Mary Edith Barnes (9 de febrero de 1923 - 29 de junio de 2001) fue una artista y escritora inglesa que padecía esquizofrenia y se convirtió en una pintora de éxito. Es especialmente conocida por la documentación de su experiencia en la comunidad terapéutica experimental de RD Laing en Kingsley Hall , Londres . [1] [2] Se hace referencia a ella en el libro The Psychopath Test de Jon Ronson y en Schizophrenia de Thomas Szasz . [3]
Mary Barnes creció en Portsmouth , Inglaterra, y luego en la campiña de Londres. Su padre era técnico de laboratorio y su madre ama de casa. Cuando Barnes tenía 18 años, su hermano Peter, que en ese momento tenía 16, fue internado en un pabellón psiquiátrico y diagnosticado con esquizofrenia . Unos años más tarde, fue enviado a un centro de atención institucional de larga duración. [4]
Mary Barnes se formó como enfermera y se unió al ejército durante la Segunda Guerra Mundial . En 1945, Barnes pasó un año trabajando en hospitales de Egipto y Palestina . [5] Trabajó en Frankfurt durante dos años antes de regresar a Londres como enfermera a tiempo completo.
Barnes sufrió su primera crisis psicótica en 1952. Fue internada en el Hospital St. Bernard y le diagnosticaron esquizofrenia. Después de un año, Barnes recibió el alta y volvió a trabajar como tutora de enfermería. [6]
En 1963, después de leer el libro de RD Laing The Divided Self , se puso en contacto con él y comenzó la terapia. Fue admitida en Kingsley Hall como la primera paciente. [7] Esto se intensificó cuando en 1965 se sometió a una terapia de regresión . Durante el proceso, descubrió un talento para el arte . Más tarde sería descrita como "una embajadora de Laing", emergiendo de su viaje para coescribir un libro sobre ello con el Dr. Joseph Berke , el psiquiatra residente que la ayudó.
Las primeras pinturas de Barnes fueron realizadas con sus propias heces en las paredes que representaban pechos negros. Más tarde, Berke le dio crayones grasos, lo que llevó a Barnes a evolucionar de los garabatos con crayones a la pintura con los dedos y, finalmente, a la pintura al óleo. [8]
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Sus obras, óleos vívidos que a menudo representan temas religiosos , se exhibieron por primera vez en el Camden Arts Centre en 1969. Posteriormente se convirtió en una artista respetada, pintando obras evocadoras basadas en sus experiencias y mostrando su trabajo en giras por todo el mundo, acompañándolo con charlas sobre sus experiencias y salud mental. En 1979 se produjo una obra de teatro, con guión de Barnes con David Edgar . Esta se transmitió en la radio BBC en el Reino Unido, más recientemente en diciembre de 2011 en Radio 4 Extra.
En 1985 se trasladó a Escocia . Something Sacred , su libro de conversaciones, escritos y pinturas, se publicó en 1989. En 1993 se trasladó a Tomintoul , donde murió en 2001, a los 78 años.
En 2010 hubo una importante exposición retrospectiva del trabajo de Barnes en los estudios Space en Londres y en 2015 en Bow Arts Boo-bah una retrospectiva co-curada por el Dr. Joe Berke del trabajo de Mary en papel y cartón en pasteles y óleos junto con fotografías que narran el período terapéutico en el cercano Kingsley Hall . [9] La exposición Boo-Bah hace referencia a un apodo con el que Barnes llamaba a Berke en una carta de amor que ella escribió y que tenía más de un metro de alto. [10]
Small Figure es una pintura que representa una figura infantil formada por líneas negras. Las líneas negras son gruesas y desordenadas, ya que el personal de Kingsley Hall animó a Barnes a usar sus dedos para pintar. La figura se muestra con lo que parece ser un abrigo o suéter de gran tamaño con las manos asomando por las mangas grandes. La prenda de vestir con estampado de cuadros llega más allá del torso de la niña pequeña y parece terminar justo encima de donde estarían las rodillas de la niña. La figura está ubicada en primer plano y los pies están ubicados cerca de la parte inferior del papel. La cabeza está ligeramente inclinada para sugerir una posición encorvada. Hay algunas marcas tenues que provienen de áreas más oscuras cerca de la cabeza que muestran mechones de cabello largo que también cubren partes de la cabeza. La cara está mirando hacia la derecha.
Hay muchos elementos opuestos como el movimiento, el espacio, la proporción y el color en Small Figure . El hecho de que el niño no esté centrado en el espacio aumenta la ilusión de la figura junto con el abrigo que cubre la mayor parte del cuerpo de la figura. El desorden de los trazos aporta movimiento a la obra. Casi se puede imaginar a la artista usando apresuradamente sus dedos manchados de pintura para completar la forma. Hay líneas que parecen haber sido repasadas varias veces delineando el suéter y su patrón. Los trazos más desordenados están alrededor de la cabeza, la cara y las manos. Las manos parecen explosiones que salen de las mangas. Este movimiento aporta mucha energía a una figura cuya pose no alude a mucho movimiento en absoluto. En otras obras como, Volcanic Eruption , Barnes es conocido por usar una gran cantidad de colores. En Small Figure , sin embargo, esos colores están ausentes. En cambio, el negro es el único color agregado a la superficie blanca del papel. El movimiento en la obra se manifiesta únicamente con líneas cortas y rápidas de los dedos de la artista. Dedos que se mueven tan rápido que parecen las manos de la pintura, que explotan hacia afuera desde las muñecas. Este movimiento se limita principalmente a la figura y a un pequeño espacio que la rodea, lo que le da al espectador una sensación de tensión furiosa que burbujea justo debajo de la superficie. Más allá de la figura en el fondo está la sábana blanca transparente que no está contaminada por la energía negra de la figura. Estos elementos conflictivos muestran la lucha interna con la ira y la impotencia que la artista pudo haber sentido en la época en que pintó esta obra y trabajó en su terapia regresiva.
Small Figure es un autorretrato de la niña que Barnes estaba criando con sus padres. Pequeña debajo del abrigo y corta en la página, retrata una escena de una niña pequeña encorvada que enfatiza aún más lo impotente que se sentía cuando era niña. El suéter que cubre su figura y el uso de una paleta de colores monótona transmiten una sensación de estar escondida en el fondo. Aunque la figura no ocupa todo el espacio vertical del papel, ocupa la mayor parte del espacio general que utiliza la perspectiva para hacer que el espectador vea a la niña desde el punto de vista de la niña. La artista en su estado infantil pintó un retrato de su antigua vida al comienzo de su nueva vida. Una resurrección en la que atravesaría la confusión para encontrar su paz interior aludiendo a la crucifixión de Jesús.