Harry Shokler (1896-1978) fue un artista estadounidense del siglo XX conocido por sus pinturas al óleo y serigrafías . Utilizando un enfoque realista que produjo lo que un crítico llamó una "exactitud de interpretación", realizó paisajes coloridos, paisajes urbanos y escenas marinas, así como algunos retratos notables. [1] Ayudó a ser pionero en la serigrafía en la década de 1930 y escribió una influyente guía que explicaba y demostraba el método. Realizó pocas exposiciones individuales o en pequeños grupos en galerías comerciales y mostró su trabajo principalmente desde su propio estudio y en lugares sin fines de lucro.
Aunque los críticos lo elogiaron por su hábil representación de sus temas, no le reconocieron su individualidad estilística ni su habilidad para remodelar temas naturales para lograr una expresión emocional. [2] [3] Al principio de su carrera, los críticos calificaron su obra de "simple, directa y sincera". [4] De su obra madura, otros utilizaron términos como "pintoresco", [2] "convincente", [5] "capaz", [3] "realmente realista" [3] y "honesto". [6] En 1939, Howard Devree del New York Times escribió: "La obra de Shokler es tranquila y sin ostentación, posee un sentimiento real y combina un enfoque más bien tradicional con un vigor y un espíritu modernos". [7]
Shokler nació en Cincinnati el 27 de abril de 1896. [8] Se graduó en la Woodward High School de la ciudad en junio de 1914 y posteriormente se inscribió en la Cincinnati Art Academy , donde Frank Duveneck fue un instructor influyente. [9] Radicado en Europa durante la Primera Guerra Mundial , diseñó camuflaje naval como soldado raso del ejército y, en su tiempo libre, dibujó retratos de oficiales y soldados rasos. [10] [11] Después de su baja, tomó clases en la New York School of Fine and Applied Arts . En 1921 regresó a Cincinnati para continuar sus estudios en la Art Academy y asistir a la escuela de verano dirigida por la Pennsylvania Academy of the Fine Arts . Posteriormente, Shokler alquiló un estudio en Nueva York, donde realizó retratos realistas de celebridades, entre ellas Babe Ruth , el autor Irvin S. Cobb y un trío de acróbatas llamado Allison Sisters. [10] En 1925 y 1926 pasó los meses de verano en la colonia de artistas de Provincetown, Massachusetts . [12] Durante esos años también tomó clases en la Art Students League de Nueva York y, en 1926, ganó la Beca de Viaje de Friburgo de la Liga. [11] Utilizando la beca para viajar y estudiar en Europa, pasó 1927 tomando clases en la Académie Colarossi en París, mezclándose con artistas estadounidenses en la costa de Bretaña y pintando en la Costa Azul . Luego, habiéndose quedado sin dinero, vivió y pintó en Kairouan , Túnez, durante gran parte de 1928. Antes de regresar a Nueva York en noviembre de ese año, visitó Italia, Alemania y, nuevamente, París. [8]
En 1921, mientras cursaba su segundo período de estudios en la Academia de Arte de Cincinnati, Shokler contribuyó con su retrato del autor Irvin S. Cobb a una exposición colectiva celebrada en el Museo de Arte de Cincinnati bajo los auspicios del Palette and Brush Club de la Academia. [13] [4] Tres años más tarde, mostró una pintura marina en una muestra de la Academia de obras de sus antiguos alumnos, y en 1925 mostró paisajes y retratos en una exposición individual en la New School for Social Research de Nueva York. [14] [15] Al año siguiente, contribuyó a una exposición colectiva celebrada por la Sociedad de Artistas Independientes de Nueva York y recibió una pequeña exposición individual de paisajes de Provincetown y vistas del puerto en el Woman's City Club de Cincinnati. [16] [17] En 1927, la Galería Traxel de Cincinnati le dio su primera exposición individual en un espacio comercial. En ese momento, un crítico local dijo que se diferenciaba de otros artistas de Provincetown en su capacidad para capturar la atmósfera del lugar, transmitiendo "sentimientos locales" de una manera personal. "Hay", escribió el crítico, "un cierto reposo en la representación que hace sentir que se trata fundamentalmente del artista más Provincetown". [11]
