Lila Katzen (30 de diciembre de 1925, en Brooklyn, NY – 20 de septiembre de 1998, en Nueva York, NY), nacida Lila Pell, fue una escultora estadounidense de abstracciones metálicas fluidas y de gran escala. [1]
Katzen nació y creció en Brooklyn. [1] Asistió a la Cooper Union y luego estudió con Hans Hofmann en la ciudad de Nueva York y Provincetown, MA . Su primera exposición individual se realizó en el Museo de Arte de Baltimore en 1955, cuando todavía era pintora. Más tarde, Katzen realizó exposiciones individuales en el Museo de Arte de Montgomery en Alabama y el Museo de Arte Ulrich en Kansas , entre otros. En 1962, Katzen aceptó un puesto en el Instituto de Arte de Maryland , donde permaneció hasta 1980.
Lila Katzen fue disuadida de continuar sus estudios de escultura por su profesor en Cooper Union, quien le dijo que debía ser pintora porque “quería que las cosas sucedieran demasiado rápido” [2]. Las pinturas de Katzen eran obras abstractas, semifigurativas, en las que tomaba ciertos aspectos de la figura y los relacionaba con un concepto espacial. A medida que desarrollaba sus habilidades en la pintura, Katzen comenzó a buscar un desafío experimentando con diferentes tipos de pintura, más escultórica. Progresó de los collages sobre lienzo a las pinturas de nailon . Finalmente, sintiéndose limitada incluso por el nailon semitransparente, Katzen comenzó a pintar sobre láminas de acrílico a fines de la década de 1950. [3]
Las pinturas acrílicas le permitieron a Katzen hacer una transición hacia la escultura. Experimentó con pinturas fluorescentes y luces de fondo, utilizando la luz como un medio en sí mismo. [4] En The Pressure Light , Katzen descubrió que la luz era más compleja cuando podía interactuar con el entorno. Esto la llevó a explorar la dualidad de la luz, ya que está confinada dentro de los límites de la pieza y, al mismo tiempo, existe más allá de sus límites, incluido el espectador en la obra de arte en sí. [5]
Los experimentos y descubrimientos de Katzen la llevaron a construir Light Floors , exhibida en la Architectural League de la ciudad de Nueva York en 1968. Light Floors fue construida con un motivo geométrico y exhibida en los pisos de tres salas de la galería. Se mostraron luces amarillas y ultravioleta en diferentes secuencias a través del acrílico. Un comunicado de prensa para la instalación señaló que "la señorita Katzen ejerce un control completo sobre su medio. Afirma que 'se emplea la luz en todos sus aspectos. Se sitúa la reflectividad, la transparencia, la emisión y la transformación de coordenadas espaciales a temporales'. El resultado es que 'la arbitrariedad y el efecto se cancelan". [6] Katzen continuó usando la luz como medio en The Universe is the Environment (1969) y Liquid Tunnel , un túnel octogonal que presentaba luz fluorescente mostrada a través del agua, que jugaba con las variaciones de la óptica y las similitudes de líquidos y sólidos. [7]
A principios de los años 70, completamente inmersa en sus esculturas y conocida por ellas, Katzen creó algunas de sus obras más conocidas, como Slip Edge Bliss (1973) y Trajho (1973). Ambas exploran la flexibilidad de sus materiales. Katzen estiraba y manipulaba metales, como el acero y el aluminio, para que parecieran fluidos y como cintas. El metal debía manipularse de inmediato y con pleno conocimiento de lo que la artista quería lograr. La artista explicó: "No hay posibilidad de error. No se puede volver a enrollar. Perdería su elasticidad". [8] Empezando con láminas delgadas de papel de aluminio, Katzen manipulaba y doblaba el material con sus dedos, transformando el frío acero con sensualidad humana. Como señaló Donald Kuspit:
Muchas de las esculturas de Katzen son grandes obras al aire libre. Todas están diseñadas para relacionarse con su entorno, lo que hace referencia a sus anteriores ensayos y descubrimientos con la luz. Katzen también diseñó sus esculturas para que se relacionaran con el lugar de la obra y al mismo tiempo soportaran y fomentaran la interacción humana, un contraste directo con la estética minimalista que prevaleció en la década de 1960. [10] Muchas de sus esculturas son reorganizables y ofrecen la invitación a sentarse, columpiarse, acostarse o gatear debajo de ellas. [11] Katzen desarrolló profundas conexiones emocionales con su obra, considerándola como sus hijos. Ha dicho que "se siente maravillosa cuando sus obras encuentran un hogar" [12]
