Grace Cossington Smith AO OBE (20 de abril de 1892 - 20 de diciembre de 1984) fue una artista australiana y pionera de la pintura modernista en Australia y fue fundamental en la introducción del posimpresionismo en su país natal. Todas las galerías más importantes de Australia exhiben ejemplos de su obra.
Grace Smith nació en Neutral Bay , Sídney , [3] segunda de cinco hijos del abogado londinense Ernest Smith y su esposa Grace, de soltera Fisher, que era hija del rector de Cossington en Leicestershire. La familia se mudó a Thornleigh , Nueva Gales del Sur alrededor de 1890. Grace asistió a la Abbotsleigh School for Girls en Wahroonga entre 1905 y 1909, donde Albert Collins y Alfred Coffey tomaron clases de arte. De 1910 a 1911 estudió dibujo con Antonio Dattilo Rubbo . De 1912 a 1914, ella y su hermana vivieron en Inglaterra, alojándose con una tía en Winchester, donde asistió a clases de dibujo, así como a clases en Stettin en Alemania, y conoció las pinturas de Watteau en Berlín.
Después de regresar a Sydney en 1914, asistió a las clases de pintura de Dattilo Rubbo junto a Norah Simpson y se interesó en las teorías modernistas. [4] Su The Sock Knitter (1915) [5] fue posiblemente la primera pintura postimpresionista de Australia.
Smith adoptó el segundo nombre "Cossington" en 1920. [1]
Su obra fue muy respetada por sus compañeros artistas Roland Wakelin y Roy de Maistre . Expuso con la Royal Art Society of New South Wales desde 1915, la Society of Artists desde 1919 y el Thea Proctor 's Contemporary Group en la Grosvenor Gallery de Adrian Feint desde 1926 hasta 1928, y desde 1932 hasta 1971, en las Macquarie Galleries . [1]
Su pintura se caracteriza por pinceladas individuales y cuadradas con colores brillantes y puros. Entre sus numerosas pinturas de paisajes, naturalezas muertas e interiores de Sydney se incluyen Kuringai Avenue (1943), Fruit in the Window (1957) y, posiblemente su pintura más famosa, The Lacquer Room (1936). [6] Recibió elogios al final de su carrera y en 1973 una importante exposición retrospectiva de su obra recorrió Australia. [1]
Cossington Smith, una de las artistas australianas más importantes del siglo XX, fue conocida por sus representaciones modernistas de una cafetería de Sídney, pinturas del arco del Puente del Puerto de Sídney en el momento de su construcción y sus últimas escenas de interiores con puertas y ventanas en las que el amarillo suele ser el color dominante. Muchas de sus escenas ofrecen una visión de la casa suburbana corriente de su época: naturalezas muertas, puertas y alféizares de ventanas. También pintó a veces acontecimientos importantes como las Guerras Mundiales y la llegada del Príncipe de Gales a Sídney, que muestran una visión más amplia de lo que estaba sucediendo en Australia y el mundo en ese momento.
