stringtranslate.com

Gabriel Orozco

Gabriel Orozco (nacido el 27 de abril de 1962) es un artista mexicano. Se ganó su reputación a principios de los años 90 por su exploración del dibujo, la fotografía, la escultura y la instalación. En 1998, Francesco Bonami llamó a Orozco "uno de los artistas más influyentes de esta década, y probablemente también de la próxima". [1] [2]

Biografía

Vida temprana y educación

Orozco nació en 1962 en Veracruz , México, hijo de Cristina Félix Romandía y Mario Orozco Rivera , pintor muralista y profesor de arte en la Universidad de Veracruz . [ cita requerida ] Cuando Orozco tenía seis años, la familia se mudó al barrio de San Ángel de la Ciudad de México para que su padre pudiera trabajar con el artista David Alfaro Siquieros en varios encargos de murales. Su padre lo llevaba a exposiciones en museos y a trabajar con él, tiempo durante el cual Orozco escuchaba muchas conversaciones sobre arte y política.

Orozco asistió a la Escuela Nacional de Artes Plásticas entre 1981 y 1984, pero encontró el programa demasiado conservador. [ cita requerida ] En 1986, se mudó a Madrid y se inscribió en el Círculo de Bellas Artes . [ cita requerida ] Allí, sus instructores lo presentaron a una amplia gama de artistas de posguerra que trabajaban en formatos no tradicionales. [3] Dijo sobre su tiempo en España,

"Lo importante es estar profundamente confrontado con otra cultura. Y también sentir que yo soy el Otro, no el residente. Que yo soy el inmigrante. Yo fui desplazado y estuve en un país donde la relación con América Latina es conflictiva. Yo provenía de un entorno muy progresista. Y luego viajar a España y enfrentarme a una sociedad muy conservadora que también quería ser muy vanguardista en los años 80, pero me trataba como a un inmigrante, fue chocante. Ese sentimiento de vulnerabilidad fue realmente importante para desarrollar mi trabajo. Creo que gran parte de mi trabajo tiene que ver con ese tipo de exposición, con exponer la vulnerabilidad y hacer de ella tu fortaleza". [4]

Carrera

En 1987, Orozco regresó de sus estudios en Madrid a la Ciudad de México, donde organizó reuniones semanales con un grupo de otros artistas, entre ellos Damián Ortega , Gabriel Kuri, Abraham Cruzvillegas y Dr. Lakra. Este grupo se reunió una vez a la semana durante cinco años y con el tiempo la casa del artista se convirtió en un lugar donde tomaron forma muchos proyectos artísticos y culturales. [5]

El estilo de vida nómada de Orozco comenzó a influir fuertemente en su obra en esa época, y se inspiró considerablemente en explorar las calles. [6] Su práctica inicial tenía como objetivo romper con el trabajo convencional de la década de 1980, que a menudo se creaba en grandes estudios con muchos asistentes y elaboradas técnicas de producción y distribución. En contraste, Orozco generalmente trabajaba solo o con uno o dos asistentes más. Su obra gira en torno a muchos temas y técnicas repetidas que incorporan la vida real y objetos comunes. La exploración de sus materiales elegidos permite que la imaginación del público explore las asociaciones creativas entre objetos a menudo ignorados en el mundo actual.

En 1995 trabajó en Berlín con una beca de la Deutsche Akademische Austauschdienst . [7]

“Para él [Orozco], la descentralización de la práctica manufacturera refleja una rica heterogeneidad de objetos y materiales. No hay manera de identificar una obra de Orozco en términos de producto físico. En cambio, debe discernirse a través de leitmotivs y estrategias que recurren constantemente, pero en formas y configuraciones siempre mutantes”. – Ann Temkin [8] “Lo más importante no es tanto lo que la gente ve en la galería o el museo, sino lo que la gente ve después de mirar estas cosas, cómo se enfrentan nuevamente a la realidad”. – Gabriel Orozco de una entrevista con Benjamin HD Buchloh [9]

Está representado en Nueva York por Marian Goodman . [10] [11]

