Marlene McCarty es una artista multidisciplinaria y activista radicada en Nueva York. Fue miembro del colectivo contra el sida Gran Fury y cofundó el estudio de diseño transdisciplinario Bureau. Utilizando materiales cotidianos como grafito, bolígrafo y resaltador, McCarty crea dibujos del tamaño de un mural relacionados con cuestiones que van desde la formación sexual y social, el género y el poder, hasta el parricidio y el infanticidio. [1]
McCarty nació en 1957 y se crió en Lexington, Kentucky . Después de graduarse en la Sayre School, McCarty asistió a la Facultad de Diseño, Arquitectura, Arte y Planificación de la Universidad de Cincinnati (1975-1977) antes de estudiar en Basilea, Suiza, en la Schule fur Gestaltung Basel (1978-1983), [1] donde se especializó en diseño. A principios de los años 80 en Basilea, McCarty realizó instalaciones escénicas para bandas de punk y new wave en el Kulturhaus Palazzo en Leistal. [2]
Después de graduarse en Basilea en 1983, McCarty se mudó al East Village de la ciudad de Nueva York para convertirse en artista. En 1987, mientras trabajaba en M&Co como diseñador, McCarty se convirtió en miembro del colectivo artístico activista contra el SIDA Gran Fury . [ cita requerida ] Gran Fury luchó para afectar las políticas sobre el SIDA, organizando intervenciones públicas de activismo contra el SIDA . Su objetivo era difundir información sobre el SIDA en un momento en el que el gobierno no se pronunciaba sobre este tema. Sus principales proyectos incluyen The Government Has Blood on Its Hands, una acción en la sede de la FDA en Washington, DC, que protestaba contra las políticas federales relacionadas con los medicamentos contra el SIDA, los ensayos de medicamentos y el acceso a los medicamentos. Kissing Doesn't Kill fue una apropiación de un anuncio de Benetton que mostraba a un grupo diverso de parejas del mismo sexo, interraciales y heterosexuales besándose, colocado en autobuses urbanos de todo Estados Unidos para contrarrestar el miedo público de que los besos transmitieran el SIDA. [3]
En enero de 2012 se inauguró la primera exposición histórica de la obra mundialmente famosa de Gran Fury en la galería Steinhardt 80WSE de la Universidad de Nueva York. El trabajo del colectivo se encuentra archivado en el Museo Whitney de Arte Estadounidense y en la Biblioteca Pública de Nueva York . [ cita requerida ]
En 1989, McCarty cofundó Bureau con el artista Donald Moffett . Bureau era un “estudio de diseño transdisciplinario” [1] cuyo mandato era producir arte, títulos de películas, trabajo político y trabajo comercial. Bureau trabajó con clientes como Calvin Klein, Sundance, Channel, HBO y Amazon. [4] En 2014, Bureau recibió el premio Visual AIDS Vanguard Award. [5]
McCarty realizó su primera exhibición, Shut Up You Shut Up , en la Galería Wessel O-Conner en 1990. Sus primeras obras fueron grandes pinturas de texto que presentaban palabras como "Slash" y "Snatch" en una tipografía muy estilizada, o frases individuales como "Puede que no pase a la historia, pero puede que le haga sexo oral a tu hermana pequeña" y "Eres mi puta chupadora de trasero". [6] McCarty usó un lenguaje encontrado, apropiándose del discurso sexista que escuchó de acosadores callejeros y acosadores o que vio en grafitis. [2] [6] El texto fue dibujado a mano y planchado sobre tela de camiseta que se usó como lienzo. [7]
En 1991, McCarty se unió a la Metro Pictures Gallery . [8] Sus obras se exhibieron en los EE. UU. y Europa acompañadas de un catálogo, Die Neoantigen (The Nineties) en 1994 en la Secesión de Viena en Austria . [9]
McCarty comenzó a investigar para lo que se convertiría en su obra más famosa, la serie “Murder Girls” o “Poltergeist, Girls at Home”, [10] una serie de 42 retratos del tamaño de un mural hechos con lápiz de grafito y bolígrafo. Cada retrato estaba basado en un caso real de crímenes de adolescentes que asesinaron a sus madres, figuras paternas o, en algunos casos, niñas que habían sido asesinadas por sus madres. [11] McCarty encontró que el efecto final de los retratos termoadhesivos que utilizaban las fotografías de las niñas parecía el de “Warhol wannabes” que tenían más que ver con la producción y la fabricación que con las niñas mismas.
