Jorge de la Vega (27 de marzo de 1930 – 26 de agosto de 1971) fue un pintor, artista gráfico, dibujante, cantante y compositor argentino. [1]
Aunque de la Vega estudió arquitectura en Buenos Aires durante seis años, luego se convirtió en pintor autodidacta. De 1961 a 1965 fue miembro del movimiento artístico llamado Nueva Figuración . Durante su participación en este movimiento, se convirtió en miembro del grupo Otra Figuración . En los últimos años de su carrera y vida escribió y cantó canciones populares de protesta que expresaban su visión humorística del mundo. Además de los museos de Argentina, sus obras cuelgan en el Museo de Arte de Phoenix , el Museo de Arte Moderno de Río de Janeiro, Brasil, y el Museo de Arte de las Américas en la OEA en Washington, DC .
Jorge de la Vega nació en Buenos Aires, Argentina, el 27 de marzo de 1930. De 1948 a 1952 estudió arquitectura en la Universidad de Buenos Aires antes de dejarla para dedicarse a su verdadera pasión: el arte. Comenzó a crear sus primeras obras a mediados de la década de 1940, y durante la década de 1950 creó pinturas geométricas tanto figurativas como abstractas. [2] En 1961, él y otros tres artistas argentinos crearon el grupo Otra Figuración, con el que trabajó entre 1961 y 1965. Viajó a Europa con este grupo, donde se inspiraron para crear una nueva forma de arte propia. Más tarde viajó solo a los Estados Unidos, y recibió una gran influencia del movimiento Pop Art de la ciudad de Nueva York. Durante su estancia en los EE. UU., también trabajó en la Universidad de Cornell como profesor visitante/artista. Al regresar a Argentina, abandonó las artes visuales y pasó los últimos años de su vida como cantante/letrista popular. Murió en Buenos Aires el 26 de agosto de 1971.
Como artista, De la Vega puede ser mejor descrito en esta cita de su colega de Otra Figuración, Luis Felipe Noé, después de la muerte de De la Vega (como despedida de su amigo cercano):
Jorge era pintor, Jorge cantaba, Jorge era un letrista del absurdo y del caos. Ese caos que casi lo traga en algún momento de su vida. Pero con mucho sentido del humor, con un gran deseo de salud, de aire limpio, lo superó, se redefinió, a través de su método constante de dar vuelta las cosas. Empezó dando vuelta la pintura, mostrando una libertad que muy pocos han tenido. Si uno no hace lo que quiere en la pintura, ¿dónde lo hará?, me dijo una vez. Después pintó un mundo de personas torcidas y vueltas: el de la aparente sociedad consumista. Con sus ojos de artista de un país subdesarrollado miró al país más desarrollado y lo radiografió cruelmente. Entonces cantó que había que dar vuelta las cosas. Murió cuando estaba tomando conciencia de que lo que había que dar vuelta era mucho más que la pintura, mucho más que él mismo: la sociedad entera. [3]
De la Vega comenzó su educación estudiando arquitectura en la Universidad de Buenos Aires en Buenos Aires, Argentina . Estudió allí desde 1948 hasta 1952 antes de decidir dedicarse al arte, como pintor autodidacta. Exploró muchos estilos (incluyendo la abstracción geométrica y el realismo antes de unirse al grupo Otra Figuración a principios de la década de 1960. De la Vega recibió una beca Fulbright para enseñar en la Universidad de Cornell en 1965 y trabajó allí como profesor visitante y artista. [1]
En la década de 1960, de la Vega fue miembro del grupo de artistas argentinos Otra Figuración , también llamado Nueva Figuración. El grupo se fundó en 1961 como una reacción contra la tradición dominante de la abstracción geométrica argentina durante ese período [2] y estaba formado por cuatro hombres: Jorge de la Vega, Luis Felipe Noé , Rómulo Macció y Ernesto Diera. Los artistas compartían muchos objetivos, siendo el principal la creación de un nuevo arte que recuperara el uso de la forma humana sin simplemente imitar los viejos estilos o deslizarse hacia los estilos decorativos de muchos otros pintores abstractos informalistas. Su uso de la figura les permitió a cada uno expresar ansiedades existenciales individuales a su manera. [4] Muchas de sus obras de arte no solo mostraban ideas de sus psiquis personales, sino también sus opiniones políticas y críticas generales de la sociedad; "la ballena emblemática del grupo representa así la espontaneidad, la creatividad y el riesgo; en otras palabras, todas las cualidades que el capitalismo le quitó al arte". [2]
