Mernet Larsen (nacida en 1940) es una artista estadounidense conocida por sus pinturas narrativas idiosincrásicas y desorientadoras que representan un mundo paralelo altamente abstracto de escenarios enigmáticos y mundanos. [1] [2] [3] Desde 2000, su trabajo se ha caracterizado por figuras planas similares al origami compuestas de formas similares a tablones y volúmenes en forma de bloques [4] [5] [6] y un espacio no ilusionista con una visión dislocada y agregada que combina libremente sistemas pictóricos incompatibles ( perspectivas renacentistas inversas , isométricas , paralelas y convencionales ) y varias distorsiones visuales. [7] [8] [9] Los críticos han descrito su enfoque como "una mezcla embriagadora e improbable" [10] que toma señales compositivas de fuentes amplias, incluidas las geometrías modernistas de artistas constructivistas como El Lissitzky , el teatro de marionetas Bunraku japonés y los pergaminos narrativos emaki , los primeros paisajes chinos y las miniaturas indias y las pinturas palaciegas. [11] [12] Roberta Smith escribió que las obras de Larsen "navegan por la división entre la abstracción y la representación con una forma de figuración geométrica que debe menos al cubofuturismo que a De Chirico , la representación arquitectónica y la pintura del Renacimiento temprano de tipo sienés . Disfrutan de la conexión humana y de efectos de perspectiva extraños, extendidos, a veces contradictorios, a menudo perpetuados por cambios radicales de escala". [1]
Larsen ha expuesto en la Academia Estadounidense de las Artes y las Letras , [13] el Museo Nacional de Mujeres en las Artes , [14] White Cube (Londres), [15] el Museo de Israel (Jerusalén), [16] el Museo de Arte de Tampa y la Galería de Arte de Nueva Gales del Sur (Australia), entre otros lugares. [17] Su obra se encuentra en las colecciones permanentes del Museo Whitney , [18] el Museo de Arte del Condado de Los Ángeles, [19] el Museo de Bellas Artes de Boston [20] y el Walker Art Center, entre otros. [21] Vive y trabaja en Tampa, Florida y Jackson Heights , Nueva York con su esposo, el artista Roger Clay Palmer. [4] [22]
Larsen nació en 1940 en Houghton, Michigan y pasó su juventud en Chicago y luego en Gainesville, Florida . [23] En la escuela secundaria, estaba interesada en el arte contemporáneo y la pintura. [13] Obtuvo una licenciatura en Bellas Artes de la Universidad de Florida en 1962, donde el pintor y profesor Hiram D. Williams la alentó a perseguir intereses en el trabajo representativo y la esencia de los objetos a pesar del predominio del expresionismo abstracto en ese momento. [22] [24] Continuó con el trabajo de posgrado en la Universidad de Indiana (MFA, 1965), estudiando con el pintor James McGarrell . [22] [24] Después de graduarse, Larsen enseñó arte de estudio e historia del arte en la Universidad de Oklahoma , antes de mudarse a Tampa y tomar un puesto en la Universidad del Sur de Florida en 1967; enseñó pintura y dibujo allí hasta jubilarse, profesora emérita, en 2003. [25] [7] [26]
Larsen vivió intermitentemente en Tampa y Nueva York durante casi una década antes de establecerse en Tampa en 1981. [25] [13] En la década de 1970, pintó imágenes de escenas figurativas compuestas (a menudo observaciones de la vida de la ciudad basadas en fragmentos de fotografías) que buscaban deconstruir los conceptos realistas tradicionales de visión homogénea y unificada. [27] [24] Su trabajo figurativo posteriormente cambió en una dirección geométrica, antes de entrar en un período (aproximadamente de 1984 a 1999) en el que produjo pinturas abstractas orientadas al proceso que fueron influenciadas por el arte japonés, Roland Barthes y el estructuralismo ; estas pinturas revelaron las implicaciones y los límites del formalismo moderno al involucrar préstamos literarios no formalistas, juegos representativos y referencialidad concreta. [27] [22] [28] [29] Descritas como