Elaine "Jae" Jarrell (nacida Elaine Annette Johnson en 1935) es una artista estadounidense mejor conocida por sus diseños de moda y su participación en el Movimiento de las Artes Negras de la década de 1960.
En 1968, Jarrell, junto con Wadsworth Jarrell , Jeff Donaldson , Barbara Jones-Hogu y Gerald Williams, fundaron AfriCOBRA , la Comuna Africana de Artistas Mal Relevantes. [1] Su interés era producir prendas que promuevan el respeto en las comunidades afroamericanas. [2]
Jarrell creció en el barrio histórico de Glenville en Cleveland , Ohio . [2] Influenciada por su abuelo, Jay Jarrell, y su trabajo como sastre, Jarrell aprendió sobre telas y costura a una edad temprana. [2] Fue aprender estas habilidades lo que la encaminó en su camino como artista, diseñadora de moda y comerciante de ropa vintage. También se vio influenciada por el éxito de la mercería de su tío, donde vendía telas y herramientas de costura. Sus logros en los negocios la hicieron querer abrir su propia tienda. [2]
Además de la influencia de su abuelo y su tío, su madre la llevó a tiendas vintage y le enseñó a respetar el trabajo artesanal que implica la confección de ropa. [2] Esto hizo que Jarrell avanzara más en su camino como artista. Al hablar de esta experiencia con Rose Bouthillier (2015), Jarrell dijo:
"Y por eso siempre pensé en hacer ropa para tener algo único, y luego aprendí a coser muy bien y me propuse hacer siempre mis prendas. Y también tengo un amor por lo vintage, sabiendo que tiene secretos de el pasado que puedo desarrollar" (p. 64).
Jarrell asistió a la Universidad Estatal de Bowling Green en el noroeste de Ohio antes de mudarse a Chicago para asistir a la Escuela del Instituto de Arte de Chicago [1] A finales de los años cincuenta y principios de los sesenta, asistió a la misma escuela de arte que Wadsworth Jarrell, un compañero artista que más tarde convertirse en su marido [3] Sin embargo, la pareja no se conoció hasta 1963 después de que Jarrell abriera su propia boutique vintage [4]
Durante sus primeros años en Chicago, Jarrell trabajó de forma temporal en Motorola . Durante su estancia allí, una compañera de trabajo la ayudó a crear el nombre "Jae", que luego continuó usando al producir su arte. [2] Según Jarrell, después de compartir su deseo secreto de ser diseñadora y poseer una tienda, la mujer sugirió que usara el orden inverso de su apellido de soltera, Elaine Annette Johnson, como acrónimo. [2] Siguiendo su consejo, Jarrell abrió una tienda cerca del famoso Hyde Park y la llamó "Jae of Hyde Park". [2]
Chicago también sería importante tanto para Jae como para Wadsworth, ya que sería la ciudad en la que ayudarían a crear AfriCOBRA. En una entrevista, Jarrell le dio crédito a Chicago por ser una ciudad con visión de futuro y la apreció por su mentalidad abierta; sin estos rasgos, dice que no estaba segura de si AfriCOBRA habría tenido éxito. [3]
En 1967, se casó con Wadsworth Jarrell y pasaron su luna de miel en Nassau, Bahamas . Tuvo su primer hijo, Wadsworth Jr., el 7 de enero de 1968. Después de dar a luz a su segunda hija, Jennifer, los Jarrell decidieron mudarse a Nueva York para escapar de la crisis social y económica de Chicago. [4]
Después de su participación en AfriCOBRA en Chicago, Jarrell finalmente se mudaría a Washington DC para continuar aprendiendo una vez más completando su BFA y su trabajo de posgrado en la Universidad de Howard . [3]
Gran parte del arte de Jarrell fue creado como miembro de AfriCOBRA, el colectivo de artistas afroamericanos que buscaba invocar los estilos del arte africano al tiempo que infundía un fuerte llamado a la revolución. AfriCOBRA se formó a partir de los restos de la Coalición de Artistas Revolucionarios Negros (COBRA) y se centralizó en torno a la idea del orgullo negro y el empoderamiento negro que proviene de sentirse poderoso y mantenerse erguido [3] AfriCOBRA incluso tenía un manifiesto escrito por uno de sus miembros fundadores. , Jeff Donaldson, en el que escribió algunos de los principales elementos básicos de la creación artística de AfriCOBRA, así como lo que representaba el colectivo. En una sección, Donaldson habló del tipo de arte que harían los miembros y dijo que encajaría en una de tres categorías:
Yendo más allá en el manifiesto, Donaldson dio detalles muy completos sobre la dirección artística del colectivo, brindando una lista de cualidades que redujo a seis las más importantes que son las siguientes:
Este manifiesto dictaría la forma en que se llevó a cabo AfriCOBRA y, como resultado, influyó en la forma en que Jae Jarrell daría forma a su arte mientras formaba parte del colectivo. Con AfriCOBRA, Jarrell, junto con el resto del colectivo, pretendía utilizar su arte para construir una comunidad de aprendizaje positiva que promoviera el orgullo negro entre la comunidad y entre quienes tuvieran la suerte de experimentar cualquier arte del colectivo. Durante una entrevista con la Fundación Never the Same, Jarrell dijo:
"Hicimos un esfuerzo para crear conciencia. En nuestros corazones, cuando juntamos todo esto, pensamos que iba a ser una explosión de imágenes positivas y cosas que les darían dirección a los niños, y conocer a algunos de nuestros líderes ahora retratados en de una manera nueva. Vi el resultado de nuestra sensibilización, especialmente sobre nuestra historia". [3]
A pesar de estar agrupado en el mismo ámbito que los Panteras Negras y otros grupos negros radicales, AfriCOBRA, como lo vio Jarrell, siempre estuvo impulsado por la positividad y el empoderamiento de los afroamericanos. En la misma entrevista, Jarrell habló de cómo utilizó la historia como referencia sólo cuando analizó los tiempos de empoderamiento africano y, por tanto, evitó utilizar cosas como la segregación como referencia, no sólo para ella, sino también para el colectivo AfriCOBRA. [3]
Al crear arte para AfriCOBRA, Jarrell creó sus prendas únicas, utilizando el cuerpo como recipiente para la revolución y la identidad [1]. Sus piezas reflejan el objetivo del grupo, que era crear una estética afroamericana que celebrara el poder negro y el sentido de comunidad. Durante la entrevista con Never the Same Organization en Chicago, Jarrell describió su trabajo con AfriCOBRA, que implicaba hacer diseños textiles hechos en cuero o gamuza que luego teñiría, serigrafiaría, pintaría a mano y aplicaría [ 3]. Las piezas famosas que hizo en este momento son Revolutionary Suit (1968), Ebony Family (1968) y Urban Wall Suit (1969).
El traje revolucionario (1968) es un traje de dos piezas que tiene el estilo característico de Jarrell de finales de los años 60. El traje tiene una chaqueta de tweed sin cuello y una falda con armazón en forma de A, que combinaba con las tendencias de la moda de la época. Este conjunto también incorpora una bandolera falsa y colorida que destaca sobre el color entrecano del traje. [2] Este artículo, que inspiró ideas sobre cómo usar ropa para la protesta y la revolución, motivó a la revista Jet a escribir un artículo llamado "Black Revolt Sparks White Fashion Craze" que criticaba la moda blanca dominante por su apropiación cultural. [2] La revista acusó al mundo de la moda de tomar la bandolera, que debía ser un símbolo de la protesta justa contra el trato injusto de los afroamericanos, y de intentar convertirla en un accesorio de moda.
Siguiendo uno de los temas de AfriCOBRA, que enfatizaba a la Familia Negra, Jarrell hizo su traje llamado Ebony Family (1968). Está destinado a ser un símbolo del poder dentro de las familias negras fuertes. Ebony Family también enfatiza el interés de AfriCOBRA en la influencia del arte africano y el uso de colores "Cool-ade" [ sic ] brillantes y vívidos. [2] Estos colores "Cool-ade" eran un juego con el naranja brillante, el rojo cereza, el amarillo limón, el verde lima y el morado uva de la bebida Kool-aid. Jarrell logra esto confeccionando su traje para que parezca un cartel que toma la forma de un dashiki, un vestido tradicional masculino de África Occidental. [2] El traje representa a una colorida familia negra, utilizando formas que recuerdan a la máscara africana para crear sus rostros.