En los retratos de McCarty, las chicas llevan ropa transparente que deja al descubierto sus pezones, pechos y vulvas. [7] La artista quería llamar la atención sobre las cambiantes expectativas sociales de las chicas a medida que pasaban de la niñez a la adultez. Se preocupó mucho de distinguir su obra de los relatos sensacionalistas sobre crímenes reales, incluyendo un anexo escrito con cada retrato, que combinaba detalles conmovedores de la vida de las chicas con descripciones de los asesinatos que cometieron. El anexo daba contexto a los dibujos porque, como dice ella, “si no sabías nada, veías a una adolescente con ropa transparente”. McCarty planeaba documentar todos los casos que encontrara durante su vida, pero debido al nacimiento de las redes sociales y la consiguiente pérdida de los controles de privacidad, McCarty ya no hace estas obras. Ahora ve sus dibujos como íntimos y contextuales y no tiene interés en que su trabajo se difunda a millones de personas a través de las redes sociales. [ cita requerida ]
Debido a los temas tan complejos que aborda la artista, sus retratos tardaron mucho en ser absorbidos por el mundo del arte. En una entrevista inédita para The Believer, McCarty relató las experiencias de las niñas con las del público en general diciendo: “Creo que las dificultades que enfrentan estas niñas no son ajenas a la gran mayoría de nosotros, pero no cruzamos esa frontera”. [ cita requerida ]
La serie Murder Girls marcó un momento importante en la práctica artística de McCarty, ya que solidificó su compromiso con el dibujo y el cambio de las pinturas de texto. Este cambio fue uno que la propia McCarty no previó. Por ejemplo, dijo: "Si me hubieras dicho un año antes de comenzar con Murder Girls que estaría haciendo dibujos figurativos, te habría dicho que estabas loca". Sin embargo, después de completar la serie Murder Girls, no pudo dejar de dibujar. Fue la asociación del dibujo con lo popular y su posición más allá de la "maestría" y el "maestro" lo que atrajo a McCarty. Por ejemplo, McCarty dibuja con un bolígrafo azul, que es lo que usan las chicas de secundaria para sus tareas o para "garabateando en sus cuadernos", y también es su herramienta preferida para el "trabajo de campo con primates". [12] Aunque McCarty considera que el medio es físicamente exigente (porque la presión necesaria para mantener el flujo de tinta al dibujar en una pared puede causar lesiones en el hombro), continúa trabajando con bolígrafo y grafito, produciendo obras monumentales que hablan de la desigualdad social y sexual, el papel de la mujer, las relaciones entre especies y la biología trans. [12] [13]
En 2003, McCarty recibió una beca Guggenheim [14] para investigar un proyecto inmersivo en 3D, Bad Blood, que era una escultura interactiva basada en el retrato de Marlene Olive de la serie “Murder Girls” de la artista. Como parte de su beca, McCarty viajó por el mundo hablando con expertos y dirigiendo talleres en el Hyper Werk Institute for Postindustrial Design en Basilea, Suiza, y en la ETH en Zúrich. [15] Su proyecto recibió subvenciones adicionales de la American Center Foundation y la subvención Site mapping / Bundesamt für Kultur Schweiz para tecnología. Las finanzas necesarias para llevar a cabo su proyecto resultaron prohibitivas. [15]
A principios de la década de 2000, McCarty estuvo representada por la American Fine Arts Gallery en Soho, dirigida por Colin de Lande, y la Bronwyn Keenan Gallery . Ambas galerías presentaron su serie de chicas poltergeist en casa en 2002. [16] La exposición en la Bronwyn Keenan Gallery , Young Americans, Part 2, presentó los dibujos de múltiples figuras más nuevos de McCarty. Un dibujo estaba inspirado en un caso criminal de Indiana donde cuatro chicas asesinaron a una compañera de escuela porque estaba teniendo una aventura con la amante femenina de otra chica. [16] La serie de la "chica asesina" se exhibió luego en lugares como el Kunst Halle St. Gallen en Suiza y el Museo Ludwig en Alemania. Ciclos de dibujos de tamaño mural de este conjunto de trabajos se exhibieron en la Bienal de Estambul y la Bienal de Busan y residen en colecciones del Museo de Arte Moderno y el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles [17] [18] [19]
En 2005, la galería Brent Sikkema, que ahora se conoce como Sikkema, Jenkins & Co., comenzó a representar el trabajo de McCarty. En 2008, McCarty presentó una gran cantidad de trabajos bajo el título de exposición CANDY.CRY.STINKER.HUG. Dibujos del tamaño de un mural que abordaban la homosexualidad, el origen, la genética, la identidad y el amor se alineaban en la galería. Este trabajo culminó en una monumental retrospectiva de dibujos en 2013 en la Royal Hibernian Academy de Dublín, Irlanda, titulada Hard Keepers. Estos dibujos del tamaño de un mural incluían gorilas , orangutanes y chimpancés haciendo señas y usando el lenguaje. [7] Otros retratan a mujeres amando y viviendo con chimpancés y gorilas. El grupo 8 (Karisoke, The Virunga's, Ruanda. 24 de septiembre de 1967. 16:30 h.) (2006) muestra a una mujer joven, tal vez una primatóloga, entrelazada, enredada y erotizada con su gorila favorito, mientras que el grupo 3 (Tanjung Putting, Borneo. 1971) (2007) muestra a una candidata a doctorado con el orangután que casi rompió su matrimonio. [7] La obra de McCarty se adentra en un reino al revés donde el amor desafía todos los límites entre nosotros, incluida la forma en que nos definimos a nosotros mismos. [7] McCarty dice: "Estoy tratando de ir a lugares a los que no siempre vamos cómodamente". Para estos ciclos de murales, McCarty recibió la beca Pollock-Krasner . [20]
