John Himmelfarb (nacido en 1946) es un artista estadounidense, conocido por su trabajo idiosincrásico, aunque modernista, en muchos medios. [1] Diversas influencias que van desde Miró , Matisse y Picasso hasta Dubuffet , artistas de la escuela de Nueva York como De Kooning , Guston y artistas pop informan su trabajo, descrito por críticos y curadores como caóticamente complejo y estrechamente construido. [2] [3] [4] A menudo emplea líneas enérgicas y gestuales, patrones densos de formas acumuladas y movimientos fluidos entre la figuración y la abstracción, utilizando estrategias de ocultación y revelación para crear una sensación de significado que es a la vez lúdica y esquiva. [5] [6] [7] Su trabajo también está unificado por "una biblioteca circulante" de motivos y estructuras organizativas, como mapas geográficos y urbanos, formas naturales e industriales abstractas y sistemas lingüísticos. [8] [9] Al evaluarlo a mitad de su carrera, Andy Argy de New Art Examiner escribió: "El arte de Himmelfarb es original [...] Su descarada inmersión en el arte gráfico, enfatizando el dibujo sobre la pintura, le ha ganado un lugar importante entre los artistas que convertir los dibujos en declaraciones estéticas importantes". [10] Himmelfarb luego recurrió a pinturas monumentales que el crítico Christopher Moore llamó exhibiciones pirotécnicas alegres, luminosas y frenéticas. [11] En 2006, comenzó a dedicar un tiempo considerable de estudio a la escultura que el curador Gregg Hertzlieb describió como una expresión de la "necesidad humana de juego y (nuestra) fascinación duradera por la metamorfosis y la transformación". [12]
Himmelfarb tiene una extensa trayectoria expositiva, en particular en las galerías Terry Dintenfass y Luise Ross (Nueva York), Jean Albano Gallery (Chicago), Chicago Cultural Center , Kalamazoo Institute of Arts , Eskenazi Museum of Art (Indiana University, Bloomington), Brooklyn Museum. y el Instituto de Arte de Chicago . Su obra se encuentra en más de cincuenta colecciones públicas en los EE. UU. y en el extranjero, incluido el Smithsonian American Art Museum , la Bibliothèque nationale de France , el British Museum y el High Museum of Art de Atlanta. Ha sido reconocido con una beca Yaddo y una residencia en Artes/Industria en Kohler, Wisconsin, así como becas del National Endowment for the Arts , la Fundación Pollock-Krasner y el Illinois Arts Council . [13] Himmelfarb trabaja y vive en Chicago y Spring Green, Wisconsin, con su esposa, Molly Day.
John Himmelfarb nació en 1946 en Chicago y creció en la zona rural de Winfield Township, Illinois . Sus padres, Eleanor y Sam Himmelfarb , eran ambos pintores y su padre también tenía una empresa de diseño industrial llamada 3-Dimensions. [14] [15] Los tres expusieron juntos en algunas ocasiones. [16] Las visitas a museos, los viajes centrados en el arte y las conversaciones serias sobre arte, música y literatura fueron constantes en la vida familiar temprana de Himmelfarb. [8] En 1964, se matriculó en la Universidad de Harvard sin intención de seguir una carrera artística. [17] [14] Eso cambió después de un estudio independiente de dibujo en el tercer año con el escultor Wil Reimann y el estímulo de los artistas de la facultad Robert S. Neuman y Mirko Basaldella . [14] [18] [8] En 1968, cuando se graduó en Ciencias de la Arquitectura y Planificación Urbana, ya había decidido convertirse en artista. [19]
Con la intención de apoyar su arte mediante la enseñanza, Himmelfarb se inscribió en el programa de Maestría en Enseñanza de la Escuela de Graduados en Educación de Harvard. En 1970, completó sus estudios y también conoció a su futura esposa, Molly Day. Después de viajar al extranjero, regresó a Chicago, trabajó en el estudio de sus padres y, en la venta de su primer estudio, generó las ganancias para montar su propio estudio. [17] [7] A finales de 1971, él y Molly compraron una casa en el vecindario Pilsen de Chicago y, después de casarse en 1972, remodelaron la casa para convertirla en una combinación de casa y estudio. [20] [14] En los años siguientes, tuvieron dos hijos, Forest, nacido en 1979 y ahora empresario, y Serena, nacida en 1986, que ahora también es pintora.