Hacia el final de su estancia de dos años en Europa y el norte de África, Shokler tuvo una pintura aceptada en la exposición del Salón de París de 1928 y se le dio una exposición individual en la Galerie de Marsan. [18] [19] Poco después de su regreso a los Estados Unidos, el Museo de Arte de Baltimore le dio una exposición individual de algunas de las pinturas de Provincetown y muchas de las que había hecho mientras estaba en el extranjero. [20] La respuesta crítica fue mixta. Un crítico que escribió en The Baltimore Sun elogió su capacidad para representar la atmósfera, particularmente en su uso de pigmentos brillantes para transmitir "la calidez de la luz solar fuerte y casi tangible". [20] Este crítico dio como ejemplo una obra en la que "el crepúsculo azul de la tarde árabe aparentemente se extendía fuera de los límites del marco del lienzo, para formar un aura sobre su sección particular de la galería". [20] En contraste, otro crítico del Baltimore Sun dijo que creía que Shokler todavía estaba sintiendo su camino como artista, que había "perdido el sentimiento y, por lo tanto, la belleza de sus formas". [21] Este crítico dijo que Shokler hizo lienzos que eran "cosas en gran parte elaboradas". [21] A principios de 1929, las Galerías Traxel mostraron las pinturas europeas y norteafricanas, y más tarde ese año Shokler participó en una muestra grupal en la Academia Nacional y una exposición individual en el Three Arts Club de Nueva York. [2] [22]
A principios de la década de 1930, Shokler contribuyó con pinturas a exposiciones colectivas en Nueva York y Filadelfia : en la Academia de Bellas Artes de Pensilvania (Filadelfia, 1930), el GRD Studio (Nueva York, 1930), la Painters and Sculptors Gallery (Nueva York, 1932), el Artists' Co-operative Market (Nueva York, 1932), el Hotel Brevoort (Nueva York, 1933), el restaurante Blue Bowl (Nueva York, 1934) y el Jumble Shop (Nueva York, 1934). [23] [24] [3] [25] [26]
A principios de 1934, Shokler y su esposa, la autora Dahris B. Martin , alquilaron una cabaña de verano en el pueblo de South Londonderry , Vermont, y ese otoño mostró pinturas de lugares emblemáticos del pueblo en una exposición colectiva organizada por Southern Vermont Artists, Inc. en Manchester . [27] [28] Una década después compraron una casa en el pueblo y, como les gustaba el lugar y sus habitantes, pronto la convirtieron en su residencia permanente. [29] [30] La pareja se sumergió en la sociedad local, se volvió activa en los asuntos cívicos del pueblo y buscó cada vez más formas de proporcionar liderazgo en las actividades culturales locales y regionales. [31] [32] [33] En 1948, Shokler comenzó a restaurar un granero en ruinas en la propiedad. Utilizando el trueque para obtener los materiales y la mano de obra necesarios para completar el trabajo, construyó una combinación de estudio, galería y aula. [31] Al principio llamado Barter Barn, el lugar finalmente se conoció como Shokler Art Studio. [32] Shokler utilizó la galería del edificio para exhibir sus propias obras y las obras producidas por estudiantes que acudían allí para aprender arte. También lo puso a disposición como centro de arte local y regional, organizando reuniones de grupos de arte y exhibiendo obras de artistas aficionados y profesionales de la zona. [34]
A principios de la década de 1930, Shokler trabajó para el Proyecto de Obras de Arte Públicas del New Deal . [8] Durante la segunda mitad de la década, continuó participando en exposiciones colectivas en lugares como las exposiciones de fin de temporada de artistas de Vermont que se celebraban anualmente en Manchester, las periódicas exposiciones de arte municipal en Manhattan y una subasta de arte en beneficio de una sección de Brooklyn del Partido Laborista Estadounidense . [25] [35] [36]
En 1939, las galerías Schneider-Gabriel de Nueva York le dieron a Shokler una exposición individual de doce paisajes y escenas portuarias de New Hampshire , Vermont y Montauk . El New York Sun publicó una reproducción de su pintura, "El muelle de Duryea, Montauk", y uno de los críticos de arte del periódico, Henry McBride , elogió la capacidad de Shokler para crear "exactitud en la interpretación". Concluyó: "El color del Sr. Shokler es fresco y el manejo es vivaz. Puede ser que sus composiciones tengan tendencia a veces a ser sobrecargadas, pero el público en general no se opondrá a esto". [1] "El muelle de Duryea" se muestra a la izquierda. Cuando, dos años después, Schneider-Gabriel le dio a Shokler otra exposición individual, un crítico del New York Times destacó dos pinturas al óleo, "Castaño" y "Paisaje de Nueva Jersey", para elogiarlas, escribiendo que lo mostraban "en su mejor momento y en su mejor momento". [6] Unos días más tarde, el Times publicó una reproducción de "Castaño". [37] La pintura se muestra a la derecha.
