Nabil Kanso (1940 - 17 de noviembre de 2019) fue un pintor estadounidense . Kanso comenzó su carrera en 1968, Nueva York, durante el inicio del movimiento neoexpresionista. Sus obras abordaron temas contemporáneos, históricos y literarios, y estuvieron marcadas por una imaginería figurativa ejecutada con un manejo espontáneo y vigoroso de la pintura y, a menudo, en formatos de gran escala. Reflejaban movimiento y tensión que encarnaban colores intensos y formas simbólicas que abordaban cuestiones sociales, políticas y de guerra. [3] La Guerra de Vietnam y la Guerra Civil Libanesa afectaron profundamente el desarrollo y alcance de sus temas relacionados con la violencia y la guerra. Su serie de larga duración Split of Life abarcó una amplia gama de enormes pinturas que representan escenas de brutalidad y sufrimiento humanos. [4]
Nabil Kanso nació en 1940 en Beirut, Líbano , [5] y creció en una casa adornada con arte italiano y oriental. [ cita necesaria ] En 1961, fue a Inglaterra y asistió al Politécnico de Londres para estudiar matemáticas y ciencias . [ cita necesaria ]
En 1966, Kanso se mudó a Nueva York y se matriculó en la Universidad de Nueva York , donde recibió una licenciatura y una maestría en historia del arte , filosofía y ciencias políticas . [ cita necesaria ] 1968, se comprometió con la pintura, adquirió un estudio en Manhattan y se embarcó en el desarrollo de sus ideas y método de pintura. [6] Kanso fue parte del movimiento posmodernista , que envolvió la música , las bellas artes , el cine y la escritura . Las características de este estilo son enfatizar la "comunicación" del artista al público y descartar la narrativa tradicional de que "la vida tiene significado". Ese Credo del Modernismo se vino abajo después de que surgiera el escepticismo sobre la bondad inherente de la humanidad después del Holocausto. [7]
En 1971, Kanso realizó su primera exposición individual en la 76th Street Gallery, exhibiendo 80 pinturas que incluían retratos y desnudos en composiciones que reflejaban en diversos grados influencias expresionistas , románticas y simbolistas . [8] [9] Entre 1971 y 1973 realizó una serie de exposiciones individuales que incluyeron The Wanderer, Danse Macabre, Birds of Prey, Place des Martyres y Expressions. [10] [11] Aunque las exposiciones atrajeron la atención y las críticas, la falta de subsistencia suficiente obligó al cierre de su estudio, cuyo contenido, que incluía más de 700 obras [12], fue almacenado y, finalmente, perdido o destruido. [13] Entre 1974 y 1979, Kanso tomó estudios en diferentes lugares de las Carolinas , Atlanta y Nueva Orleans produciendo una gran cantidad de pinturas. Entre las obras de este período se encuentran las series Vietnam (1974), Líbano , que inició en 1975, al estallar la Guerra Civil Libanesa , Un minuto (1978–79) sobre Hiroshima y Nagasaki , la suite Jazz (1978– 79) sobre la música jazz , y Fausto (1976–79), que comprende más de 100 pinturas sobre el drama de Goethe . [14]
En 1980, Kanso estableció un estudio en Atlanta y realizó varias exposiciones. [15] [16] En 1984, viajó a Venezuela donde sus obras se exhibieron en Maracaibo (1985), Caracas (1987) y Mérida (1987–88). Las exposiciones fueron un estimulante invaluable para iniciar el Viaje del Arte para la Paz a través del cual sus obras fueron mostradas bajo los auspicios de museos de arte, instituciones culturales y centros de paz en extensas exposiciones individuales que viajaron internacionalmente y particularmente en América Latina. [17] Kanso muestra sus obras cubriendo todas las paredes del espacio de exposición con sus pinturas. [18] La instalación que rodea al espectador tiene como objetivo transmitir la intensidad entre la realidad del tema y la realidad de la pintura, y reflejar el compromiso del artista con los lienzos cuyos contenidos representan su vida visual y su relación con las culturas y tradiciones orientales y occidentales en conflicto. . [19]
Entre las obras de este período se encuentran las series Sudáfrica (1980), Apocalyptic Riders (1980), DreamVision (1980–81), Lebanon (1982–83), Apocalypse (1984), Warring Wings (1984–85), Othello ( 1985), Cluster Paintings (1986–1988), Hojas del teatro de guerra (década de 1980), La danza de Salomé (1988), América 500 años (1989–1991), Kuwait 1990–91, Memoria viva (1993–94 ), Bosnia (1995–96), Retratos (1997–1999), Irak (2004–2006).