Utilizó la luz del sol y maravillosos patrones de colores vibrantes con colores fríos añadidos a las sombras, dándoles una sensación de energía. Utilizando pinceladas cuidadosamente colocadas de colores brillantes una al lado de la otra para construir pequeños cuadrados, construyó forma en color. Fue una de las primeras artistas australianas en ser influenciadas por el movimiento postimpresionista europeo y lideró una ruptura con el impresionismo australiano. Contemporánea de Margaret Preston y Thea Proctor , sus obras fueron muy atrevidas para la época. Su principal interés era el color, colores brillantes y relucientes llenos de luz solar reflejada. Apoyó el modernismo y desarrolló su propia técnica individual. Se dijo que "recibió muchas críticas en la prensa, pero era muy audaz y sabía lo que quería". [7]
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Cossington Smith creció en la primera casa de su familia, Cossington , en el suburbio de Neutral Bay en Sydney. En 1920, se mudaron a lo que anteriormente había sido una casa de reuniones cuáquera, a la que también llamaban Cossington , en 43 Ku-Ring-Gai Avenue, Turramurra , donde viviría la mayor parte de su vida. Ambas recibieron el nombre de la casa original de su madre, Cossington Hall , en Leicestershire , Inglaterra. Cossington en Turramurra está catalogado como patrimonio. [8]
Al llegar a Australia de regreso de unas vacaciones en Inglaterra poco antes de que comenzara la Primera Guerra Mundial , Smith apoyó el esfuerzo bélico. Su pintura de 1915 The Sock Knitter , de su hermana tejiendo calcetines para el esfuerzo bélico , [5] a menudo se considera la primera pintura postimpresionista en Australia. La pintura muestra a una niña trabajando con esmero, tejiendo con una bola de hilo que se encuentra delicadamente a su lado. Cuando se toma en el contexto de la guerra, es una imagen poderosa de alguien trabajando en algo pequeño para ayudar a una causa mayor. Más tarde también dibujó una serie de caricaturas que eran satíricas y antialemanas, mostrando caricaturas de figuras del ejército alemán. Tales dibujos de figuras de la época eran muy diferentes del estilo habitual en su trabajo. Otras obras de la época fueron un dibujo de refugiados belgas que huyen de los alemanes al comienzo de la guerra y uno titulado Refuerzos: tropas marchando ( c. 1917 ) [9] que muestran patrones y colores fuertes. [9]
Cossington Smith pintó la ciudad de Sydney, su gente, las multitudes y lugares como restaurantes o Martin Place en el centro de la ciudad. Iba a la ciudad a menudo para hacer bocetos, aunque le daba algo de vergüenza dibujar en público. Cuando el Príncipe de Gales visitó la ciudad, Grace fue a la ciudad para registrar este evento. Hizo bocetos de los edificios que la rodeaban, pero confió en la memoria para registrar el momento real en el que él pasó, obviamente porque no tenía tiempo para registrar lo que le habría llevado solo un par de segundos. Esta pintura, El príncipe (1920), [10] registra con precisión la escena del príncipe siendo conducido en su automóvil por la calle, que está llena de una gran multitud de personas. Muestra la cálida recepción que los australianos dieron a la realeza británica en ese momento, cuando Australia todavía era una parte importante del Imperio Británico. A esta pintura le siguieron otras basadas en bocetos hechos en la ciudad de Sídney, de multitudes de personas corriendo en Rushing ( c. 1922 ), [11] casi a un ritmo humorístico, con una mujer mirando al espectador con expresión de sorpresa. Muestran que Sídney ya era una ciudad agitada con grandes multitudes de personas yendo y viniendo de sus trabajos. Una multitud menos apresurada se muestra en Crowd , que muestra una multitud masiva de todos modos, casi todos ellos con sombreros, lo que refleja la moda de la época.
Las pinturas de Cossington Smith de la zona de Turramurra muestran el desarrollo de Sydney en los suburbios del norte. Sus escenas callejeras a menudo mostraban carreteras que subían y bajaban colinas. Sus paisajes eran a menudo más exitosos y dinámicos cuando se basaban en una carretera. Su pintura Eastern Road, Turramurra , muestra una carretera muy similar a muchas de las carreteras de la montañosa Turramurra, que tienen muchas bajadas y curvas. Se puede encontrar mucho en esta imagen que muestra el estilo de vida de la gente en ese momento; las casas parecen estar más en parcelas que en patios suburbanos, con árboles solo al costado de la carretera, no cerca de las casas. La pintura parece mostrar una vista de un pueblo o una aldea, en lugar de una ciudad, con los suburbios exteriores de Sydney de aspecto algo rural en ese momento. En la simplicidad de la forma y los colores, estas obras se parecen a otras obras de artistas modernistas de la época.