Al carecer del pedigrí de un MFA o de una residencia en Nueva York, Himmelfarb siguió su carrera artística de una manera inusual, con una especie de practicidad del Medio Oeste. [8] [7] Construyó su reputación con largos viajes por carretera, reuniéndose individualmente con curadores de museos y propietarios de galerías en todo el Medio Oeste, y cultivando coleccionistas a través de pequeñas exhibiciones en hogares de personas en lugares tan remotos como Omaha, Minneapolis, Erie y Bostón. [19] [21] Su estrategia poco ortodoxa funcionó a largo plazo. [17] A finales de la década de 1970, consiguió adquisiciones del Instituto de Arte de Chicago [22] y del Smithsonian, [7] y una amplia base de apoyo, que convenció a Terry Dintenfass , Gallery 72 (Omaha) y Barbara Balkin (Chicago) para representarlo. También obtuvo la atención de críticos como la cofundadora de New Art Examiner, Jane Addams Allen [4] y Harold Haydon del Chicago Sun Times , [23] y exposiciones en universidades y museos de todo el Medio Oeste. [24] Posteriormente, expondría en las galerías Luise Ross, Jean Albano y Thomas McCormick (Chicago), y Modern Arts Midtown (Omaha), y en museos como el Jule Collins Smith Museum of Fine Art , Huntington Museum of Art ( Virginia Occidental), Museo de Arte de Davenport (Iowa) y Centro de Arte de Sioux City . [25]
La relativa distancia de Himmelfarb de los canales tradicionales del mundo del arte llevó su trabajo en una dirección igualmente idiosincrásica, menos centrada en la novedad o las polémicas estéticas, y más en la intuición, la iconografía personal y la construcción de la tradición modernista. [1] [8] Con una "inquieta energía creativa", exploró libremente los medios (dibujo, grabado, pintura y, más recientemente, escultura, cerámica y tapices), creando un cuerpo de trabajo muy diverso, consistente en sus convicciones formales y su carácter humanístico. preocupaciones por la relación de la humanidad con la naturaleza (incluida la suya propia), la organización de la civilización y las estructuras de comunicación visual y lenguaje. [26] [27] [28] Su trabajo quizás esté mejor organizado en series importantes, que tienden a emplear múltiples medios: 1) primeros dibujos e impresiones; 2) "Reuniones"; 3) Series relacionadas con la lengua; 4) "Romance interior"; y 5) "Camiones".
Himmelfarb inicialmente se centró en dibujos e impresiones en tinta en blanco y negro de "complejidad acumulada" [7] que los críticos relacionaron con el dibujo automático surrealista o el realismo mágico. [2] [1] En obras enigmáticas de hasta cuatro por ocho pies, una línea de contorno inquieta y nervuda creó un enfoque dinámico y cambiante del macrocosmos al microcosmos, del patrón a la imagen y de la abstracción a la figuración, como animales, personas, plantas y Las estructuras surgieron y se desmaterializaron en un tapiz entrelazado de formas orgánicas y geométricas de borde a borde. [29] [19] Críticos como Jane Addams Allen y Derek Guthrie vieron en el laberinto de observación, incidentes y detalles múltiples niveles de percepción: un sentido de la naturaleza "sinónimo de ritmos de vida"; una visualización de la civilización que refleja los estudios de planificación urbana de Himmelfarb; y un humor irónico que surge de yuxtaposiciones de gestos, proporciones y formas. [4] [30] Harold Haydon escribió sobre su "asombro ante el genio inventivo del artista" y su "infinita satisfacción al descifrar imágenes y descubrir el humor y la ironía ocultos". [7] Con el tiempo, Himmelfarb se expandió hacia grabados y pinturas en color, incluido su "Barquero" de principios de la década de 1980, un ciclo de obras más primitivas ejecutadas con pinceladas cortantes y arremolinadas, que actualizaron el tema clásico del " barco de los tontos " en obras que sugieren al hombre. "amontonándose en el olvido". [2] [24] [21]
