sus escenas de caza ( Caccia ).
A partir de 1763, Longhi fue director de la Academia de Dibujo y Talla. A partir de este período, comenzó a trabajar extensamente con el retrato , y fue asistido activamente por su hijo, Alessandro . Longhi murió el 8 de mayo de 1785, después de una corta enfermedad. [9]
Otros artistas contemporáneos italianos, como Gaspare Traversi y Giuseppe Maria Crespi , produjeron lienzos de género célebres . Longhi no solo había abandonado el mundo de la gran mitología de la historia que a menudo atraía a la nobleza veneciana, sino que también se había instalado en su presente íntimo, como pocos pintores en Venecia lo habían hecho jamás. Si Canaletto y Guardi son nuestra ventana a los rituales externos de la república, Longhi es nuestra ventana a lo que sucedía en el interior de las habitaciones. El crítico Bernard Berenson afirma que: [10]
Longhi pintó para los venecianos amantes de la pintura sus propias vidas en todas sus fases domésticas y de moda. En las escenas de peluquería, oímos los chismes del barbero con peluca; en las escenas de costura, el parloteo de la criada; en la escuela de baile, la agradable música del violín. No hay ninguna nota trágica en ninguna parte. Todo el mundo se viste, baila, hace reverencias, toma café, como si no hubiera nada más en el mundo que hacer. Un tono de alta cortesía, de gran refinamiento, unido a una alegría omnipresente, distingue los cuadros de Longhi de las obras de Hogarth, a la vez tan brutales y tan llenas de presagios de cambio.
En numerosas pinturas, Longhi representa figuras enmascaradas que participan en diversos actos, desde juegos de azar hasta coqueteos. Por ejemplo, en el primer plano de la pintura de Longhi El encuentro del procurador y su esposa hay una mujer que es recibida por un hombre que se presume es su esposo. El escenario es un tipo de lugar de reunión, generalmente para que las personas enmascaradas participen en asuntos privados, como encuentros románticos. [11] La mujer y su esposo están desenmascarados, pero a la izquierda, una mujer sentada se desenmascara para dirigirse a un hombre enmascarado que se inclina sobre su hombro. Este acto puede sugerir que la máscara Moretta de la mujer, que carece de una abertura para la boca, requiere que se desenmascare para poder hablar; otra interpretación es que la mujer está lo suficientemente interesada en el hombre enmascarado como para quitarse la máscara para revelarle su verdadera identidad. [ ¿ Investigación original? ]
En El charlatán (1757), el charlatán queda relegado a un segundo plano, de pie sobre una mesa rodeado de mujeres que lo admiran y de un niño. En primer plano, una mujer enmascarada parece juguetear con su abanico y mirar con picardía a un hombre enmascarado que levanta parte de su vestido. Hay una sensación de dualidad, ya que el acontecimiento cotidiano del hombre sobre la mesa se contrasta con la realidad de la vida veneciana representada por la pareja que se da un gusto; esto es similar a la dualidad de la máscara que utilizan sus personajes para ocultarse físicamente, pero para exponer sus deseos inconscientes.
En El Ridotto en Venecia (hacia 1750), Longhi representa una de las principales salas de juego de Venecia. La escena está llena de figuras enmascaradas y desenmascaradas. El punto focal de esta obra representa una escena ahora familiar de una mujer tímida y un hombre agresivo que le levanta el vestido. Repitiendo las figuras de la pareja coqueta, Longhi muestra el Ridotto como un lugar donde la élite social, que no exhibiría tal comportamiento en público ni sin máscara, abandonaría todas las inhibiciones y perseguiría sus verdaderos deseos.
Chisholm, Hugh , ed. (1911). . Encyclopædia Britannica (11.ª ed.). Cambridge University Press.
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