Nene Humphrey (nacida el 18 de marzo de 1947) es una artista multidisciplinaria radicada en Nueva York. Su trabajo ha sido comparado con el de Kiki Smith , [1] Janine Antoni , [2] Petah Coyne , [3] y Louise Bourgeois . [1] Vive y trabaja en Nueva York desde 1978. El trabajo de Humphrey explora el cuerpo, la pérdida, la neurociencia de la emoción y la belleza inherente a ambos. La integración del arte y la ciencia es fundamental para la práctica artística de Humphrey, que a menudo toma la forma de proyectos iterativos basados en la investigación.
En la década de 1980, Humphrey se hizo conocida por sus esculturas realizadas con cera, yeso, madera y armazones de alambre que hacían referencia al cuerpo sin rehacerlo. Después de una lesión en la espalda en 1980 que la dejó incapacitada, Humphrey comenzó a hacer dibujos y una serie de estructuras escultóricas con columnas similares a espinas dorsales. Estas obras exploran las tensiones entre el interior y el exterior, lo físico y lo psicológico. [1]
Su inmediatez y su tacto a menudo dan como resultado texturas similares a la piel, creadas mediante procesos intensamente repetitivos que muestran la mano del artista. Las esculturas de Humphrey hacen referencia a la severidad formal del minimalismo , al mismo tiempo que lo examinan críticamente, estableciendo comparaciones con escultores posminimalistas como Eva Hesse . [4]
Las obras de su serie Breathing Wall for Vesalius (1985-86) presentan una interpretación abstracta y táctil de las representaciones feministas del cuerpo. [5] Estas esculturas de pared contrastan alambres rígidos y estructuras más blandas similares a vasos, exponiendo la “...dicotomía entre los componentes opuestos de su propio cuerpo: la estructura de soporte rígida y dura de su espalda (columna vertebral) por un lado, y los músculos relativamente blandos y flexibles [por el otro]”. [6] Estas esculturas abstractas aluden a los procesos corporales y a la forma humana y están directamente influenciadas por ellos. Una observación atenta de estas obras revela texturas que van desde suaves a irregulares, un efecto de erosión de la superficie y “literalmente de cicatrización o herida de la forma”. [1]
Este período estableció el interés temprano de la artista en los procesos neurobiológicos y emocionales de la memoria que influirían en sus obras posteriores. [1]
En la década de 1990, las inclinaciones feministas y táctiles de Humphrey se transformaron en un interés por las artesanías domésticas . En concreto, la conexión entre las huellas que deja el cuerpo y sus marcas recíprocas en actos como coser, fregar, barrer y trenzar. Como señaló Nancy Princenthal en un ensayo para el catálogo de 1996, “…todo en la obra de Humphrey se centra en la tactilidad, comenzando por el trabajo manual y dando lugar a una especie poetizada de objetos manuales”. [7]
A partir de 1994, Humphrey realizó una serie de obras en colaboración con su madre, una ama de casa de cuyo trabajo doméstico “poco heroico” Humphrey anteriormente “se había sentido desconectada”. [8] Al aceptar una oferta de ayuda en su estudio durante una de las visitas de su madre, Humphrey se dio cuenta de la relación entre su práctica y su formación con su madre durante la infancia. [8]
Incluyen cucharas hechas a mano con cobre cortado y martillado que se cuelgan en elaboradas esculturas colgantes que se asemejan a móviles o cadenas. [7] En colaboración con la madre de la artista para hacer Mother's Spoons, Humphrey daba forma a las cucharas en celulósico y luego se las pasaba a su madre para que las modificara con alambre. Las líneas resultantes imitan los movimientos de las manos al realizar tareas domésticas como revolver, doblar o amamantar. [8]