Vida personal

Gabriel Orozco se casó con María Gutiérrez el 2 de agosto de 1994 en el Ayuntamiento de Nueva York. [12] Tienen un hijo, Simón, nacido en noviembre de 2004. Orozco vive y trabaja en Nueva York, Ciudad de México, Tokio y Francia. [13]

Selección de obras

1981–91

Naturaleza recuperada , 1991
Recaptured Nature es una de las primeras obras escultóricas de Orozco. Fue construida completamente con caucho vulcanizado y fue hecha para crear las cámaras de aire de los neumáticos de los camiones. Orozco cortó el caucho por la mitad, luego lo abrió, cortó dos formas circulares de tapa de otra cámara de aire y las soldó juntas en un taller de neumáticos. Esto dio como resultado una pelota inflable. Orozco dice que la obra es un "ejercicio de topología ", [14] un área de las matemáticas relacionada con el estudio de la continuidad y la conectividad. Recaptured Nature juega con la idea de que todo puede convertirse en todo lo demás. Esta pieza inspiró obras futuras como Elevator en la que el artista reconstruyó un ascensor para que tuviera exactamente su altura.
Perro durmiendo , 1990
Orozco comenzó a trabajar con la fotografía alrededor de 1989. [15] Una de sus primeras fotografías, Sleeping Dog (Perro durmiendo) , evidencia tanto la reverencia de Orozco como su desconfianza hacia el medio fotográfico. La impresión inmoviliza a un perro dormido desde una perspectiva aérea sobre una gran roca. La perspectiva de la cámara comprime el primer plano y el fondo de tal manera que el perro se convierte a la vez en una imagen y un objeto, que posee peso y presencia mientras produce simultáneamente un recuerdo del evento. La impresión física general que produce la imagen es sugerente del interés de Orozco en la fotografía como un medio para informar la representación escultórica. [16]
Turista loco , 1991
Crazy Tourist es una fotografía tomada por Orozco en Bahía, Brasil. Mientras paseaba por la ciudad de Cachoeira, Orozco se encontró con un mercado vacío. Vio algunas naranjas podridas que habían quedado del mercado cerrado y procedió a colocar una en cada mesa. Luego, Orozco capturó la intervención en una fotografía. Los lugareños que lo observaban lo llamaron "turista maluco". [17] Crazy Tourist ejemplifica el enfoque de Orozco hacia la fotografía. Orozco no quiere que sus fotografías sirvan como documentación en el sentido de convertirse en una reliquia, sino más bien como testigo de un evento efímero que a menudo ocurre mientras el artista está solo. Olvidas la fotografía pero ves el fenómeno. [18]
Mis manos son mi corazón , 1991
My Hands are my Heart es una pequeña obra escultórica en forma de corazón realizada en 1991 por el artista, que aplica presión con sus dedos sobre un pequeño trozo de arcilla, dejando la impresión de sus dedos en forma de corazón. La naturaleza duradera de la arcilla endurecida contrasta con la suave vulnerabilidad de la identificación del objeto como un órgano humano. La impresión de los dedos del artista deja un rastro persistente del contacto con las manos del artista, una meditación sobre el proceso creativo. [19] My Hands are my Heart también hace referencia al díptico de fotografías tomadas con el artista, con el torso desnudo, sosteniendo la obra cerca de su propio corazón.