En 1958, Nabil Kanso tuvo que dejar de ir a la escuela en el Líbano debido a la guerra civil. En su biografía habla de cómo pasaba gran parte de su tiempo en casas de amigos y familiares haciendo bocetos y pintando para pasar el día. La Guerra Civil Libanesa le dio mucho sobre qué pintar al joven Kanso. [20] Su pintura Los vórtices de la ira es una representación del país en tiempos de guerra. Los grises oscuros y el negro crean un estado de ánimo sombrío y triste. En el centro, parece como si hubiera una lucha de poder entre figuras rudas. Hay un poder que intenta superar al otro. La forma en que Kanso usa imágenes borrosas da una sensación espeluznante. [ cita necesaria ] Mientras que en el fondo parece que hay figuras parecidas a esqueletos. Sus pinceladas son muy evidentes y dan vida a la pintura a pesar de que se trata de la muerte. Está claro que Kanso se inspiró en la época de la guerra por la forma en que hizo las pinturas tan solemnes. [ cita necesaria ]
La guerra civil libanesa no fue la única influencia en la obra de Kanso, sino también las guerras de Vietnam y la guerra en curso en Oriente Medio. [ cita requerida ] Podemos ver esto claramente en sus pinturas Tormenta del Desierto . [ cita necesaria ] Aquí muestra a mujeres que sufren al perder un hijo y convertirse en víctimas de la guerra. "Las víctimas", escribe un crítico de arte, "son los recién nacidos arrancados del útero o los que se aferran a sus madres que huyen de catástrofes naturales o desastres políticos". [21] Algunos críticos señalan que la maternidad es importante para las mujeres de Kanso; ves madres en el momento del nacimiento y en la muerte sosteniendo a sus hijos en brazos. Las barras que se repiten de una obra a otra se colocan a veces en la abertura del útero de la mujer. Los niños sufren con sus madres mientras el fuego, las tormentas o el hielo intensifican la situación humana. Personas de diferentes religiones están unidas en el sufrimiento y la pasión en estas obras de arte. [22] La notable falta de verdes en el arte de Kanso marca su crítica a la destrucción del medio ambiente. Nada puede crecer durante la guerra. Parece haber carne y sangre por todas partes. El agua es para ahogarse o para congelarse. Los carámbanos parecen patas peludas de insectos o alambre de púas. El cielo, rara vez discernido, a veces deja entrever a los antepasados, como fantasmas de color azul pálido que miran a sus descendientes. [23] La guerra tiene una gran influencia en su trabajo y ha hecho que su trabajo se vuelva casi bíblico y está representado en sus pinturas que tratan sobre la guerra y temas apocalípticos, y el Apocalipsis [24] Utiliza la ciencia apocalíptica en sus obras de arte, haciéndolas casi bíblicas. pintando su obra con terremotos, inundaciones, hielo, fuego y sangre, refiriéndose esto al apocalipsis de la Biblia . [ cita necesaria ] Se puede decir que los temas apocalípticos de Nabil Kanso están vinculados con la destrucción del Medio Oriente debido a la guerra, con la destrucción del lugar de nacimiento de Jesús y el cristianismo. [ cita necesaria ]
La guerra y los temas apocalípticos son el foco central de las obras de Kanso desde principios de los años setenta. Proporcionan la base principal para sus pinturas a gran escala que responden a la guerra y representan visiones apocalípticas [25] "A lo largo de su carrera", escribe un crítico de arte, "Kanso creó un extraordinario cuerpo de trabajo que trata sobre la guerra y temas apocalípticos que abre las visiones del arte apocalíptico." [26] Al abordar los horrores de la guerra", escribe otro crítico, "Kanso crea enormes pinturas que sirven como armas poderosas en la lucha contra la guerra". [27] "Kanso declara la guerra a la guerra", se lee en un artículo de titular sobre su exposición sobre la Guerra del Golfo . en Kuwait [28] Las pinturas muestran toda la gama del sufrimiento y el dolor humanos. El lenguaje torturado hace de su obra una manifestación universal de solidaridad y protesta contra la proliferación de la guerra . de caos y violencia en un entorno infernal del que las personas intentan desesperadamente escapar para sobrevivir [ 30 ] Se encuentran inmersas en una totalidad incisiva y violenta en la que están atrapadas.