La primera exposición colectiva del artista, titulada “Otra Figuración”, se realizó en la Galería Peuser del 23 de agosto al 6 de septiembre de 1961. En esta exposición, publicaron una declaración pública que decía: “No somos un movimiento, ni somos un grupo, ni una escuela. Somos simplemente unos pocos pintores que sentimos la necesidad de incorporar la libertad de la figura a nuestra propia libertad de expresión. Y, como creemos firmemente en esa libertad, no queremos restringirla con ninguna limitación dogmática, esclavizándonos así a nosotros mismos. Es por eso que evitamos el prólogo. Sin embargo, hay una razón de ser, un impulso artístico que nos ha estimulado a realizar esta exposición. Aunque hay una raíz común a esa voluntad artística, se expresa individualmente, por lo que cada uno de nosotros se examinará a sí mismo en otro lugar y dejará que la exposición hable por sí misma”. [5]
En 1962, los artistas viajaron juntos a Europa y se establecieron en París . Allí planearon cómo crearían nuevas formas de arte y actuaron como influencias creativas entre sí en su proximidad: de la Vega y Noé vivían juntos, y Diera y Macció compartían un estudio. [6] A diferencia de otros artistas del movimiento figurativo en el arte latinoamericano de la época (como José Luis Cuevas en México), Otra Figuración quería explorar condiciones psicológicas en lugar de objetivas al explorar la naturaleza de la humanidad. No se veían a sí mismos como simples observadores del espectáculo del mundo, sino como participantes activos, creyendo que "la única manera de aventurarse es aventurándose en el hombre mismo". [2]
Aunque a menudo se hacía referencia al grupo como "Nueva Figuración", a ellos no les gustaba ese nombre y preferían que los llamaran "Otra Figuración". La diferencia puede parecer sutil, pero en realidad no querían que se les confundiera con la simple reinvención del estilo antiguo en nuevas obras de arte. Luis Felipe Noé lo describió mejor en el prefacio del catálogo de la exposición, diciendo:
Cuando digo otra figuración, no me refiero a una figuración recíproca. Hoy en día, los rostros de los hombres no son diferentes de los rostros de sus bisabuelos, pero la imagen del hombre no es la misma hoy que ayer. En nuestro tiempo, el hombre no está protegido por su propia imagen; vive en una relación existencial constante con sus semejantes y con las cosas. Creo que el elemento de relación es esencial para la idea de otra figuración. En lugar de desvanecerse en la nada, las cosas tienden a mezclarse. Pienso en el caos como una virtud. En el marco de ese caos, la figura en mi obra no debe considerarse ni aleatoria ni incidental. Ciertamente, creo que vale la pena reflexionar sobre la figura humana, pero no estoy apoyando un retorno a la figuración. [5]
Como describe aquí Noé, las cifras reales no han cambiado, pero la imagen que se tiene de ellas nunca deja de hacerlo. La cifra, como siempre lo fue, debe ser vista como nunca antes, teniendo en cuenta los contextos sociales, económicos y políticos siempre cambiantes de Argentina y de América Latina en su conjunto.
Una breve mirada a las diferentes fases estilísticas de la obra de De la Vega a lo largo de su carrera (ver a continuación algunas pinturas de ejemplo).
1946-1952. "Pinto sólo cuando tengo ganas. Utilizo modelo, que me gusta dejar en libertad, para sorprenderlo en su gesto menos forzado. Creo que, en pintura, el tema es sólo un pretexto para lo que uno quiere decir. Yo uso modelo, que me gusta dejar libre, para captarlo en su gesto sin que sea forzado. Creo que en la pintura el tema es sólo un pretexto para lo que quieres decir.)" - Jorge. de la Vega. [7]
Esta fase del arte de De la Vega fue la primera. Consistió en retratos y fue donde él (como artista autodidacta) comenzó a explorar un posible estilo para sí mismo después de dejar una posible carrera en arquitectura. Las pinturas de este período usaban colores apagados y a menudo presentaban primeros planos de rostros humanos detallados con emociones obvias. Esto es un marcado contraste con sus figuras posteriores: criaturas coloridas con aspecto bestial e imágenes satíricas de arte pop.