1992–99

Piedra que cede , 1992
Yielding Stone fue una de las dos obras creadas para una exposición colectiva en 1992. La obra consistía en una bola sólida de plastilina gris que se hizo rodar por las calles de Monterrey, acumulando tierra, escombros y piedritas en su superficie. La obra se exhibió después en una galería donde continuó acumulando polvo y atrayendo objetos extraños a su superficie, elevando el objeto al punto de enfoque. Orozco mostró una segunda versión de Yielding Stone en la exposición colectiva In Transit en el New Museum of Contemporary Art de Nueva York en 1993. La obra muestra el proceso de su creación y encarna las huellas de sus interacciones. [20]
Caja de zapatos vacía , 1993
Para la Bienal de Venecia de 1993 , Orozco colocó una caja de zapatos vacía en el suelo del Aperto. El uso de la caja de zapatos podría al principio considerarse simplemente como un objeto ready-made, pero el uso que hace Orozco de este objeto tiene como objetivo atraer la atención del espectador hacia su entorno. La colocación de un objeto tan familiar dentro de un entorno que de otro modo estaría vacío permite una mayor conciencia de lo que hay y lo que no hay en el espacio.
"Las razones de la silenciosa y convincente atracción que ejerce un objeto completamente banal son, por supuesto, múltiples, pero una explicación principal podría encontrarse en el hecho de que la presentación de un contenedor vacío, en lugar del objeto en sí, es la que refleja el cambio del valor de uso al valor de exhibición que se ha producido en la cultura en general." – Benjamin HD Buchloh [21]
Jonrón , 1993
Home Run fue parte de una exposición más grande —Projects 41: Gabriel Orozco— que tuvo lugar en el MoMA en septiembre de 1993. Los parámetros de la exposición se basaron en la experimentación con las limitaciones espaciales de la contemplación del arte. Por su parte, Orozco pidió a los ocupantes de los edificios adyacentes al MoMA que colocaran naranjas en sus ventanas, de modo que el espectador pudiera encontrarse con la exposición incluso después de abandonar el espacio típicamente definido del museo. La colocación de las naranjas introdujo un elemento lúdico en la pieza, ya que los espectadores se toparon accidentalmente con la obra: los visitantes del museo podían experimentar la instalación más allá de las paredes de la institución. De esta manera, Home Run alteró la noción tradicional de la exposición como “espacio de contemplación” y desdibujó la línea entre el arte y la vida. [22]
La DS , 1993
La DS se exhibió por primera vez en la Galerie Chantal Crousel en París en 1993. Para preparar la exposición, Orozco viajó a París y durante casi dos meses trabajó en la reconstrucción de un Citroën DS con la ayuda de su asistente Philippe Picoli. Orozco utilizó intencionalmente el automóvil clásico francés de la década de 1950 debido a su estatus en la cultura popular francesa como símbolo del ingenio posterior a la Segunda Guerra Mundial. La fabricación y presentación de La DS refleja el interés de Orozco en los aspectos mentales y físicos del espacio escultórico y sentó un precedente para las relaciones lúdicas entre el espectador y el objeto que Orozco continúa explorando en sus obras escultóricas. Para crear la obra, Orozco cortó una sección horizontal interior del automóvil y volvió a ensamblar las dos mitades restantes para que el automóvil mantuviera sus cualidades formales. Un espejo insertado en el lado del conductor del automóvil refuerza la ilusión de que el automóvil aún se puede conducir. [23] El intercambio entre la percepción física del objeto y el recuerdo de cómo debe comportarse el objeto en el espacio determina la comprensión global de la obra por parte de los espectadores, creando una imagen mental del coche que tiene un efecto fotográfico.
“Me ha interesado esta noción de espacio que sigue estando ahí y cómo una delgada línea que divide dos cuerpos no es mensurable. Por supuesto, físicamente es muy delgada, pero emocional o mentalmente es mucho más grande e inmensurable. En mi obra, creo que es ese espacio lo que me interesa como escultor.” – Gabriel Orozco [24]
Cápsulas de yogur , 1994
Es evidente en obras como La DS , Home Run y ​​Empty Shoe Box que Orozco presta gran atención al espacio en el que sus espectadores interactuarán con su obra. Para su primera muestra con Marian Goodman en Nueva York, Orozco colocó cuatro tapas de yogur en cada pared opuesta en la sala vacía del norte de la galería. Orozco ha dicho varias veces que su objetivo es "decepcionar al espectador". [25] En otras palabras, su obra a veces puede parecer decepcionante para aquellos que pueden haber llegado a la experiencia con ciertas expectativas. Yogurt Caps desafió la noción del espectador sobre el espacio, el vacío, la autoconciencia y el cuerpo.