Cossington Smith fue una de las primeras artistas que llevó el modernismo a Australia . Su cuadro The Sock Knitter (La tejedora de calcetines) , de 1915, es ampliamente celebrado. Fue "aclamado como el primer cuadro postimpresionista que se exhibió en Australia". [12]
Cossington Smith estudió en Australia e Inglaterra y su obra se inspiró en las pinturas modernistas de Europa. Compartía las preocupaciones modernistas sobre la pintura, entre ellas: la investigación de la teoría del color, el juego con el plano del cuadro (la ilusión de profundidad en una pintura), el uso de pinceladas expresivas y una composición abstracta. Sobre The Sock Knitter se dice que "el aplanamiento extremo del plano del cuadro y el uso de colores brillantes, expresivos y rotos aplicados en pinceladas amplias para delinear la forma reflejan las preocupaciones estéticas de pintores europeos como Cézanne, Matisse y van Gogh". [13] A pesar de estas tendencias, se convirtió en miembro fundador de la organización antimodernista de Robert Menzies , la Academia Australiana de Arte , y expuso con ella . [14]
Algunas de sus pinturas de alrededor de 1932-33 reflejaban algunos intereses comunes de los pintores contemporáneos internacionales. Estas pinturas muestran objetos que se descomponen en formas basadas en sus colores, de manera similar a Cézanne , y tienen una manipulación cubista de algunas de las imágenes. Su Casa con árboles , 1935, muestra casas en rosa, con azules poco naturales para algunos de los arbustos que las rodean. Se aprecia una distorsión de los colores realistas, con distorsión también de las líneas de perspectiva de la casa real.
The Lacquer Room (1936), que muestra una vista de un café de estilo Art Decó llamado Soda Fountain , que entonces estaba ubicado en los grandes almacenes David Jones en Sydney. La obra en sí es muy estilizada, con rosas, amarillos y azules en las paredes y en el suelo. Las personas representadas tienen pocos detalles en sus rostros, aunque en lo que se muestra parecen obviamente sorprendidas y algo condescendientes en su mirada hacia el espectador. Los colores vibrantes y deslumbrantes reflejan un estilo moderno . La pintura es notable por su ausencia de sombras; las paredes brillan con una luz y un color brillantes no direccionales. Todo en la pintura parece moderno, desde los tableros de mesa verdes de moda hasta los colores rosados y rojos en las sillas y en las paredes. Dos inusuales lámparas amarillas de estilo moderno en las paredes tienen un aspecto Art Decó. Los clientes usan abrigos de piel con sombreros elegantes, dando la impresión de que este es un lugar para gente respetable de clase media. Las camareras usan un color verde brillante en consonancia con el resto. Las sillas tienen respaldos enormes y patas pequeñas, lo que refleja un nuevo mundo moderno de objetos manufacturados, en lugar de los tradicionales muebles de madera.
Las pinturas de Smith incluían arreglos florales compuestos por narcisos , hippeastrums y waratahs . Como parte de su obra personal, pintó una obra de un perro durmiendo llamada Krinkley Kronks Sleeping en tonos morados y naranjas fríos, aunque el nombre real del perro era Rex.
Sus cuadros del puente del puerto de Sídney en construcción son de los mejores que pintó a finales de siglo, cuando era un símbolo de lo que era capaz el pueblo australiano. Sus primeros cuadros del puente del puerto, como El puente en curva, lo representaban antes de que se iniciara el trabajo en los brazos, y para disimular este hecho, en sus primeros cuadros del puente se concentró más en pintar los pilonos . Pintó los arcos cuando se acercaban, ya que le gustaba la tensión entre los dos lados, y no pintó el puente una vez terminado. Aunque el cuadro El puente en curva (1930) fue rechazado en la exposición de la Sociedad de Artistas en 1930, ahora se considera uno de los mejores cuadros modernistas de Australia. Muestra la continuación de las obras, con grúas fijadas sobre los bordes de ambos lados del puente. Su estudio detallado para el cuadro muestra su ojo para los detalles y su capacidad para capturar una escena de manera fotorrealista. De hecho, Smith dibujó el Puente del Puerto completado en Great White Ship en Circular Quay , pero aquí, como sugiere el título, la atención se centra más en el barco en primer plano que en el puente en sí.
