Petah Coyne (nacida en 1953) es una escultora y fotógrafa estadounidense contemporánea, mejor conocida por sus esculturas colgantes de gran y pequeña escala e instalaciones de suelo. [2] Trabajando con materiales innovadores y dispares, sus medios han variado de lo orgánico a lo efímero, desde la incorporación de peces muertos, barro, palos, heno, cabello, arena negra, cera especialmente formulada y patentada, cintas de raso, flores de seda, hasta más recientemente, terciopelo, taxidermia y estatuas de cera fundida. [2] [3] Las esculturas y fotografías de Coyne han sido objeto de más de 30 exposiciones individuales en museos. [4]
Su obra se encuentra en numerosas colecciones permanentes de museos, entre ellos el Museo de Arte Moderno , el Museo Metropolitano de Arte , el Museo Solomon R. Guggenheim , el Museo Whitney de Arte Estadounidense , el Museo de Arte de Brooklyn , el Museo de Arte de Denver , el Museo de Arte de Filadelfia , el Museo de Arte Moderno de San Francisco , el Museo y Jardín de Esculturas Hirshhorn , el Instituto Smithsonian , el Museo de Bellas Artes de Boston , el Museo Kemper de Arte Contemporáneo , Kiasma en Finlandia, el Museo de Bellas Artes de Montreal , el Musée d'art contemporain de Montréal , el Museo de Arte de Toledo , el High Museum of Art , la Galería de Arte Corcoran , [5] y el Museo de Arte Nasher de la Universidad de Duke . [6] [2]
Entre los premios otorgados a Petah Coyne se incluyen la beca John Simon Guggenheim Memorial Foundation , la residencia Bellagio de la Fundación Rockefeller, tres premios del National Endowment for the Arts, la beca para artistas de la Fundación Pollock-Krasner, la beca de escultura de la Fundación Joan Mitchell , la beca Japan del Asian Cultural Council, la beca de escultura de la Fundación para las Artes de Nueva York, la beca para artistas Anonymous Was a Woman , la beca de escultura de la Fundación Memorial Augustus Saint-Gaudens, la beca para nuevas obras del Consejo de Artes y Humanidades de Massachusetts y la beca para artistas Art Matters. [2]
Coyne nació en Oklahoma City, Oklahoma en 1953 [7] en una familia militar que se mudó con frecuencia antes de establecerse en Dayton, Ohio . [8] [3] Aunque Coyne se graduó de Oakwood High School, su madre la educó en casa durante el verano para que pudiera aprobar varias clases antes, lo que le permitió asistir a clases de arte en la Universidad de Dayton , ir a fundiciones locales, crear piezas de bronce y realizar expediciones de pintura. [8] [3] Asistió a la Universidad Estatal de Kent de 1972 a 1973 y luego a la Academia de Arte de Cincinnati , de la que se graduó en 1977. [9]
Se mudó en 1977 con su marido, Lamar Hall, de Ohio a SoHo . [10]
.jpg/1280px-Untitled_-1458_(Marguerite_Duras).jpg)
Coyne vive y trabaja en Nueva York. [11] Entre sus últimas exposiciones individuales se incluyen: "Petah Coyne: Having Gone I Will Return" en la Galerie Lelong & Co. (2018), "Petah Coyne: A Free Life" en Nunu Fine Art (2016) y "Petah Coyne: Everything that Rises Must Converge" en el Museo de Arte Contemporáneo de Massachusetts (2010). Coyne está representada por la Galerie Lelong & Co., en Nueva York, y por Nunu Fine Art en Taipei, Taiwán. [2]
En 2018, Coyne realizó su primera exposición individual en la ciudad de Nueva York en más de una década, [12] "Petah Coyne: Having Gone, I Will Return", en la Galerie Lelong & Co. [10] Con la ayuda de costureras de alta costura, Coyne aprendió técnicas para manipular telas y crear una nueva obra monumental, Untitled #1379 (The Doctor's Wife) , que se convirtió en la pieza central de la exposición. [10] La pieza se inspiró en el libro The Doctor's Wife , una novela de Sawako Ariyoshi escrita en 1966. [10]
En 2016, Coyne realizó su primera exposición individual en Taiwán en Nunu Fine Art en Taipei. [13] "Petah Coyne: A Free Life" presentó una colección de dinámicas fotografías en blanco y negro junto con esculturas recientes, como Untitled #1424 (Zhang Yimou) y Untitled #1421 (Ha Jin) , una gran obra colgante con flores enceradas azules y blancas que rodean una armadura de acero. [14] Esta exposición toma su nombre de la novela de Ha Jin de 2007, A Free Life . [14]
La exposición individual de Petah Coyne de 2010, "Everything That Rises Must Converge", en el MASS MoCA (29 de mayo de 2010) [15] fue su exposición retrospectiva más grande hasta la fecha y presentó esculturas de técnica mixta a gran escala junto con fotografías impresas en gelatina de plata . Las obras incluidas en la exposición varían desde esculturas anteriores, más abstractas, hechas con materiales industriales, hasta otras más nuevas hechas con cera delicada. [16] En estas obras más nuevas, Coyne superpone materiales cubiertos de cera, como perlas, cintas y flores de seda, en grandes formas escultóricas, a menudo incorporando aves y animales disecados . [3]
Al igual que la amplia gama de materiales utilizados en toda su obra, Coyne se inspira en una variedad de fuentes, como la literatura, el cine, la cultura mundial, el medio ambiente natural y las historias personales. [16] Su obra se describe como poseedora de un "sentido barroco de refinamiento decadente", [16] imbuida de una calidad mágica que detalla respuestas profundamente personales a sus inspiraciones, al tiempo que invita a los espectadores a considerar las suyas propias.