Las imágenes emotivas atraen el interés y la participación del público al presenciar los acontecimientos violentos en escenas llenas de patetismo y tensiones que alcanzan una intensidad extrema. [32] El horror representado, señala un crítico, presenta una forma de interioridad como, por ejemplo, en el interior de Afganistán , Líbano , Nicaragua , El Salvador , Vietnam . Una guerra total, una guerra pura, en la que la destrucción se une a lo absoluto en conjunción con lo corpóreo y todo lo "demás" queda relegado al estatus de objetivo o cifra, demarcación del lugar de una bala, una bomba o un cohete. . El infierno no es más que lo que es. [33] Sus pinturas transmiten imágenes de la realidad palpable de un mundo donde el dolor, el sufrimiento, la brutalidad y la destrucción están por todas partes. [34] "Proporcionan", señala un crítico, "una poderosa acusación y denuncia de las guerras en el Medio Oriente y América Central. De ahí el formato a escala mural que envuelve un espacio enorme en el que se proyectan imágenes desgarradoras como consecuencia de la guerra". [35] [36]
La realidad de lo que sucede en una zona de guerra y lo que se expresa en la pintura subraya la relación de la implicación física y mental del artista con la obra. [37] Expresa una coyuntura entre su psique sobrecargada y nuestra ansiedad y miedo, provocando la explosión que vemos y sentimos en sus pinturas. [38] "La intensidad de las escenas retratadas intensifica la atmósfera de miedo y opresión", observa un crítico, "y nos despierta o al menos da a nuestro sueño una visión auténtica del desastre final". [39] Abren una ventana a través de la cual contemplamos y reflexionamos sobre nuestra precaria existencia, comenzando por el hecho más intransigente y total del miedo contemporáneo: la extinción total. "Revelan la oscuridad interminable que existe en un resplandor efímero justo antes de estallar. El poder de las armas es una realidad terrible y absurda que muta el espacio del calor humano". [40] "La idea misma de la posible destrucción del planeta por una guerra nuclear ha cambiado totalmente nuestra visión del mundo", observó Octavio Paz. [41] "Mientras tanto", señala un crítico, "el mundo debate sobre las pequeñas guerras perpetuas que socavan el planeta con desastres continuos. La destrucción y la devastación de la guerra se nos muestran en las imágenes de Nabil Kanso, a quien los venezolanos llegaron a conocer como el Pintor del Apocalipsis." [42] Expresa fielmente la orfandad, la rabia y la importancia de vivir. [43] "Sus pinturas murales", observó un crítico, "erigen como un tribunal a la hora de interpretar y transmitir las voces que brotan de los lienzos con una fuerza masiva y se sumergen en una tormenta apocalíptica". [44]
Se ha dicho que las obras de Nabil Kanso son apocalípticas en muchos sentidos; en sus obras pinta escenas de destrucción, edificios destruidos y personas generalmente desnudas con expresión de horror en sus rostros. Utiliza rojo, naranja y amarillo para parecerse al fuego, colores oscuros como si estuviera pintando una pesadilla o una escena del infierno.
En el desempeño de su trabajo, Nabil Kanso se muestra tranquilo y silencioso. Pero la luz del fuego en los cuadros parece una pesadilla que tiene que superar, a menudo pasando varios meses en un solo cuadro. [45] Las destacadas pinturas a escala mural de Kanso son un cruce entre la especificidad del 'Horror de la guerra' de Goya y la universalidad del Guernica de Picasso . Estar de pie en el espacio central rodeado por las pinturas de 12 pies de altura de Nabil Kanso es lo más parecido a estar en medio de un incendio. Usando naranjas, amarillos y rojos chillones, Kanso llena cada centímetro del lienzo con visiones de violencia y sufrimiento humano que rivalizan con las descripciones medievales del infierno. [46] Una pintura ocupaba toda la longitud de la habitación, tal vez 30 pies. Me sentí como un cobarde. Era casi imposible mirar el poder y la extravagancia de estas escenas, así que me volví y miré los rostros de los demás espectadores. En sus rostros estaban los reflejos del holocausto pintado que nos rodeaba. Me volví de nuevo hacia el cuadro que ahora está atrapado en una jaula de sentimiento. [47] Algunos críticos señalan que "el estilo personal altamente expresivo de Kanso evoca experiencias y visiones que revelan la esencia interna de una realidad que se extiende más allá de sus aspectos externos". [48] Una visión de un mundo turbulento se retrata en composiciones cuyas imágenes llevan el arte hacia cuestiones de interés humano. [49] Registran imágenes intensas y desgarradoras de temas inquietantes que expresan expresiones universales sobre la brutalidad y el sufrimiento humanos. En opinión de algunos críticos de arte, "los colores fuertes y las pinceladas poderosas de Kanso se mezclan con el tema: el caos mundial". [50] Cabe señalar además que la batalla contra los grandes formatos no se puede ganar sino con una fuerte determinación y un dominio absoluto de la técnica. Estos son inseparables y preconcebidos. El manejo dinámico del diseño pictórico tiene una total identificación con la actualidad de Kanso. Sus poderosos temas de ninguna manera podrían ser tratados con un estilo más suave y moderado diseñado para hacerlos agradables. A modo de paralelismo, el trabajo de Kanso es una armonía de estilo y tema. [51]
Artículo principal La división de la vida
Las pinturas Split of life comprenden aproximadamente 80 pinturas de tamaño mural ejecutadas entre 1974 y 1994, y fueron el foco principal del trabajo de Kanso durante los 15 años de la Guerra Civil Libanesa que estalló en 1975 [52] Las obras se caracterizan por la consistencia y relación de sus temas y temas relacionados con la violencia y la guerra. Al enfatizar los problemas y llamar la atención sobre la destrucción, la devastación y el sufrimiento resultantes de las guerras perpetuas, Kanso llevó sus pinturas a varios lugares en extensas exposiciones que viajaron ampliamente, particularmente en Venezuela y América Latina.