A principios de la década de 1930, algunos artistas estadounidenses comenzaron a experimentar con la serigrafía , un proceso que entonces se utilizaba principalmente para carteles, publicidad y aplicaciones similares. [38] En 1938, uno de estos artistas, Anthony Velonis , convenció a la Sección Gráfica del Proyecto de Arte de la WPA en la ciudad de Nueva York para que estableciera una Unidad de Serigrafía. [39] Con Velonis a la cabeza, los artistas de la unidad pudieron, por primera vez, concentrar sus energías en el avance de la serigrafía como medio artístico. [40] El proceso, llamado serigrafía o serigrafía, se afianzó rápidamente en la comunidad artística de Nueva York. [41] En 1940, Edward Alden Jewell dio una descripción concisa del método. "Se pinta libremente un barniz de tapado sobre una malla de serigrafía", escribió, "de modo que solo las áreas destinadas a recibir color permanezcan expuestas. Se pueden preparar de tres a treinta plantillas y registrarlas adecuadamente con el efecto total de una interesante pintura al gouache ". [42] Harry Sternberg , uno de los artistas del grupo WPA, le dijo más tarde a un entrevistador: "Los carteles y los escaparates de las tiendas se serigrafiaban. Era algo lógico, intentar hacer impresiones [artísticas] de esa manera. Todos buscábamos una forma de hacer impresiones en color económicas. Las impresiones se vendían a 5 o 10 dólares y necesitábamos una forma barata de hacerlas". [38] : 288 En un artículo publicado en 1964, Edward Landon, otro miembro del grupo, dijo que los materiales y el equipo necesarios para la serigrafía eran asequibles para prácticamente cualquier artista. El método, escribió, era fácil de aprender y cualquier artista debería poder usarlo para crear una edición de impresiones finas. Al mismo tiempo, era tan flexible que los serigrafistas experimentados podían hacer obras de arte complejas. [43] Shokler era miembro de la Unidad de Serigrafía. Más tarde le dijo a un entrevistador que en 1940, cuando el proyecto WPA llegó a su fin, él y una docena de personas más alquilaron un loft en una zona de bajos alquileres del Lower East Side de Manhattan , donde perfeccionaron la técnica y se la enseñaron a otros. [32] El mismo año también se unió a ex miembros de la unidad para formar una organización llamada Silk Screen Group para promover y exhibir obras de arte de serigrafía. [44] En 1944, el Silk Screen Group se rebautizó como National Serigraph Society . [45] Shokler se desempeñó como presidente de la sociedad dos veces durante sus primeros años. [32] El grupo dejó de existir en 1962. [46]
En relación con una segunda exposición individual de Schneider-Gabriel en 1940, un crítico del New York Times dijo que un retrato serigrafiado de Shokler demostraba que el medio podía utilizarse para producir obras de arte de alta calidad. [42] Esta impresión, "Katherine", se muestra a la izquierda. Cuando Schneider-Gabriel le dio a Shokler una tercera exposición individual al año siguiente, un crítico del New York Sun dijo que sus pinturas de paisajes eran "aptas" y añadió: "pero en general uno se inclina a pensar que logra sus mayores éxitos en el manejo del proceso de serigrafía". [3] En 1942, cuando Grand Central Galleries mostró las serigrafías de Shokler en una exposición individual, AZ Kruse del Brooklyn Daily Eagle lo calificó de maestro de la técnica y dijo que la exposición fue un triunfo para él. [47]
Durante la década de 1940 y hasta el final de su vida, Shokler continuó mostrando sus pinturas y grabados en muestras grupales e individuales. La mayoría de estas exposiciones fueron en su propia galería y en organizaciones sin fines de lucro fuera de la ciudad de Nueva York, y sus muestras de Nueva York fueron principalmente en la galería de la National Serigraph Society. [16] [31] [48] En 1953, cuando mostró pinturas de paisajes y serigrafías en el Southern Vermont Arts Center , un crítico local comentó sobre el "sentimiento profundo por el paisaje de Vermont y la gente que lo anima" que evidenciaban y sobre la sensación de "facilidad y feliz realización" que provocaban en el espectador. [48] Con respecto a una pequeña muestra en el Museo de Arte de Cincinnati en 2005, un crítico describió una "inocencia caprichosa y aparente" en una de sus serigrafías y señaló su "sofisticación de la técnica, uso impecable del color y agudo sentido de la composición". [49]
Shokler tomó paisajes y escenas portuarias como sus temas principales, pero también fue un hábil retratista . [4] [48] [50] Se especializó en pinturas al óleo y serigrafías. Los periódicos llamaron la atención sobre sus exposiciones en largas reseñas y breves anuncios más frecuentes. Sin embargo, tanto en vida como después de su muerte, hubo relativamente poca discusión sobre su estilo. Los críticos enumeraron a los artistas cuyo trabajo admiraba, pero rara vez señalaron evidencia específica de influencia. [8] [20] En entrevistas, el propio Shokler nombró a los artistas que admiraba sin decir que influyeron en su trabajo. [51] Los críticos comentaron sobre lo que uno llamó "su exactitud de interpretación" [1] y, como escribió otro, sobre su libertad de "deformaciones". [20] Le atribuyeron "sinceridad y seriedad" [21] y dijeron que combinaba "un enfoque más bien tradicional con vigor y espíritu modernos". [7] En lugar de mostrar innovación estilística, vieron su trabajo como "realista de verdad", que, dijo uno, "después de todo es lo que la mayoría prefiere". [3] En general, sus comentarios sobre el estilo se referían a su manejo del color. Se lo veía esencialmente como un colorista . [1] [20] En 2010, el dueño de una galería señaló que "debido a sus inclinaciones coloristas, los aguafuertes y los grabados en madera nunca lo satisfacían por completo. Eso es lo que lo llevó a la experimentación con Landon que evolucionó hacia la serigrafía". [9] "Julio en Brooklyn", que se muestra a la izquierda, ilustra su enfoque realista y su inclinación colorista en el medio de la serigrafía. "Niños pescando", que se muestra a la derecha, ilustra lo mismo en óleo.
