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Guy Boyd (escultor)

Guy Martin à Beckett Boyd (12 de junio de 1923 - 26 de abril de 1988) fue un alfarero y escultor figurativo australiano conocido por su capacidad para representar la sensualidad en el desnudo femenino con formas fluidas. [1] [2] También participó activamente en causas ambientales y de otro tipo, incluida la protesta contra la represa del río Franklin y la defensa de la inocencia de Lindy Chamberlain . [3]

Antecedentes y primeros años

Nacido en Murrumbeena , Victoria, Guy fue el tercer hijo de William Merric Boyd , alfarero, y su esposa Doris Lucy Eleanor Bloomfield, de soltera Gough, pintora, y por lo tanto fue miembro de la dinastía de artistas Boyd . Hermano de Arthur y David , ambos pintores, Lucy, alfarera, y Mary , pintora (que se casó primero con John Perceval , y luego con Sidney Nolan , ambos artistas), creció en la alfarería de su padre.

La dinastía artística de la familia Boyd incluye pintores, escultores, arquitectos , escritores y otros profesionales de las artes, y desciende del abuelo de Boyd, Arthur Merric Boyd , el padre de Boyd, Merric , y la madre Doris , y los tíos Penleigh Boyd y Martin Boyd .

Después de las privaciones de la Gran Depresión seguidas de un desastroso incendio en la alfarería de su padre, donde era ayudante, en 1937 Boyd encontró trabajo primero como aprendiz de joyero y luego en varios puestos de trabajo, entre ellos en una fábrica de tuercas y tornillos y como obrero de la construcción. [4] En 1941-46 sirvió en la Reserva del Ejército Australiano , sin embargo, como pacifista comprometido fue enviado como dibujante en Melbourne y luego en la mansión Fortuna en Bendigo , antes de que los conflictos con sus superiores provocaran que fuera destinado a la interestatal en 1944 para el 103rd Convalescent Depot, Ingleburn , donde se ofreció como voluntario [2] para enseñar cerámica a los pacientes. [5] [6] En Sydney se exhibieron ejemplos del trabajo de los combatientes heridos en 1945. [7]

Carrera

ceramista

Después de la Segunda Guerra Mundial, Boyd trabajó como alfarero, estableciendo Martin Boyd Pottery y más tarde Guy Boyd Pottery. [8] Estos estudios produjeron en masa una amplia gama de objetos modernistas, desde artículos para el hogar hasta piezas decorativas que disfrutaron de un gran éxito comercial. [9] Imágenes icónicas australianas, particularmente flora y motivos indígenas, [10] [11] aparecen con frecuencia. [12] Este período de trabajo también está impregnado de la estética de la "era atómica" de los años cincuenta y principios de los sesenta, con una paleta de colores y formas familiares que recuerdan fuertemente a Eames y otros. [5]

Escultor

Boyd abandonó este trabajo comercial y se dedicó a una carrera de tiempo completo en la escultura en 1965, cuando realizó su primera exposición individual en las Australian Galleries de Melbourne. Sus encargos incluyen esculturas en los aeropuertos internacionales de Melbourne y Sydney, el Ayuntamiento de Caulfield , el Commonwealth Bank y tiene piezas en la Galería Nacional de Victoria , Melbourne. Realizó exposiciones de su obra en Australia, Reino Unido, Canadá y Estados Unidos. En 1968 ganó una beca Churchill para estudiar arte en el extranjero. Fue reconocido con una monografía de gran formato, Guy Boyd , escrita por la galerista Anne Von Bertouch y el historiador del arte Patrick Hutchins y publicada por Lansdowne Press. [2] Más tarde ese año, Guy y Phyllis emigraron a Canadá con sus cuatro hijos menores, estableciéndose en Toronto en 1976, pero regresaron a vivir a Australia cinco años después. [13] Fue nombrado asesor de arte de la Universidad de Deakin en 1988.