Mientras que su obra escultórica más conocida, iniciada en la década de 1970, se caracterizaba por curvas suaves, sinuosas y redondeadas a menudo descritas como "líricas", a principios de la década de 1990, produjo un nuevo cuerpo de trabajo cuyas piezas consistían en piezas de acero afiladas y dentadas soldadas descritas por un escritor como "duras y agresivas", que representan una cultura fragmentada y frágil. [13] Las obras realizadas durante este período se exhibieron en la exposición "Lila Katzen Quincentenary Sculpture Exhibition: Isabel, Columbus and the Statue of Liberty" en el Museo de Arte Muscarelle en la primavera de 1992; las obras mostradas incluían "Exploration Queen", "Queen of the Five Shields" y "Alligator Queen" y crearon "un rico retrato imaginario" de la "personalidad femenina fantasmal" de la reina Isabel de Castilla . [14] Otra exposición de trabajos posteriores fue "Lila Katzen: Force I Sculptures and Drawings" en el Museo de Arte Ulrich en el otoño de 1995. Las piezas de esa exposición incluyeron Nerve Threads (1992), Muzzle Warp (1993) y Paleolithic Map (1993) . En un artículo publicado en conjunto con la exposición "Lila Katzen: Force I Sculptures and Drawings", Dana Self, curadora de exposiciones, señaló:
"Las esculturas del pasado, si bien agresivas desde el punto de vista estilístico y contextual, solían ser formas de acero suaves, sinuosas, suavemente redondeadas y en bucle que demostraban su adhesión a los cánones de belleza, como la noción de que es lírica y grácil. Katzen cita el Éxtasis de Santa Teresa del artista barroco italiano Bernini como un ejemplo influyente de la forma barroca que la inspiró a desarrollar masas flotantes en el espacio que parecían desmentir su peso. En su nueva escultura, Katzen se resiste a las influencias de la historia del arte. En cambio, las esculturas de esta exposición son la interpretación de Katzen, en un lenguaje escultórico abstracto, de cuestiones sociales y culturales actuales... Katzen deja de lado el lirismo dramático de sus obras anteriores en favor de un estilo duro y agresivo que interrumpe la historia del arte y negocia el presente". [15]
Su obra se encuentra en las colecciones de la Galería Nacional de Arte, Washington, DC , el Museo J. Paul Getty , Santa Mónica, CA , el Museo de Arte Ulrich , [16] y el Museo de Arte de Georgia . [17]
En sus últimos años contrató algunos trabajadores para que la ayudaran a construir sus esculturas.
Katzen también se opuso abiertamente a la discriminación sexual y era conocida por su compromiso con el movimiento feminista en las artes. Katzen contó sus propias experiencias con la discriminación sexual. Según ella, si bien su maestro, Hans Hofmann, apoyó su trabajo mientras estaba en el estudio, se irritó cuando descubrió que ella se tomaba en serio su carrera como artista. En un incidente, durante una cena que Katzen organizó para Hofmann y sus amigos, Hofmann brindó por el arte declarando: "Sólo los hombres tienen alas". [18] Katzen se indignó y los dos discutieron. De hecho, el arte de Katzen fue visto de manera diferente debido a su feminismo abierto: una reseña del New York Times de una escultura llamada Ruinas y construcciones vinculó el uso de motivos mayas por parte de Katzen con su "feminismo militante". [19]
La pieza feminista de Mary Beth Edelson, Some Living American Women Artists / Last Supper (1972), se apropió de La última cena de Leonardo da Vinci , con las cabezas de artistas mujeres notables unidas sobre las cabezas de Cristo y sus apóstoles; Katzen estaba entre esas artistas mujeres notables. Esta imagen, que aborda el papel de la iconografía religiosa e histórica del arte en la subordinación de las mujeres, se convirtió en "una de las imágenes más icónicas del movimiento artístico feminista ". [20] [21]
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