Para Humphrey, la forma de la cuchara simboliza una extensión de la mano a través de una herramienta sencilla. Representar el acto de alimentar a los demás hace referencia al sustento, el cuidado y la supervivencia. [9]
Humphrey continuó trabajando con su madre y su familia en la serie A Wild Patience , que incluía obras realizadas a partir de una amalgama de manos fundidas en celulósico. [8] En Genealogy, la artista hizo moldes de las manos de su familia inmediata: su madre, su padre, su hermana, su hermano y ella misma. Estos objetos no son réplicas perfectas del cuerpo, sino más bien representaciones ambiguas. Después de ser moldeados, se lijan y se queman, lo que da como resultado un estado casi fosilizado. [8]
Las manos en A Wild Patience están hechas de la misma manera, pero están “compuestas por cinco activaciones en las manos de la madre de Humphrey, cada una de las cuales se refiere a una actividad doméstica específica”. [8] El título de la obra está tomado del poema “Integridad” de Adrienne Rich y hace referencia a la tenacidad y humildad que requieren el cuidado y las tareas del hogar. [10]
En 1999, el Museo de Arte de Katonah encargó a Humphrey la creación de una obra específica para el lugar que continuara su interés por las manos como representación del trabajo. En el jardín del museo, la artista creó cinco cajas de cobre que semejaban canteros y luego las llenó con manos abstractas de terracota moldeadas por el personal del museo, sus simpatizantes y sus voluntarios. [11]
La serie Loculus de Humphrey continuó el interés del artista por el cuerpo y la investigación científica a través de la repetición meditativa. Las obras Loculus consisten en masas de discos rojos cosidos a mano fijados a la pared o a estructuras en pie mediante hilos. Como señaló Ken Johnson en The New York Times en 2001, las obras tienen una apariencia biológica: sus “…discos rojos cosidos a mano agrupados como pétalos de rosa o glóbulos sanguíneos…” [12]. Las obras de la serie Loculus de Humphrey se incluyeron en Site and Insight, comisariada por Agnes Gund en el MoMA PS1 en 2003. [13]
Desde 2005, Humphrey ha sido artista residente en el Laboratorio de Neurociencia LeDoux de la Universidad de Nueva York , donde colabora con el Dr. Joseph LeDoux y su equipo. [14] Humphrey "quería encontrar formas no solo de hacer preguntas sobre nuestras emociones y cómo el cerebro procesa esas emociones, sino también visualizar y explorar conceptualmente esa información en el trabajo". [15] Con un enfoque en la neurociencia de las emociones y la amígdala , la investigación de Humphrey en el laboratorio ha dado como resultado dibujos, videos y grabaciones de audio que a menudo culminan en instalaciones y performances. [16] Estas obras incluyen dibujos creados utilizando un microscopio equipado con una cámara lúcida , [17] grabaciones de sonido de la actividad neuronal y las propias resonancias magnéticas del artista . [18]
La colaboración entre disciplinas se ha vuelto cada vez más importante en la práctica de Humphrey. Entre sus colaboradores se incluyen la directora Mallory Catlett, los músicos Roberto Carlos Lange , Matana Roberts , Zibuokle Martinaityte , Anaïs Maviel, la violonchelista Clare Monfredo y el diseñador de video y sonido Simon Harding.