1953-1960. "Poco a poco, estructuré la imagen de manera cada vez más geométrica hasta llegar a despojar mis obras de todo contacto con la realidad visual física, buscando encontrar nuevos modos de relaciones en el dominio de los colores, de las texturas y las formas. ( Poco a poco, estructuré la imagen de una manera cada vez más geométrica para despojar mi trabajo de todo contacto con la realidad visual física, buscando encontrar nuevos modos de relación en el dominio de los colores, las texturas y las formas.)" - Jorge de la Vega. [7]
Estas pinturas son muy características del movimiento de abstracción geométrica, que fue muy influyente en el arte latinoamericano de esa época. No hubo nada en esta fase que fuera muy político ni hiciera ningún tipo de declaración sobre las opiniones de De la Vega (que luego expresaría con más claridad en otros estilos).
1960-1962. "No fui exactamente yo quien introdujo figuras humanas en mi pintura; creo que fueron ellas mismas las que me utilizaron para inventarse; no fue una imposición involuntaria sino un encuentro natural y ahora no podría prescindir de ellas sin sentir cercenada mi voluntad expresiva. (It No fui exactamente yo quien introdujo figuras humanas en mi pintura, creo que fueron ellos mismos quienes me utilizaron para inventarse, no fue una imposición involuntaria sino un encuentro natural y ahora no podía prescindir de ellas sin sentir mi voluntad expresiva cercenada. )" - Jorge de la Vega. [7]
Esta fase caracterizó los primeros años de la obra de De la Vega con Luis Felipe Noé, Rómulo Macció y Ernesto Diera (véase la sección Otra Figuración más arriba). Sus pinturas en esta época eran informalistas y coloridas, y se parecían un poco a la fase del "bestario" que vendría pronto, sólo que sin el uso del collage, el ensamblaje o el frottage (estilos incorporados en la siguiente fase).
1963-1966. "Quiero que mis obras choquen con el espectador con la misma intensidad con que chocan todas sus partes entre sí, por pequeñas que sean. Una ficha de nácar sobre una mancha. Un número junto a una piedra. Una bestia de oropel. Una quimera de humo (Quiero que mis obras choquen con el espectador con la misma intensidad con la que chocan todas las partes, por pequeñas que sean. Una hoja de nácar sobre una mancha. Un número junto a una piedra. Una bestia de oropel. Una quimera de. humo.)" - Jorge de la Vega. [7]
Este estilo se caracterizó por el uso de técnicas no tradicionales como el collage y el ensamblaje para crear figuras "bestiales" que de la Vega llamó " esquizobestias " o " conflictos anamórficos ". Anamórfico, en este caso, significa "algo que se vuelve irreconocible por la distorsión, a menos que se mire desde un ángulo particular", y muchos de estos bestiarios eran exactamente eso. De la Vega quería que la visualización de estas pinturas distorsionadas fuera como lo que uno ve en un espejo trucado. [2] Estas pinturas usaban telas y lienzos pegados, doblados y estirados, combinados con pintura y pequeños objetos, a veces utilizados para crear un efecto de frottage. [6] Esta técnica le permitió a de la Vega incorporar la realidad a sus obras de arte, mientras seguía explorando principalmente sus propias fantasías. De este estilo dijo (en el catálogo de los premios Di Tella de 1963): “Quiero que mi pintura sea natural, sin límites ni fórmulas, improvisada como la vida, creciendo en todos los lugares y haciendo lo que ella quiera, aunque yo no quiera”. Su objetivo nunca fue narrar la historia, utilizando estos objetos de la vida real como conexión con la realidad, sino más bien añadirlos a su imaginación. [6]
1966-1971. "Los cambios me movilizan. En Nueva York cambié la temática: adiós a las figuras mitológicas y búsqueda del hombre. Norteamérica es un mundo tan poderoso y artificial que por contraste el hombre adquiere alivio. (Los cambios me mueven. En Nueva York cambié el Tema: Adiós a las figuras mitológicas y a la búsqueda del hombre. América del Norte es un mundo poderoso y artificial en el que por el contrario el hombre adquiere relieve.)" - Jorge de la Vega. [7]
Cuando se mudó a los Estados Unidos durante varios años a mediados de la década de 1960, De la Vega recibió una gran influencia del movimiento Pop Art de la ciudad de Nueva York. En esta etapa, se alejó drásticamente de su estilo figurativo habitual y comenzó a unir rostros de la televisión, periódicos, revistas, anuncios y otras formas de medios populares a "cuerpos deformados fluidamente que se enredaban y entrelazaban". [5] Esta etapa mostró verdaderamente el sentido del humor de De la Vega, como una crítica cómica de la sociedad de consumo.