Urban Wall Suit (1969) de Jarrell es una pieza inspirada en los graffitis y carteles de conciertos que llenaban las calles y barrios afroamericanos de Chicago. [2] Jarrell incorporó el deseo de AfriCOBRA de enfatizar las imágenes con el lenguaje al hacer del traje un símbolo de los foros de mensajes de la comunidad. Por todo el traje, hay imágenes de carteles que proclaman cosas como "Vote demócrata", así como mensajes de graffiti blancos que dicen cosas como "Princesa Negra" y "Miss Actitud". Además, con Urban Wall Suit, Jarrell reutilizó su tela para seguir uno de los principios de AfriCOBRA, que era reinventarse para crear algo nuevo. [2] Usó piezas pequeñas y restos de su tienda para hacer el mosaico que parecía ladrillos, agregando cinta de terciopelo como mortero. [2] Estos retales de tela son de diferentes colores y patrones, incluidos rayas, lunares y cuadros. Luego incorporó los elementos de graffiti y carteles que se parecían a los tableros de mensajes. [2]
El grupo AfriCOBRA se identificó como una "familia". Se unieron en una cooperativa, fusionando sus estilos únicos en una estética colectiva. Al hacerlo, el grupo pudo representar la unidad y la fuerza en su arte y su movimiento, al tiempo que dejó que sus aspectos y estilos individuales permanecieran en cada una de sus obras de arte. [6] A través de este frente 'familiar' unificado, el grupo AfriCOBRA pudo rechazar estereotipos racializados como el de la supuesta familia negra disfuncional. Sus esfuerzos conjuntos dieron voz a la comunidad; una voz que representa su mensaje y movimiento a través de su arte. [7] Si bien Jae Jarrell y su esposo trabajaron continuamente con su familia artística para un movimiento en el que creían incondicionalmente, finalmente se alejaron de la coalición. Desde entonces, Jarrell ha enfatizado la influencia duradera y presente que AfriCOBRA tiene en su arte: no dejaron completamente atrás a la coalición, la dirección de su futuro simplemente difirió.
Aunque Jarrell ya no está en el colectivo AfriCOBRA, todavía considera a todos aquellos que alguna vez fueron parte del colectivo como familia y dice que todavía está influenciada por ellos cuando hace arte hasta el día de hoy. [3]
En una entrevista con Rebecca Zorach Jae Jarrell explica que AfriCOBRA,
"Es como una familia, sabes, nunca podrías divorciarte de la familia. Sólo puedes crecer, y siempre puedes entender a aquellos que no se han movido en la misma dirección que tú, pero hay un lenguaje que tienes, y un contacto visual, una confianza y un respeto son de gran ayuda". [7]
En años más recientes, Jarrell ha cambiado su enfoque del diseño a esculpir y construir muebles. [3] Algunas de sus obras recientes, que se exhibieron en la exposición "How to Remain Human" en el Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland , incluyen " Maasai Collar Vest" (2015), "Shields and Candelabra Vest" (2015) y "Chaqueta Jazz Scramble" (2015). El "Maasai Collar Vest" (2015) recuerda las prendas y joyas ornamentadas del pueblo masai en África. [2] Esta pieza se basa en la idea de abrazar su herencia africana, algo que se ve en todo su trabajo. Jarrell continúa enfatizando el arte y la cultura africanos en "Shields and Candelabra Vest" (2015) al hacer la pieza a partir de plantas de cactus volteadas para formar marcos para vibrantes escudos africanos. [2] Para su "Jazz Scrabble Jacket" (2015), Jarrell reúne nociones de jazz y blues con imágenes del juego de mesa Scrabble . [2] Imitando el aspecto de crucigrama del Scrabble, Jarrell cruza los nombres de músicos importantes para examinar la influencia de la música en la construcción de escenas, estilos, poder e historia de las comunidades afroamericanas. [2]
El trabajo de Jarrell ha aparecido en varias exposiciones importantes, incluida la exposición de 2014 del Museo de Arte de Brooklyn "Testigo: arte y derechos civiles en los años sesenta" y la exposición de 2015 del Museo de Arte Contemporáneo de Cleveland "Cómo permanecer humano". [2] El trabajo de Jarrell también apareció en la exposición de 2015 "El principio de libertad: experimentos en arte y música", "1965 hasta ahora" en el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago (MoCAC). En 2019, su trabajo, que se centró principalmente en ropa con temas revolucionarios, también se presentó junto con otros artistas en The Broad en Los Ángeles en una exposición especial llamada “Soul of a Nation”.
Sus prendas pertenecen tanto a colecciones privadas como a una colección permanente en el Museo de Arte de Brooklyn. [2]
