Dreimal sieben Gedichte aus Albert Girauds "Pierrot lunaire" ("Tres veces siete poemas del 'Pierrot lunaire ' de Albert Giraud "), comúnmente conocido simplemente como Pierrot lunaire , Op. 21 (" Pierrot hechizado" o "Pierrot a la luz de la luna"), es un melodrama de Arnold Schoenberg . Es una versión de 21 poemas seleccionados delde Albert Giraud del mismo nombre traducido al alemán por Otto Erich Hartleben . La obra está escrita para recitador (tipo de voz no especificado en la partitura, pero tradicionalmente interpretado por una soprano ) que recita los poemas en elestilo Sprechstimme acompañado por un pequeño conjunto instrumental. Schoenberg había utilizado anteriormente una combinación de texto hablado con acompañamiento instrumental, llamado "melodrama", en la narrativa de viento de verano de los Gurre-Lieder , [1] que era un estilo musical de moda popular a fines del siglo XIX. [2] Aunque la música es atonal , no emplea la técnica dodecafónica de Schoenberg , que no utilizó hasta 1921.
Pierrot lunaire es una de las obras más celebradas y frecuentemente interpretadas de Schoenberg. Su instrumentación ( flauta , clarinete , violín , violonchelo y piano con doblajes estándar y en este caso con la incorporación de un vocalista) es un conjunto importante en la música clásica de los siglos XX y XXI y se lo conoce como conjunto Pierrot .
La pieza se estrenó en el Berlin Choralion-Saal el 16 de octubre de 1912, con Albertine Zehme como vocalista. Una interpretación típica dura alrededor de 35 a 40 minutos. El estreno estadounidense tuvo lugar en el Klaw Theatre , en Broadway , Nueva York, el 4 de febrero de 1923 como parte de una serie de conciertos organizados por el International Composers' Guild . [3]
La obra se originó a partir de un encargo de Albertine Zehme, ex actriz, para un ciclo para voz y piano, ambientado en una serie de poemas del escritor belga Albert Giraud . Los versos habían sido publicados por primera vez en 1884 y posteriormente traducidos al alemán por Otto Erich Hartleben . Zehme había interpretado previamente un «melodrama» del compositor Otto Vrieslander basado en los poemas traducidos. Pero, según Eduard Steuermann , alumno de Schoenberg y pianista del estreno, «la música no era lo suficientemente fuerte, y alguien le aconsejó que se acercara a Schoenberg». [4]
Schoenberg comenzó a trabajar el 12 de marzo y completó la pieza el 9 de julio de 1912, habiendo ampliado las fuerzas a un conjunto formado por flauta (doblando en flautín ), clarinete en la (doblando en clarinete bajo y clarinete en si ♭ ), violín (doblando en viola ), violonchelo y piano .
Después de cuarenta ensayos, Schoenberg y Zehme ( vestidos de Columbine ) dieron el estreno en el Choralion-Saal de Berlín el 16 de octubre de 1912. Las reacciones fueron variadas. Según Anton Webern , algunos en el público silbaban y reían, pero al final "fue un éxito rotundo". [5] Según la testigo presencial Salka Viertel , hermana del pianista del estreno Eduard Steuermann ,
Cuando apareció con un disfraz de Pierrot, con el rostro pintado y asustado enmarcado por una gorguera y los tobillos envejecidos en medias blancas, fue recibida por un murmullo ominoso del público. Uno no podía dejar de admirar su coraje, mientras pasaba de poema en poema, haciendo caso omiso de los silbidos, abucheos e invectivas insultantes que le gritaban a ella y a Schoenberg. También hubo ovaciones fanáticas de la generación joven, pero la mayoría estaban indignadas. Un virtuoso conocido, con el rostro morado de rabia, gritó: "Dispárenle. Dispárenle", refiriéndose a Schoenberg, no al pobre e intrépido Pierrot. [6]
Hubo algunas críticas de blasfemia en los textos, a lo que Schoenberg respondió: "Si fueran musicales, a nadie le importaría un bledo la letra. En cambio, se irían silbando las melodías". [7]
Pierrot lunaire consta de tres grupos de siete poemas. En el primer grupo, Pierrot canta al amor , al sexo y a la religión ; en el segundo, a la violencia , al crimen y a la blasfemia ; y en el tercero, a su regreso a Bérgamo , con su pasado atormentándolo.
Schoenberg, que estaba fascinado por la numerología , también hace un gran uso de motivos de siete notas a lo largo de la obra, mientras que el conjunto (con director ) está formado por siete personas. La pieza es su opus 21, contiene 21 poemas y fue comenzada el 12 de marzo de 1912. Otros números clave en la obra son el 3 y el 13: cada poema consta de 13 líneas (dos versos de cuatro líneas seguidos de un verso de cinco líneas), mientras que la primera línea de cada poema aparece tres veces (se repite como líneas 7 y 13).
Aunque está escrito en un estilo libremente atonal , Pierrot lunaire utiliza una variedad de formas y técnicas clásicas, incluyendo el canon , la fuga , el rondó , la passacaglia y el contrapunto libre .