En sus últimos años, de la Vega se convirtió en un popular cantante y letrista tras abandonar las artes visuales. Dos grandes ejemplos de su obra en esta época de su vida son "Proximidad" y "El gusanito en persona". La nota del editor que precede a estas obras (tal como se publicó en Utopías invertidas) aclara: "Este documento y el anterior son de interés no por su importancia como poemas, sino porque ilustran una de las salidas creativas elegidas por los artistas argentinos que, a fines de la década de 1960, abandonaron la pintura para eludir la institucionalización del arte. Para entonces, el medio de la pintura no había colmado sus expectativas y sus argumentos habían tocado fondo". [5]
"Estar cerca, estar cerca el uno del otro, juntarse, sostenerse y abrazarse, rozarse el uno con el otro, rodearse y mezclarse el uno con el otro, abrazarse fuerte y apretarse el uno al otro, acurrucarse y abrazarse el uno al otro, tomar aliento, acercarse y ser incluidos, amontonarse, envolverse y anudarse juntos, y renovarse, asentarse y coexistir juntos.
Unámonos y unifiquémonos, combinémonos y juntémonos, juntémonos y aténgámonos y recopilémonos, aliémonos y vinculémonos, reconciliémonos y acoplémonos, adhirámonos, amalgamémonos y barajémonos, dejémonos atornillar, empaparnos e insertar, entrelazarnos, entremezclarnos y entretejer.
Mi compañero: mi compañero, consistente, inseparable, conspirador, confuso, aproximado, convergente, yuxtapuesto y adyacente, limítrofe e inherente, incluyente, incluido y subsiguiente: imaginen cuánto podrían hacer las personas si el diccionario fuera menos imponente.
Buenos Aires, 1968
Letra de "Proximidad", presentada durante la primera actuación pública del pintor como compositor-cantante en De la Vega exponen canciones en la Galería Bonino, 1968. [5]
Desde hace un tiempo el pequeño gusano se retuerce sin importarle nada el dibujo que a sus pies va apareciendo lentamente en la hierba y que se parece al pequeño gusano pero al revés.
Un buen día se hartó tanto del enigma dibujado que empezó a tirar de él y enrolló los hilos hasta formar una bola con la que hizo tejer un sencillo traje en un telar.
Cuando se presenta así, vestido de “él mismo” y rebosante de optimismo, nos vemos obligados a reflexionar que el pequeño gusano “en persona” es diferente a casi todo el mundo en la vida real.
Y esto es lo que ha comprendido bien: un mundo al revés sólo tiene sentido si lo miras en su conjunto y de una vez y si no dispersas tu vida: una fracción comme il faut, una fracción al revés.
Buenos Aires 1968.
Letra de "El gusanito en persona", incluida en su disco Olympia Jorge de la Vega canta sus canciones, cuya portada vistió las paredes de la Galería Bonino en su presentación (Buenos Aires, 16 al 31 de octubre de 1968). [5]
(Fase de formación) Retrado de su padre , 1952, óleo s/ cartón, 70 x 50 cm. César de la Vega, Bs. Como.
(Fase Geometría) Sin título , 1960, óleo s/ tela (óleo sobre lienzo), 100 x 100 cm. Museo de Arte Contemporáneo, Bs. Como.
(Fase Otra Figuración) El rescate , 1961, óleo s/ tela (óleo sobre lienzo), 195 x 129,5 cm. Marta y Ramón de la Vega, Bs. Como.
(Fase Bestiario) El día ilustrísimo , 1964, técnica mixta s/ tela (técnica mixta sobre lienzo), 249,55 x 199,5 cm. Marta y Ramón de la Vega, Bs. Como.
(Fase pop) Rompecabezas , 1969/70, acrílico s/ tela (acrílico sobre lienzo), 100 x 100 cm, cada panel (cada panel). Teresa Zavalía, Bs. Como. (3 paneles), Coronel Jorge y Marion Helft, Bs. Como. (2 paneles), Marta y Ramón de la vega, Bs. Como. (12 paneles).