La serie "Meeting" presentaba dibujos a pincel, grabados y pinturas a gran escala (de hasta dos metros y medio por treinta y dos pies) que intensificaron el uso de patrones generales por parte de Himmelfarb, pero desarrollaron un enfoque narrativo más dramático que a veces sugería una ampliación, detalles elaborados de los dibujos anteriores. [29] La mayoría de las veces, estas obras, como Lava Flow (Meeting) Red (1986) o Lumber Street Meeting (1988), representaban un par o trío de cabezas grotescas y totémicas (generalmente un hombre en vistas frontales y de perfil y un perro gruñendo). ), representado con pinceladas entrecortadas entrelazadas y colores abrasadores contra el negro, que emergían y desaparecían entre la vegetación retorcida. [6] [15] Mientras que algunos críticos detectaron la tensión de "alter egos divididos" en el nuevo trabajo, [30] otros como Art in America 's Frederick Ted Castle vieron "descaro barroco", involucrando "desorden humano" y una rico juego de dualidades: representación versus no representación, confrontación versus resolución, hombre versus naturaleza/bestia, la personalidad integrada versus sus partes. [6] [24] [15] Andy Argy notó un juego intrigante entre forma e imagen "que sugiere una versión caligráfica de un expresionista abstracto enloquecido" que permitió que la obra pareciera serenamente decorativa e intensamente expresionista, como el hada de Grimm o Andersen. cuentos, tanto humorísticos como aterradores. [10]
La fascinación de Himmelfarb por el lenguaje se remonta a sus primeros días en Harvard, cuando inventó su propio alfabeto pictórico, y resurgió esporádicamente en dibujos como 30/5/79 y sus obras "Grid" de la década de 1970. [31] [18] En la década de 1990, comenzó dos series que representaban su exploración más profunda del lenguaje, sus notablemente variados "Iconos" y "Puzzles". [32] En estas obras, creó composiciones que se asemejan a pergaminos sagrados, tablillas, fragmentos de fachadas de templos y documentos cotidianos, creados a partir de lenguajes privados e inventados de pictogramas, jeroglíficos y caracteres derivados del Neolítico y símbolos religiosos, antiguos dibujos terrestres, asiáticos y árabes. alfabetos y escrituras de sellos que implican declaraciones coherentes, pero que siguen siendo misteriosas. [27] [28] [9] Formalmente, la serie se relaciona con los primeros dibujos de Himmelfarb en la tensión entre imagen general y patrón, manipulación del espacio positivo y negativo, y exploración de estructuras visuales, aquí, del lenguaje más que del orden social. [27] [33] En "Iconos" como Motor Home (2007) o la costa de Chicago con azulejos de cerámica (2004), una comisión pública para la parada de metro Kedzie Avenue de la Autoridad de Tránsito de Chicago [34] , Himmelfarb trabajó de una manera simplificada, manera gráfica; en obras de "Puzzle" como Jump, acumuló más detalles dibujados en los fragmentos. El crítico John Brunetti los describió como "gestaltos evocadores de lenguaje, imagen y pensamiento", que combinan "belleza inusual" y "disciplina rigurosa", para sugerir las firmas físicas y espirituales dejadas por civilizaciones pasadas o la riqueza de la vida. [29]
En 2003, Himmelfarb comenzó a traducir sus "Iconos" en tres dimensiones, creando esculturas de bronce, hierro y aluminio a pequeña escala a partir de sus pictogramas. [8] Aumentando la escala, creó Duncan Gates (2008) de tamaño humano, dos puertas de bronce fundido encargadas para un parque de esculturas de propiedad privada en Lincoln, Nebraska, y la escultura exterior de metal pintado Local Hero (2018), que también tiene rastros de sus pinturas en forma de celosía "Inland Romance".
La serie "Inland Romance" refleja el vínculo romántico de Himmelfarb con Chicago y el Medio Oeste. Incorporaba elementos abstractos inspirados en el ritmo, la densidad y las formas industriales de la ciudad (puentes, escaleras, herrajes, chimeneas, grúas, desguaces, a menudo dibujados como pantallas de celosía sobre terrenos modelados) y pasadizos como ríos, carreteras, mapas y líneas de transporte. . [35] [19] [1] Alan Artner del Chicago Tribune y otros también vincularon la serie con las obras caligráficas de Himmelfarb, viendo una relación entre las formas reticulares y las ampliaciones delineadas de sus jeroglíficos (como en Veneer Court, 1998) que sugerían la monumental obra de Franz Kline . [9] [1] Además, un nuevo lirismo y una pictórica expresionista abstracta pasaron a primer plano (por ejemplo, Limestone Fox, 2000), junto con sus líneas característicamente dinámicas y sus composiciones densas y apiladas. [36] Los críticos normalmente notaron la exuberancia, el color luminoso y el ritmo frenético de las pinturas, comparándolas de diversas maneras con jazz improvisado, vidrieras, planos de ciudades míticas o tapices que representan un viaje. [11] [5] [37]