La exposición de obras relacionadas por tema y tema proyectaba una sensación de globalidad, la sensación de que una pintura se topa con otra. [53] Un crítico de una exposición en Maracaibo con obras de 1976 a 1984, escribió: "La sincronía y la diacronía de las obras cruzan un punto quieto en el que la muestra ya no es un total de 27 pinturas, sino solo una". [54] Un crítico vio la vinculación de las obras en una exposición en Atlanta como "una red, una polivalencia de discurso económico, cultural, político y sexual". [55] La red no es sólo una manipulación formal para unir los contenidos divergentes de las pinturas, sino "un dispositivo muy real que surgió del complejo discurso de las pinturas y, en última instancia, de la poética del pintor". [56] En un estudio de 10 años en Caracas, un crítico escribió "la instalación de las pinturas monumentales de Kanso proyecta un inmenso espacio cargado con un alto nivel de intensidad estrechamente relacionado con la tensión y la ansiedad que enfrentamos en el mundo de hoy. Sus pinturas apocalípticas nos ofrece un viaje a los infiernos de nuestro tiempo." [57]
A principios de 1967, Kanso instaló un estudio en East 20th Street en Gramercy Park South y, en 1968, se mudó a un estudio más grande en East 76th Street, donde permaneció hasta 1974, cuando fue incautado y su contenido fue almacenado. finalmente, perdido. [58] Durante un período trabajó en Nueva York y en diferentes ciudades del Sur , y en 1980 se instaló en Atlanta donde adquirió un espacioso estudio. [59]
Durante más de 20 años, el estudio fue un lugar atractivo para muchos visitantes. Un crítico lo describió como "lleno de enormes pinturas que representan una especie de pesadilla sobre la guerra en el Líbano, que ha sido el tema de las grandes pinturas de Kanso desde que comenzó la guerra en 1975". [60] No son sólo los horrores de la guerra en el Líbano lo que está pintando, sino también los desastres de la guerra en Vietnam, Nicaragua y El Salvador. Las filas de lienzos están repletas de figuras que huyen, pelean entre sí, se comen unos a otros." [61] Otro crítico observó "lienzos enrollados en grandes cantidades como momias", y notó la conexión entre la tela de lino en las envolturas egipcias y las del propio Kanso. Su padre fundó un negocio de telas de lino en México [62] Al describir una visita a su estudio, un crítico de arte escribió "caminar era como hacer un recorrido por el infierno de Dante". Con pinceladas agitadas y naranjas chillones, Kanso ha producido una sala llena de imágenes aterradoras que recuerdan al mural del difunto Goya, aún más amenazadoras porque miden más de 7 pies de alto". [63] Un crítico comentó: "Sobresaltado es una palabra débil para describir mi reacción". . Cada pared cubierta de pinturas que llegaban hasta el techo. En algunos lugares, las pinturas estaban apoyadas unas contra otras a varias profundidades. Otros, muchos, rodaron por el suelo. Era difícil creer que un solo hombre hubiera hecho todo esto. No era sólo que las pinturas fueran grandes sino que su contenido estaba brillantemente enfocado, provenía de una aparente lucha que tenía lugar en un paisaje que parecía bíblico." [64]