Esta exposición destacó no sólo la diversidad de la obra de Coyne y su uso innovador de materiales (incluyendo arena negra, piezas de automóviles, cintas de raso, árboles, flores de seda y taxidermia), sino también las relaciones entre las amplias fases de su práctica a medida que ha evolucionado con el tiempo. [16]
En 2016, Petah Coyne y Kathy Grove presentaron su proyecto The Real Guerrillas: The Early Years en la Galerie Lelong de Nueva York, Narrative/Collaborative, una exposición de obras fotográficas generadas a través de prácticas colaborativas. [17] Las Guerrilla Girls son un grupo anónimo de artistas feministas dedicadas a luchar contra el sexismo y el racismo en el mundo del arte. [10] El proyecto consta de dos retratos de cada mujer que participó entre 1985 y 2000. Un retrato fotográfico muestra a la integrante seleccionada como su "alias", enmascarada y disfrazada, mientras que el segundo muestra a la artista como ella misma, sin máscara, en su estudio rodeada de su trabajo. A medida que las integrantes fallezcan y sus identidades puedan revelarse de forma segura, ambos retratos se exhibirán para permitir que sus contribuciones sean plenamente reconocidas. [18]
Revista Escultura sobre “Petah Coyne: Después de haberme ido, volveré” [19]
"'Habiendo ido, volveré' tal vez ofreciera la versión de Coyne de una autobiografía, aunque gran parte de la historia es elíptica y oculta. Llena de ternura, une el dolor con el consuelo en un ciclo perpetuo. Para Coyne, la pérdida se redime no solo con el amor, sino también con un amor furioso por el arte y la creación artística que es a la vez un reconocimiento de nuestra mortalidad y su antídoto".
— Lilly Wei, "Petah Coyne: Galerie Lelong & Co.", Revista Sculpture 38, n.º 3
ARTnews sobre “Petah Coyne: Todo lo que surge debe converger” [20]
“La pieza central de este entorno oscuro y de cuento de hadas es Untitled #1336 (Scalapino Nu Shu) , 2009-10, un magnífico manzano cubierto de arena negra. En lo alto de sus ramas recortadas se encuentran diez pavos reales disecados, con la cabeza alerta y el plumaje extendido hacia abajo. Debajo de ellos cuelgan faisanes negros, boca abajo y con las alas desplegadas. ¿Los pavos reales han vencido a sus enemigos o han sobrevivido a sus parejas? Impresionante, inquietante y ambigua, la pieza, como todas las esculturas de Coyne, está llena de alusiones literarias y personales”.
— Hillarie M. Sheets, "Ahora en la mira: Petah Coyne", ARTnews
Según el Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale, [21]
"Coyne pertenece a una generación de escultores, muchos de ellos mujeres, que alcanzaron la mayoría de edad a finales de los años 1980 y cambiaron para siempre la práctica muscular de la escultura con su nuevo interés en la naturaleza y una inclinación por la artesanía minuciosa, las referencias domésticas y la metáfora psicológica".
— Museo de Arte Contemporáneo de Scottsdale
{{cite book}}: |last1=tiene nombre genérico ( ayuda )