Tras la muerte de su marido en 2006, [19] Humphrey se embarcó en un proyecto multidisciplinario que reflexionaba sobre el proceso psicológico del duelo y su índice fisiológico en el cerebro del doliente, titulado Circling the Center . Inspirado en la práctica victoriana del trenzado de duelo , este conjunto de trabajos traza paralelismos formales entre los patrones que crea el ritual del trenzado y los dibujos de la amígdala de Humphrey. [15] Para combatir el aislamiento del duelo y devolver la práctica a sus raíces comunitarias, Humphrey desarrolló una serie de instalaciones y performances multimedia que incorporan todos sus intereses de investigación. [15]
Su primera iteración debutó en la galería Lesley Heller en 2009 bajo el título The Plain Sense of Things (El sentido llano de las cosas ), una instalación que incluía esculturas de alambre trenzado en la pared. Sobre los múltiples niveles de emoción que afrontaba la exposición, el crítico del New York Times Holland Cotter escribió: “El orden y el caos se enfrentan aquí; el territorio trazado es a la vez global… y microscópico”. [20]
De 2009 a 2017, Humphrey realizó varias iteraciones de Circling the Center como performance, invitando al público a participar en un acto comunitario de recuerdo. Estas performances incluyeron un círculo de trenzadores, formando alambre de acuerdo con instrucciones tradicionales que se cantaban en voz alta. Su ritual se amplificó con imágenes de películas, resonancias magnéticas animadas, video en vivo y sonidos grabados como las canciones de ratas de laboratorio y metrónomos. [15] Estas performances se basan en la colaboración entre Humphrey y Roberto C. Lange, Zoe FitzGerald, Capucine Gros y Noah Hoffeld. [15] Estas colaboraciones multimedia caracterizan el trabajo reciente de Humphrey y colocan al artista en lo que Cristina Albu denominó "... el papel de [un] orquestador oculto de un drama que trasciende la tragedia individual". [14]
Exhibida en la galería Lesley Heller en 2018, Transmission retrata “un momento en el que el ritual del trenzado ha terminado pero el proceso de duelo permanece, tanto en los objetos físicos del ritual como en el espacio nebuloso del cerebro”. [21]
La exposición incluyó una instalación que ritualizaba el sistema de trenzado que Humphrey había utilizado en Circling the Center , que incluía imágenes de video de las actuaciones y una mesa de trenzado vacía. Hay mesas laterales que muestran los materiales utilizados en el proceso de tejido, incluidos carretes y los distintos calibres de alambre empleados en la versión de Humphrey de la práctica. [22]
Una segunda iteración de Transmissio n que incorporó una grabación de sonido del poema “If You Were to Peer into the Mourner's Skull” de Tom Sleigh se mostró en la Elizabeth Foundation for the Arts en 2019, como parte de In the Presence of Absence, curada por Jillian Steinhauer.
Desde 2020, Humphrey ha comenzado a trabajar con el complejo y emocional paisaje de los sueños. Inspiradas por un sueño que tuvo la artista de aprender a cantar en la iglesia familiar de su difunto esposo en la zona rural de Georgia , estas obras exploran el papel de los sueños en la salud y el bienestar psicológicos. [23] Al igual que en Circling the Center, Humphrey se interesó en los efectos emocionales y biológicos de la práctica comunitaria, en este caso, el canto.
La edición de 2023 que se exhibe en Catskill Art Space en Livingston Manor, Nueva York , incorpora instalaciones de los dibujos de pergaminos de Humphrey con fotografías e imágenes de video de la amígdala microscópica con la que la artista ha estado trabajando en el laboratorio LeDoux. En Searching (2021-2022), Humphrey muestra estos videos en cajas de aspecto científico junto con lupas, recreando para el espectador el proceso óptico del que ha estado dibujando durante quince años. [24]
A lo largo de la instalación, una banda sonora repetitiva y en capas, escrita y grabada por Matana Roberts, evoca llamadas y respuestas , aprovechando los circuitos de retroalimentación emocional y biológica que se muestran. Según Christina Albu, This Like A Dream Keeps Other Time “estimula la conciencia de los ritmos interrelacionados de los sonidos, las ondas cerebrales y las fluctuaciones afectivas. La conciencia de estas consonancias, que por lo general permanecen bajo el radar, puede ofrecernos un camino hacia la curación a través de la autotransformación y la comunión”. [24]
Humphrey ha recibido el premio Watermill Foundation (2021), la beca de la Fundación Brown en la Casa Dora Maar (2019, 2009), la beca de la Fundación Agnes Gund (2016, 2010), la beca MacDowell Colony (2011, 2008, 1978), la beca de investigación para artistas del Instituto Smithsonian (2007), el premio Anonymous Was a Woman (1999), la beca de la Fundación Rockefeller (1986) y la beca para artistas del Fondo Nacional para las Artes (1983).
Museo de Bellas Artes de Houston
Colección de dibujos de Herb y Dorothy Vogel
Centro de Arte Contemporáneo Wilfredo Lam