Al igual que con la Primera Guerra Mundial, también representó la Segunda Guerra Mundial de diversas maneras. Pintó cuadros que mostraban la llegada de tropas aliadas a Francia, una cena con líderes aliados en Yalta y una misa después de que terminó la guerra en recuerdo de la guerra. Interior de la iglesia (1941) muestra una escena en una iglesia donde los hombres están en su mayoría ausentes, habiendo ido a la guerra. Una escena de iglesia posterior, Servicio de Acción de Gracias , muestra una iglesia con la Union Jack británica y la Bandera Roja en el fondo, una celebración de la victoria en la guerra después de que había terminado. Varias de sus otras pinturas muestran grandes banderas británicas, lo que refleja no solo su propia herencia británica y patriotismo, sino también el hecho de que muchos australianos todavía se consideraban parte del Imperio Británico en este momento. Durante la guerra sirvió como guardiana , lo que significaba que estaba a cargo de sacar a la gente de las casas en la avenida Kur-ring-gai si había algún problema. En el cuadro Wardens' Meeting (1943), que muestra una reunión de guardias, se ve una fila de personas sentadas en sillas, con aspecto solemne y posiblemente charlando en voz baja. Dawn Landing (1944) muestra tropas y un tanque desembarcando de un barco después del desembarco aliado en Francia. Se trata de un acontecimiento que marcó el principio del fin de la ocupación nazi de Europa, por lo que no era habitual que pintara una escena de algo que no estuviera directamente delante de ella. Del mismo modo, el cuadro Signing (1945), [15] que parece algo en desacuerdo con el resto de su obra, muestra la pintura Signing (1945), que representa la firma del tratado de paz en Yalta, y muestra figuras sentadas que son vagamente reconocibles como los tres líderes mundiales aliados. Este acontecimiento debe haber sido muy importante para ella, ya que casi siempre pintaba escenas de su experiencia personal, en lugar de escenas de personas del otro lado del mundo.
Pintó escenas al aire libre, con algo menos de éxito que sus escenas de interior, pero pintaba al aire libre siempre que alguien podía llevarla al campo a pintar, realizando muchos viajes. En su vida visitó varias ciudades fuera de Sydney, así como la capital nacional, Canberra . También pintó en las Montañas Azules , y en Moss Vale y Exeter . A partir de finales de la década de 1930, inició un estilo que estaba menos influenciado por el modernista, y más relacionado con la luz y el color de Australia, y su propia interpretación personal del paisaje. Sus pinturas muestran los colores verde oliva y siena del monte australiano, representados en un estilo donde las pinceladas son visibles, compuestas de muchos colores similares. Uno de sus mejores paisajes fue una serie de cuatro grandes pinturas que hizo llamada Cuatro paneles para una pantalla: árbol de níspero, árboles de goma y acacia, cascada, picnic en el barranco#, 1929. Los dos primeros paneles muestran los árboles de su patio, mientras que los dos últimos muestran el mundo más alejado de su casa; Una cascada y gente haciendo un picnic con un bidón de cerveza en un barranco. Simboliza el tema y la división en su obra paisajística entre las calles y los árboles más próximos a ella y las zonas más alejadas de su casa, a donde sus amigos y familiares la llevaban a menudo a pintar. Las cuatro pinturas fueron realizadas por encargo; sin embargo, el encargo fue rechazado y, debido a esto, Smith nunca volvería a trabajar en un encargo importante.
Visitó Inglaterra una vez con su hermana entre 1912 y 1914, y regresó a Europa más tarde, entre 1948 y 1951. En sus viajes al extranjero, Grace experimentó un mundo diferente al suyo, pero en sus pinturas le dio su propio estilo único. En el segundo viaje se interesó mucho por la arquitectura inglesa y, además de bocetos y dibujos de catedrales y edificios, tomó muchas fotografías de puertas interiores y escenas de habitaciones dentro de casas. Sus numerosos cuadernos de bocetos revelan algo de su vida: al ser más sueltos y personales que las pinturas de mayor tamaño, los cuadernos de bocetos pueden brindar una mejor visión de los detalles de la vida cotidiana de la artista.