Técnica

Las primeras esculturas y relieves de Boyd fueron en su mayoría de terracota y yeso. James Gleeson , escribiendo en el Sun-Herald , [14] Sydney en junio de 1966, proporciona una idea de la elección del medio escultórico de Boyd durante su transición de la industria cerámica, su método de trabajo y su influencia en las formas que favorecía:

La técnica de Boyd no es simplemente original (porque eso en sí mismo no es necesariamente una virtud), es original y totalmente coherente con la intención del artista. Ha perfeccionado el medio ideal para decir lo que quiere decir, por lo que la originalidad de su técnica también es artísticamente importante. La primera etapa en la transmutación de la naturaleza en arte es un modelo de cera. Esta es la etapa creativa en la que la cera blanda debe convertirse en una obra de arte que esté viva con la vitalidad de la naturaleza. La siguiente etapa es recubrir el modelo con plata o cobre, pero el proceso habitual suavizaría las sutilezas del modelado de la superficie y destruiría su vitalidad. Así, la efigie de cera permanece en su baño ácido durante semanas y una carga muy baja de electricidad deposita gradualmente una fina capa de metal sobre su superficie. La cera se disuelve químicamente, la cáscara se refuerza por dentro y finalmente se llena con una piedra de plástico que no se expandirá ni contraerá poniendo en peligro la piel metálica.

Boyd también experimentó con una deposición electrolítica de plata combinada con una capa de cobre, pero la abandonó después de descubrir que la aplicación de tetracloruro de carbono calentado para disolver la cera de la carcasa metálica estaba afectando su salud. Boyd descontinuó la galvanoplastia con relleno de compuesto de granito en polvo descrito anteriormente en 1966, [2] y la mayoría de su trabajo maduro son vaciados de bronce de cara fina utilizando el proceso de cera perdida , [15] en el que innovó mediante la mezcla de silicio con cera. , [13] con ediciones generalmente de seis producidas en bronce y aluminio. A menudo se aplica un acabado fino en plata sobre la fundición de bronce o aluminio, se oxida hasta casi negro y luego se pule ligeramente para revelar la textura en relieve; su Aboriginal Legend of Flight de 1971, encargado para la puerta de llegadas del aeropuerto internacional Kingsford Smith de Sydney , [16] después de una versión anterior (1969) para el aeropuerto de Tullamarine , es un ejemplo. Tiene cinco metros y medio de ancho, está modelado en arcilla, fundido en yeso y luego en arena en aluminio en 27 secciones, recubierto de plata esterlina sobre capas de níquel y cobre, luego oxidado antes de atornillarlo y ocultar las uniones. Está expuesto contra una pared de mármol sueco negro. [2]

Sobre su técnica de trabajo, el historiador, crítico de arte y curador de arte Sasha Grishin señaló que Boyd trabajó directamente con su cera o arcilla, en lugar de mediante dibujos preparatorios, aceptando el modelado y la sustracción de material, y la revelación de lo inesperado, como cruciales para la creación. proceso. [17]

Materia y recepción crítica

Boyd se adhirió a la figuración a lo largo de su carrera, [18] aunque rara vez trabajó directamente a partir del modelo y prefirió confiar en su memoria de los cuerpos en movimiento y de los gestos. [19] Sus temas son en su mayoría niñas y mujeres y en sus primeras exposiciones de la década de 1960 se refirió a portadas de discos y fotografías de revistas de bailarines africanos. A menudo, las figuras se extraen de la experiencia de su numerosa familia y de observaciones de bañistas en la playa de Brighton, con algunos grupos de madre e hijo, o de amantes, junto con algunos retratos. Gran parte de la obra hace referencia a la mitología, particularmente a historias de transformación. [2]

Bernard Smith en 1965 señaló que "Boyd capta la postura y el gesto de manera lírica y sensual", y admiraba la forma en que "las superficies oxidadas, pulidas a lo largo de las crestas, logran una belleza de textura parecida a una joya". [20]