frías, distantes y altamente texturizadas, se caracterizaban por formas simples, paletas limitadas y un énfasis en la superficie física, que Larsen raspaba, enterró, hizo un collage, construyó y peló para producir un efecto que se asemejaba a viejas paredes desgastadas. [28] [22] [8] Con frecuencia deconstruía pinturas modernistas abstractas y no occidentales como trampolines compositivos para las obras en gran parte abstractas, cuyas formas, elementos lineales y títulos ( Escalator , 1988; Archer , 1996; Weight Lifter , 1999) aludían a la figuración y las relaciones espaciales. [27] [28] [6]
Larsen comenzó a exponer regularmente a fines de la década de 1970 y durante aproximadamente dos décadas apareció en exposiciones individuales en galerías de Florida, varias sedes universitarias estadounidenses y una retrospectiva en el Museo de Arte DeLand (1992), así como en exposiciones grupales en el Centro de Artes Contemporáneas (Nueva Orleans) , la Academia Estadounidense de Artes y Letras y el Museo de Arte de Tampa, entre otros. [14] [7] [25]
En 1999, Larsen adoptó un enfoque que invirtió la dirección de los primeros modernistas al traducir las pinturas abstractas en obras narrativas y figurativas precisas, más claramente representativas y reconocibles, aunque altamente construidas. [30] [29] Las nuevas pinturas combinaban esquemas de colores fríos y cremosos y un método único que integraba a la perfección pintura acrílica, papel de calco cortado y pintado y texturas manipuladas. [30] [29] [31] Representaban un universo semiótico paralelo [32] de panoramas inclinados sin horizonte y situaciones congeladas en el tiempo y pobladas por personajes que casaban planos abstractos de color con figuración y detalle bien observados (por ejemplo, The Writer , 2001). [30] [29] [31] Las reseñas describirían la obra como surrealista, desorientadora y metafóricamente compleja en sus yuxtaposiciones de humor sin sequitur y aprensión, percepción trastocada y vida cotidiana desfamiliarizada. [31] [23] [32] [33] En 2005, Larsen exhibió este trabajo en la New York Studio School, una muestra que el crítico del New York Observer Mario Naves escribió que mostraba "una originalidad profundamente arraigada" en su mezcla de absurdo, sorprendente quietud e influencias diversas. [30]
Después de esa exposición y otra en Regina Rex en Queens (2011), [7] Larsen ganó un amplio reconocimiento con su debut en la galería de Manhattan, "Three Chapters", una muestra de tres partes en la Johannes Vogt Gallery en 2012. [1] [34] [22] En ese momento, había introducido composiciones más disruptivas que rechazaban un punto de vista singular y empleaban la perspectiva inversa, un sistema común en la pintura de iconos romana y bizantina y los enigmas espaciales de los artistas Al Held y MC Escher , en el que los elementos se agrandan (en lugar de encogerse) a medida que se alejan del plano de la imagen. [7] [9] [32] John Yau describió estas pinturas como adheridas a una lógica singular gobernada por la "síntesis imaginativa de Larsen y la reafirmación de artistas y tradiciones radicalmente diferentes [que] no encajan con las relaciones espaciales tradicionales sino que encajan como pasos elevados, tréboles, caminos de servicio y rampas de acceso". [34] [5] [35]
Los escenarios pintados en esa muestra -y en una posterior en Various Small Fires (2015)- iban desde lo banal (ejercicios, vida doméstica, reuniones, cafés y viajes al centro comercial) a lo quijotesco (acontecimientos religiosos, salas de guerra) y lo críptico (una cigüeña flotando sobre una mujer en un centro comercial sosteniendo a un bebé en alto en Mall Event , 2010; la vagamente siniestra Chainsawer and Bicyclist , 2014). [9] [32] [1] [8] Típicas fueron varias pinturas de reuniones de profesores y organizaciones, como Explanation and Committee (ambas de 2007) o Tanks (2006), con figuras representadas en posturas encorvadas y perspectivas y