A mediados de la década de 1930, después de comenzar a pasar los meses de verano en Vermont, Shokler dirigió clases de arte para la Asociación de Artistas del Sur de Vermont en Manchester . [8] A partir de 1940, él y otros artistas dieron clases de serigrafía en el espacio de estudio de bajo alquiler de Nueva York que habían alquilado y comenzó a explicar y demostrar la técnica en conferencias que acompañaban a las exhibiciones de serigrafía. [8] [52] [53] [54] Al final de la Segunda Guerra Mundial, escribió un libro que se convirtió en un texto estándar sobre el tema. [55] Titulado Artists Manual for Silk Screen Print Making , apareció por primera vez en 1946 (Nueva York, American Artists Group) y más tarde en una edición revisada de 1960 (Nueva York, Tudor Publishing Co.). [56] Después de haber restaurado el granero en ruinas en su propiedad de Vermont, comenzó a dar clases en su estudio. [32] En 1953 comenzó una temporada como profesor visitante en la Universidad de Columbia y aproximadamente al mismo tiempo hizo lo mismo en la Universidad de Princeton . [8] [32]
Harry Shokler nació en Cincinnati , Ohio, el 25 de abril de 1896. [8] Su padre fue Kolman Shokler (nacido en Rusia, 1864; fallecido en Cincinnati, 1934), y su madre fue Ida Berg Shokler (nacida en la Polonia rusa , 1865; fallecida en Cincinnati, 1944). [57] Shokler tenía siete hermanos y hermanas, la mayoría de los cuales trabajaron en el negocio familiar en un momento u otro. Eran Rose Shokler Fisher (1889-1964), Philip Shokler (1891-1964), Morris Shokler (1893-1972), Fannie S. Shokler Brauer (1901-1997), Jean Shokler (1903-1999), Molly Shokler Glicksberg (1907-1990) y Amelia Shokler Hertzman (1912-). [10] [58]
En 1931 Shokler se casó con Dahris Butterworth Martin (1900-1980). [57] No tuvieron hijos. Utilizando Dahris Martin o Dahris B. Martin como su nombre profesional, fue la autora de muchos libros infantiles. Los dos se conocieron mientras ella vivía en Kairouan , Túnez, investigando un libro. Después de su llegada allí, descubrió que ella era la única otra estadounidense en la ciudad y, por lo tanto, probablemente la persona más capaz de ayudarlo a superar las barreras lingüísticas y culturales que enfrentaba. Se hicieron amigos y ella le brindó la ayuda que necesitaba. [16] Su boda tuvo lugar en Nueva York después de que regresaron de sus viajes. Al principio de su matrimonio vivieron en un pequeño apartamento alquilado en Brooklyn. En 1946 se mudaron a South Londonderry, Vermont , y vivieron allí por el resto de sus vidas. Shokler murió por complicaciones después de un accidente automovilístico el 11 de septiembre de 1978. [59]
Información proporcionada por Steven Wasser. Fuentes: (1) Falk, Peter Hastings, Who Was Who in American Art: 1564-1975, Sound View Press, 1999 (2) Sitio web de Ancestry (3) Asheville Art Museum (4) Shokler, Dahris Martin, "A Biography", en los Archivos de Arte del Smithsonian (5) Mayer, Ralph, Harry Shokler Retrospective: Exhibition of Paintings and Serigraphs 1920-1971, 15 de julio al 30 de julio de 1972, Southern Vermont Art Center, Manchester, Vermont