En 2010, la galería 80WSE de la Universidad de Nueva York presentó el primer estudio importante de las pinturas, grabados y dibujos de Marlene McCarty, "I'm into you now: some work from 1980-2010". [21] El catálogo incluía ensayos de Kathleen Hanna , ex cantante principal de Le Tigre y Bikini Kill , quien escribió: "El estudio de Marlene estaba empapelado con los dibujos más locos que he visto en mi vida. Parecía como si una adolescente drogada hubiera decidido quitarle los grandes dibujos a bolígrafo a su cazador y los hubiera ampliado mil veces. Se leían como pinturas sexuales que anunciaban un nuevo culto al que quería unirme desesperadamente. Eran grandes como vallas publicitarias, obsesivas y completamente desvergonzadas". [ cita requerida ]
Los trabajos más recientes de McCarty recurren a las plantas para afirmar formas no sólo de sobrevivir sino también de prosperar en condiciones tóxicas. [ cita requerida ]
Into The Weeds se presentó por primera vez en la Galería de Arte UB, Centro de las Artes, Buffalo, Nueva York, donde una instalación de dibujos a gran escala estuvo acompañada por una instalación de plántulas bajo luces de cultivo y un gran montículo de tierra que albergaba una variedad de plantas potentes. [22] La artemisa , la encaje de la reina Ana y el estramonio son algunas de las plantas que son a la vez tema y material en Into The Weeds. [22] A la vez venenosas y curativas, McCarty utilizó plantas que históricamente han sido utilizadas por las mujeres para mantener su salud sexual y reproductiva. La artemisa , por ejemplo, promueve la menstruación y puede usarse para inducir el aborto y regular los cambios hormonales durante la menopausia. La mayoría de las plantas son silvestres y se consideran malas hierbas. [ cita requerida ]
Sus dibujos reflexionan sobre la masculinidad, el capitalismo, la blancura y sus toxicidades inherentes, superponiendo y fusionando flores venenosas rebeldes con carne y cabello, utilizando grafito y bolígrafo. Junto a la instalación, McCarty incluye folletos impresos en papel de periódico que identifican las propiedades venenosas de las plantas y sus usos medicinales, además de incluir la historia local de las plantas y la zona geográfica.
Para ampliar el proyecto más allá de los muros de la galería, McCarty creó un jardín público de 45 pies de diámetro con plantas venenosas, con el apoyo de UB Arts Collaboratory y Silo City. El jardín, que es el primer movimiento de tierra viviente de McCarty, está bajo la administración a largo plazo de Silo City y el cuidado del ecologista Josh Smith. [22]
Kunsthaus Baselland, Suiza, 2020 también contó con una instalación de los dibujos a gran escala del artista junto a un jardín interior de plantas poderosas con una mesa de germinación donde las plantas crecieron durante la duración extendida de la exposición. La tercera instalación de esta obra se exhibe actualmente en Last Tango en Zúrich, Suiza. [ cita requerida ]
Las obras de Can I Borrow Your Hole at Last Tango se produjeron durante la pandemia de COVID-19 en el momento de las primeras grandes protestas de Black Lives Matter . Las obras contienen algunos de los primeros dibujos pequeños del artista y están instaladas en carteles diseñados para resaltar el poder de salir a las calles para exigir un cambio institucional. Los carteles hacen que los dibujos sean a la vez intervencionistas e inmersivos. Los títulos reintroducen el trabajo anterior de McCarty con texto. Al utilizar homónimos, McCarty juega con el significado del lenguaje al imbuir la obra de una compleja superposición, jugando con las contradicciones que se encuentran en la sociedad y tocando el caos político y la división de los Estados Unidos actuales, así como el cuidado y el activismo colectivo presenciados en la respuesta a los tiempos tumultuosos. [ cita requerida ]
La obra de McCarty se puede encontrar en las colecciones del Museo de Brooklyn , [23] el Museo Rubell , el Museo de Queens , el Museo de Arte Contemporáneo de Houston, el Museo de Arte del Smith College , el Museo de Arte de Berkeley y el Museo de Arte Nasher . [ cita requerida ] El jardín permanente Into The Weeds está abierto al público en Buffalo, Nueva York. [22]
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