escalas distorsionadas que parecían aludir a aspectos psicológicos o sociales endémicos y subyacentes, como luchas de poder recurrentes y mezquinas, conformidad, aburrimiento y absurdo. [34] [1] [31] Los críticos sugirieron que una clave de la obra era la aparente capacidad de Larsen para imbuir a los protagonistas y las situaciones de calidez, emoción destilada y especificidad —a pesar del alto grado de estilización— a través de una constelación de detalles elocuentes y atendidos selectivamente, un ojo para las superficies texturizadas y los efectos de la luz sobre ellas, y las posibilidades expresivas de la disposición espacial. [8] [36] [9] [31]
Artcritical identificó una nueva ligereza de espíritu en la exposición de Larsen "Things People Do" (James Cohan, 2016), más visible en el surgimiento de sus figuras de reuniones al aire libre (por ejemplo, Frontier , 2015), un cambio de la claustrofóbica, "sensación de presión única" de algunos de sus trabajos anteriores. [9] [37] Su exposición "Situation Rooms" (Cohan, 2018) mostró una mayor complejidad en composiciones como Cabinet Meeting (with Coffee) , una representación desorientadora, en forma de ojo de pez, de figuras fantásticamente pequeñas a imposiblemente grandes en posturas que desafían la gravedad que parecían "dramatizar los efectos de distorsión de la percepción de la ansiedad", según The New Yorker . [2] John Yau escribió que Larsen era "simultáneamente crítico, satírico y tierno" hacia estas figuras que parecían congeladas en cuerpos rígidos y aislados, destacando un ojo para el humor seco y objetivo y el absurdo que revelaba "cuestiones de conformidad, jerarquía y relaciones de poder con regocijo serio" (por ejemplo, Situation Room (Scissors, Stones, Paper) ). [10]
Su muestra de 2021 en James Cohan consistió en pinturas cuyas composiciones hacían referencia directa al artista constructivista El Lissitzky. [38] [12] La crítica del New York Times Jillian Steinhauer describió la muestra como una en la que "el momento mundano se vuelve desconocido y metafísico, como una visión de la realidad explotada desde adentro", con formas abstractas angulares y planos bisectados que producían escenas narrativas que eran divertidas (un gallo siendo entregado a un monje), siniestras (un hombre en una playa con un arma) o cósmicas (un astronauta flotando frente a un planeta). [3] [39] [12] Incluía obras como Solar System, Explained (after El Lissitzky) —una serie de formas radiantes que ofrecen una vista aérea de figuras descansando en una banqueta circular decorada con un modelo astronómico de la era del Sputnik— e Intersection (after El Lissitzky) (ambas de 2020), que mostraba a un hombre en silla de ruedas paseando a un perro mientras contemplaba una vista aérea con textura y forma de vórtice de un camión y una tierra de cultivo verde. [4] [12] [3] Mario Naves caracterizó la reelaboración del espacio de Larsen como "una perspectiva lineal... arrojada debajo del autobús y luego reconfigurada como origami" que "se despoja del arte de respiración pesada filosófica de El Lissitzky y lo usa como un sello para el ingenio, el asombro y la representación". [12] [4]
La obra de Larsen pertenece a las colecciones permanentes del Akron Art Museum, [40] Art Gallery of New South Wales, [41] Carnegie Museum of Art , [42] Fondazione Sandretto Re Rebaudengo (Turín), Hall Art Foundation , Israel Museum, [16] Los Angeles County Museum of Art, [19] Museum of Fine Arts, Boston, [20] Museum of Fine Arts (San Petersburgo, Florida) , [43] Ringling Museum of Art , [44] Rollins Museum of Art , [45] Rose Art Museum , [46] Tampa Museum of Art, [47] Walker Art Center, [21] Whitney Museum, [18] y X Museum (Beijing). [13] Ha impartido conferencias con frecuencia sobre su obra en toda Florida y en la Boston School of Fine Arts, New York Studio School , Parsons School of Design , Maryland Institute College of Art y otras escuelas y museos.