De particular interés es Oakton Circle (2001), de aproximadamente once pies por veinticinco pies, una obra que comenzó como un lienzo en blanco (montado con dos obras de tamaño similar en el Museo de Arte Koehnline de Oakton College) que Himmelfarb ejecutó como un acto público de pintura performance, que comenzó en la inauguración de su exposición el 6 de septiembre de 2001. [19] [38] Completada en los días posteriores a los ataques del 11 de septiembre, la obra atrajo la misma atención de los espectadores tanto por la actuación de alta presión de Himmelfarb como por su emoción emocional. Color cargado y dinamismo a una escala épica. [38] [39]
La serie "Trucks" de Himmelfarb representa un viaje de lo más improbable. Todo comenzó inesperadamente un día después de ver un cuadro de Dubuffet en el Instituto de Arte de Chicago. [40] Dubuffet empleó una línea negra líquida sobre un fondo multicolor que electrizó a Himmelfarb. Inmediatamente acudió a su estudio para emular el impacto gráfico de un cuadro de "Inland Romance". Cuando surgió una forma parecida a una grúa, dibujó lo que parecía ser un camión debajo (Bypass, 2003). En el siguiente cuadro, Avion (2004), prescindió de la grúa y sólo apareció un camión. [41] [42] Nació una nueva serie que se expandiría para incluir dibujos (muchos de ellos en tarjetas de catálogos de bibliotecas antiguas), grabados y esculturas que emplean cerámica, madera, hierro fundido, acero y, finalmente, conjuntos manejables de 25 pies que incorporan camiones reales, que los críticos han descrito colectivamente como caprichosos y formalmente inventivos. [12] [21] Los curadores reunirían este trabajo ecléctico en la exposición itinerante del museo, "Trucks" (2014–6). [42] [43]
Himmelfarb se centró inicialmente en obras bidimensionales que llevaban la influencia de Dubuffet y Guston. [44] [21] Pero una residencia en 2007 en el programa "Arte en la Industria" del Kohler Arts Center le permitió a Himmelfarb explorar seriamente el trabajo tridimensional. [8] Comenzó a fundir camiones expresionistas de aspecto fundido que a veces eran indistinguibles de su carga, como la Ópera griega y Pájaro en mano. [40] [8] En 2008, dio un gran salto al adquirir una camioneta pickup International KB-1 de 1946, junto con una gran cantidad de objetos encontrados (barriles de acero, equipos, herramientas, tuberías) que soldó y pintó. firmar rojo para crear el ensamblaje, Conversión. Siguió con Galatea (2010), una obra más esencial en sus formas y manejable, y más tarde, con la muy viajada Penélope esperando a su chambelán (2013), una obra móvil que utiliza un camión agrícola Chevrolet de 1946 que hace referencia a la mitológica Penélope y al escultor de ensamblaje. Juan Chamberlain . [40] A pesar de sus referencias más literales, los "Trucks" de Himmelfarb funcionan de manera muy similar a sus otros trabajos, pasando libremente de lo familiar a lo extraño, de lo funcional a lo artístico, de lo industrial a lo caprichoso, y los camiones sirven en gran medida como "portadores" de formas (colores y formas). ) y significado (suplentes que representan cualidades humanas reflejadas en títulos como Caridad , Dedicación o Tolerancia ). [40] [42]
La obra de Himmelfarb se encuentra en más de cincuenta colecciones públicas en los EE. UU. y el extranjero, entre ellas: el Instituto de Arte de Chicago, La Bibliothèque Nationale de France, el Museo Británico, el Smithsonian American Art Museum, [45] el Museo Nacional de la Estampa (Ciudad de México), Total Museum of Contemporary Art (Seúl), Brooklyn Museum , [46] High Museum of Art, Huntington Museum of Art , Joslyn Art Museum , Portland Art Museum , [47] y Sioux City Art Center, [48] entre muchos. [25] [19] También ha creado proyectos de arte público para la Biblioteca Pública de la Ciudad de Chicago, el Aeropuerto Logan de Boston, la Autoridad de Tránsito de Chicago, la Universidad de Nebraska y Art Omaha. [49] [25]
Himmelfarb ha sido reconocido con una beca Yaddo (1979), así como con subvenciones del National Endowment for the Arts (1982, 1985), la Pollock-Krasner Foundation (1986, 2002), el Illinois Arts Council (1986, 2003), y Artistas de Chicago en el extranjero (1989). Ha sido elegido para residencias por el Kohler Arts/Industry Program (Kohler, Wisconsin) y la Emily Harvey Foundation (Venecia, Italia). También ha sido honrado como Artista Visitante en más de treinta instituciones y universidades, entre ellas la Universidad de Wisconsin-Madison, la Universidad de Canterbury (Christchurch, Nueva Zelanda), la Universidad de Indiana , [18] la Universidad de Nebraska y la Universidad de Chicago , entre otras. muchos. [14] [25]