Elwyn Lynn tuvo una reacción mixta ante la primera exposición de Boyd en la Hungry Horse Gallery de Bonython en una reseña en The Australian , 4 de junio de 1966; "Se le da mejor en las piezas plateadas, ennegrecidas y autónomas, cuando la figura está preocupada por algún gesto simple e inevitable. Los fallos son profundos: una torpe bailarina de bronce debe estar destinada a un jardín suburbano y una madre y su hijo resultan embarazosos en ejecución y sentimiento", pero continúa admitiendo que "el virtuosismo fácil se contrarresta rompiendo las superficies con toques impresionistas que captan la luz [...] poses ágiles pero incómodas [...] deleitarse con su habilidad" [2]

Al revisar una de las últimas exposiciones de Boyd, en Beaver Galleries en Canberra, Sacha Grishin, escribiendo en The Canberra Times en 1987, contrasta la herencia de "humanismo figurativo" de la familia Boyd del escultor con la escultura abstracta predominante imitativa de Anthony Caro . Al describir a Boyd como si nunca hubiera sido un "escultor de moda", elogia su evitación del realismo "hábil" y su concentración en la figura humana como un "vehículo para comunicar ideas", su capacidad para transmitir belleza sin "sentimentalismo" y representar la libertad en movimiento a través de "una emocionante resolución de la disposición de los volúmenes dentro de elegantes líneas flotantes". [21]

La discusión del profesor Patrick Hutchings sobre la escultura en la monografía de 1979 atribuye la fascinación de Boyd por la transformación y el cambio a su herencia de un "estilo de clan" de Boyd, "un tema familiar, de metamorfosis", un motivo evidente en una vasija de dos asas de 1948. por su padre Merric, que Guy había conservado. [2]

Activismo

Un líder decidido y natural, [2] en 1967 Boyd fundó y fue presidente del Comité de Protección de la Costa de Brighton; condenó abiertamente el desarrollo inadecuado y la corrupción municipal en el suburbio, donde se había instalado después de comprar y restaurar una casa que alguna vez fue de sus abuelos, [22] y abogó por que se pagara a los concejales para atraer candidatos menos comprometidos que aquellos que eran agentes inmobiliarios y promotores inmobiliarios. Sus campañas resultaron en el fracaso de una propuesta para construir un puerto deportivo en Brighton [23] y la interrupción de un oleoducto de alta presión que Esso y BHP iban a ampliar bajo la bahía de Port Phillip . [2] Posteriormente se erigió en la playa de Brighton una placa que conmemora sus logros en preservación y conservación. [24]

Después de que él, Phyllis Boyd y sus hijas Lenore y Sally se involucraran desde el principio en los llamados para una investigación judicial sobre el juicio de Lindy Chamberlain, que resultó en un cargo por el asesinato de su hija pequeña, participaron activamente en la redacción de una petición titulada "Una petición de favor". Merced'. Se convirtió en el coordinador australiano del esfuerzo y, en 1984, editó el libro Justice in Jeopardy in Jeopardy's defensa. [25] En 1983, como miembro de la Tasmanian Wilderness Society, Boyd presionó contra el plan del gobierno del estado de Tasmania de represar el río Franklin.

Muerte

Boyd murió el 26 de abril de 1988 a causa de aterosclerosis coronaria y fue enterrado con ritos anglicanos en el cementerio de Brighton . Le sobrevivieron su esposa, Phyllis, sus cinco hijas y dos hijos. [26] El crítico Sasha Grishin, al conmemorar el fallecimiento de Boyd, lo llamó "uno de nuestros escultores figurativos más importantes de la posguerra". [18]

Exposiciones

Solo

Solo póstumo

Grupo

Desde 1945, Guy Boyd expuso en exposiciones colectivas en todas las capitales de los estados australianos, [35] con representación tan recientemente como 2012, [36] y en el extranjero, incluidas Leicester Galleries , Londres en 1957, y en galerías de Nueva York, San Francisco y Montreal. .

Premios

1968: Beca Churchill

Cobros y Comisiones

Los Amantes de bronce entregados por Boyd a la Universidad de Melbourne y ubicados en el puente del cuarto piso del edificio John Medley , fueron robados y nunca se recuperaron. Boyd proporcionó un reemplazo, una figura de bañista para el jardín este de University House. [41]

Obras publicadas

Bibliografía

Ver también

Referencias

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enlaces externos