Cada vez se concentraría más en estas vistas de interiores, y en su exposición individual de 1947 expuso diez pinturas de habitaciones. Su gran óleo Interior con puertas de veranda (1954) muestra una representación precisa de su casa con una gran ventana y una puerta que se abre al exterior al otro lado de la cama. La pintura es la primera de sus pinturas de interiores de mayor tamaño y presenta un color amarillo prominente. También experimentó con vistas en espejos, como en Interior con espejo de armario (1955), [16] que muestra un espejo sobre una puerta de armario abierta en un ángulo de 45 grados, por lo que el espectador puede ver el patio exterior de la casa a partir del reflejo en el cristal. El corte angular en la composición básica con estas puertas añade dinamismo y le da una sensación de energía.
En todas sus pinturas posteriores utilizó un estilo único de pinceladas cuadradas aplicadas sobre el lienzo, en colores que eran variados pero que tendían hacia el extremo amarillo del espectro. Muchas de sus pinturas de interiores muestran la misma habitación desde diferentes ángulos, o incluso múltiples vistas desde un ángulo ligeramente diferente o el mismo. En algunas pinturas, una puerta o ventana es el foco dominante de la pintura, mientras que en otras se muestra al espectador la habitación entera. Su uso del color se ha comparado con la obra de Pierre Bonnard , aunque dijo que encontró Cézanne como una influencia más importante en ella. Su estilo de muchas pinceladas multicolores se utilizó no solo en sus vistas de interiores, sino también en sus naturalezas muertas.
Las naturalezas muertas posteriores de Grace son obras que exploran el uso de diferentes colores combinados para dar una sensación unificadora. Pintó muchas naturalezas muertas de frutas, jarras y jarrones con atisbos de cortinas y partes de la habitación detrás. En cuanto al estilo, consistían en muchas pinceladas individuales, entrecortadas y cuadradas que formaban el conjunto, variadas en color, pero que aún así daban una sensación general amarillenta. Tiene un sorprendente sentido de la perspectiva y un gran ojo para los detalles, plantando los objetos firmemente en el espacio tridimensional. Naturaleza muerta con jarrón rojo (1962), muestra un jarrón rojo intenso en contraste con el fondo hecho de su color opuesto complementario, verde, o al menos, amarillo verdoso. Otra jarra a la derecha se mezcla con el fondo, mientras que la jarra roja está firmemente plantada en la perspectiva de la mesa. Naturaleza muerta con taza y platillo blancos (1971), una de sus últimas pinturas, muestra varias jarras, verdes, rojas y amarillas, a las que se les da la sensación de ser objetos muy sólidos, con una deliciosa taza y platillo blancos cerca. Después de esto quedó muy frágil y no pudo pintar más obras grandes.
Desde 1914, Grace pintaba en una pequeña cabaña en el jardín, más allá de la cancha de tenis. Su madre murió en 1931, su padre en 1938, y ella se convirtió en la cabeza de familia de los Cossington. A la casa se le añadió un estudio más grande y bien iluminado, adyacente a su gran dormitorio.
En 1973, Smith fue nombrada Oficial de la Orden del Imperio Británico (OBE). [1] Por sus servicios al arte australiano, fue nombrada Oficial de la Orden de Australia en 1983. El gobernador de Nueva Gales del Sur visitó a Cossington Smith en su residencia de ancianos para otorgarle el honor. [2]
Cossington Smith murió el 20 de diciembre de 1984 en Roseville, Nueva Gales del Sur .
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La galería Grace Cossington Smith se inauguró en Abbotsleigh Senior School en la Pacific Highway, Wahroonga , en 2013. El sitio de esta galería es Vindin House , un antiguo internado para niñas. La galería realiza diferentes exposiciones durante todo el año. En el segundo piso se encuentra el estudio de arte de Year 12, donde los estudiantes de HSC estudian las artes. La galería está abierta al público de lunes a sábado de 9 a. m. a 5 p. m.