Las combinaciones instrumentales (incluyendo los doblajes) varían entre la mayoría de los movimientos. El conjunto completo se utiliza sólo en los números 6, 11, 14, 15 (final), 16, 18, 19 (final), 20 y 21. [8] El musicólogo Alan Lessem afirma sobre la obra que "en general, las texturas instrumentales tienden a hacerse más completas a medida que avanza la obra" y que, en general, "el piano es el protagonista [instrumental] principal de los melodramas". [9]
El poema es una versión alemana de un rondó del antiguo tipo francés con un estribillo doble . Cada poema consta de tres estrofas de 4 + 4 + 5 líneas, con las dos primeras líneas de la primera estrofa (1,2) repetidas como las dos últimas líneas de la segunda estrofa (7,8), y la línea 1 repetida adicionalmente (13) para cerrar la tercera estrofa y el poema. El primer poema se muestra a continuación.
Los ajustes atonales y expresionistas del texto, con sus ecos del cabaret alemán , dan vida a los poemas de forma vívida. Sprechstimme [11] es un estilo en el que el vocalista utiliza los ritmos y tonos especificados pero no mantiene los tonos, permitiéndoles bajar o subir, a la manera del habla . Schoenberg describe la técnica en un prólogo a la partitura:
La melodía que se presenta en notación en la parte vocal (con algunas excepciones especialmente indicadas) no está destinada a ser cantada. El intérprete tiene la tarea de transformarla en una melodía hablada [ Sprechmelodie ], teniendo en cuenta cuidadosamente las alturas prescritas. Lo logra de la siguiente manera:
- adhiriéndose al ritmo con tanta precisión como si estuviera cantando; es decir, sin más libertad que la que se permitiría si se tratara de una melodía cantada;
- El intérprete debe tener muy en cuenta la diferencia entre el tono cantado y el tono hablado : el tono cantado mantiene inalterado el tono; el tono hablado lo indica, pero inmediatamente lo abandona, bajando o subiendo. Pero el intérprete debe tener mucho cuidado de no caer en un patrón de habla cantada. Esto no es en absoluto lo que se pretende. El objetivo no es en absoluto un habla realista y natural. Por el contrario, debe quedar clara la diferencia entre el habla ordinaria y el habla que colabora en una forma musical. Pero tampoco debe hacer pensar en el canto.
Además, sobre el rendimiento hay que decir lo siguiente:
La tarea del intérprete no consiste en extraer el estado de ánimo y el carácter de las piezas individuales del significado de las palabras, sino siempre exclusivamente de la música. En la medida en que la representación tonal de los acontecimientos y sentimientos del texto fuera importante para el compositor, la encontrará de todos modos en la música. Allí donde el intérprete no la encuentre, deberá resistirse a añadir algo que el compositor no pretendía. Si lo hiciera, no estaría añadiendo, sino quitando.
— Arnold Schoenberg [traducción al inglés de Stanley Appelbaum] [12]
En la partitura, la Sprechstimme se indica con pequeñas equis que atraviesan las plicas de las notas. Aunque la Sprechstimme se utiliza a lo largo de toda la pieza, Schoenberg también indica ocasionalmente que ciertos pasajes deben cantarse ( gesungen ).
Entre las grabaciones notables de esta composición se incluyen:
El propio Arnold Schoenberg realizó grabaciones de prueba de la música con un grupo de músicos de Los Ángeles, casi todos inmigrantes europeos, del 24 al 26 de septiembre de 1940. Estas grabaciones fueron finalmente lanzadas en LP por Columbia Records en 1949, y reeditadas en 1974 en el sello Odyssey. [13]
La cantante de jazz Cleo Laine grabó Pierrot lunaire en 1974. Su versión fue nominada a un premio Grammy de música clásica . Otra cantante de jazz que ha interpretado la pieza es Sofia Jernberg , que la cantó con Norrbotten NEO . [ cita requerida ]
La estrella del avant-pop Björk , conocida por su interés en la música de vanguardia, interpretó Pierrot lunaire en el Festival de Verbier de 1996 con Kent Nagano dirigiendo. Según la cantante en una entrevista de 2004, "Kent Nagano quería hacer una grabación de la canción, pero realmente sentí que estaría invadiendo el territorio de las personas que cantan esto durante toda su vida [ sic ]". [14] [15] Solo se han publicado pequeños extractos grabados (posiblemente piratas ) de su interpretación.
La mezzosoprano estadounidense Mary Nessinger ha interpretado Pierrot lunaire extensamente con organizaciones como la Chamber Music Society del Lincoln Center , Chamber Music Northwest y Sequitur en lugares como Alice Tully Hall y Weill Recital Hall en el Carnegie Hall . [16] [17] [18]
En marzo de 2011, Bruce LaBruce dirigió una representación en el teatro Hebbel am Ufer de Berlín. Esta interpretación de la obra incluía diversidad de género, escenas de castración y consoladores, así como un Pierrot transgénero de mujer a hombre. Posteriormente, LaBruce filmó esta adaptación como la película de 2014 Pierrot lunaire . [19]
El quinteto de instrumentos utilizado en Pierrot lunaire se convirtió en el conjunto central de The Fires of London , que se formó en 1965 como "The Pierrot Players" para interpretar Pierrot lunaire , y continuó realizando conciertos con un variado repertorio clásico y contemporáneo. Este grupo interpretó obras arregladas para estos instrumentos y encargó nuevas obras especialmente para aprovechar los colores instrumentales de este conjunto, hasta que se disolvió en 1987. [20]
A lo largo de los años, otros grupos han seguido utilizando esta instrumentación de forma profesional (los grupos actuales incluyen Da Capo Chamber Players , [21] eighty blackbird [22] y el grupo contemporáneo finlandés Uusinta Lunaire [23] ) y han construido un amplio repertorio para el conjunto.