"Era un poema sobre nada que, hermosamente, podía ser también un poema sobre todo. Una presencia, por leve que fuera, era la clave para ver el vacío de la habitación, ya que basta un solo sonido para manifestar el silencio". – Ann Temkin [26]

Mesas de trabajo , 1996
La primera Mesa de trabajo de Orozco se exhibió en Zurich en 1996. [27] Las mesas de trabajo son acumulaciones de bocetos, ideas, objetos encontrados, restos y obras de arte inacabadas. Las mesas ofrecen una imagen íntima del proceso del artista: la concepción de una idea, la experimentación y, a veces, la decisión de descartar una obra y su idea por completo. Estos pequeños objetos, cuando se muestran juntos, brindan al espectador una comprensión de los temas recurrentes y las conexiones que se pueden encontrar en la obra de Orozco.
Milanos negros , 1997
Black Kites fue concebida para la Documenta X poco después de que uno de los pulmones de Orozco colapsara en 1996. Después de pasar una semana en el hospital, Orozco decidió que quería hacer su siguiente obra a través de un "proceso muy lento". [28] Compró un cráneo humano en una tienda de productos naturales de Nueva York y durante los meses siguientes trabajó cubriendo todo el cráneo con una cuadrícula de grafito en forma de tablero de ajedrez. La cuadrícula sigue los contornos del cráneo y conduce al espectador por un camino circular a su alrededor. Existe una relación entre la rigidez de un sistema como una cuadrícula y la forma creada naturalmente de un cráneo humano. Black Kites además encarna ideas del memento mori y las calaveras iconográficas que se ven con frecuencia en la cultura mexicana. La obra evoca preguntas sobre nuestro destino y mortalidad humanos.

2000-actualidad

Dinteles , 2001
Lintels fue creada para la muestra individual de Orozco con Marian Goodman en 2001. La instalación consta de numerosas hojas de pelusa de secadora recolectadas a lo largo de un año. Orozco instaló las hojas en la galería para colgarlas en la habitación como si estuvieran en un tendedero. Las frágiles hojas están llenas de pelo, polvo, recortes de uñas y partículas de ropa. Se balanceaban ligeramente cuando los espectadores caminaban a través de la instalación. Los dinteles son esencialmente la acumulación de residuos que deja la presencia del cuerpo humano. La obra hace eco de la escultura anterior de Orozco Yielding Stone, ya que ambas reflexionan sobre la corporeidad y la efímera. Ambas obras continúan cambiando dentro del entorno que habitan a medida que se acumula polvo y escombros nuevos en su superficie. [29]
Pinturas de árboles samuráis , 2004
En 2004, Orozco comenzó a crear pinturas abstractas geométricas. Las formas circulares y el diseño diagramático eran similares a los que Orozco había estado experimentando durante años en papel cuadriculado, billetes y billetes de avión. Estrenó las primeras pinturas en su exposición individual en la Serpentine Gallery de Londres en 2004. Comenzando en un solo punto en el espacio, Orozco utilizó un software de computadora para dibujar un círculo alrededor del punto y dividir este círculo en cuadrantes. Luego dibujó otro círculo para tocar el borde exterior del anterior (variando el tamaño del círculo) y procedió a dividirlos en cuadrantes. Luego Orozco pintaría las mitades y los cuadrantes en rojo, azul, blanco o dorado, tratando las secciones de los círculos como si fueran cuadrados en un tablero de ajedrez. Los círculos juegan un papel integral en la obra de Orozco y él los ve como instrumentos de movimiento. En las pinturas del Árbol Samurái hay un punto centrífugo desde el cual los círculos giran y rotan hacia afuera.
Corplegados , 2011
Los Corplegados son una serie de dibujos de gran formato creados para la muestra más reciente de Orozco con Marian Goodman en 2011. La palabra literalmente se traduce como cuerpos plegados. Las obras son hojas de papel de tamaño natural que Orozco doblaba y llevaba consigo en sus viajes entre 2007 y 2011. Orozco dibujó, pintó y escribió sobre todas las superficies del papel. La aplicación y superposición de los diversos medios impregnaron el papel y se filtraron hasta el reverso formando un reflejo fantasmal e impredecible del frente. Los dibujos se instalaron en marcos de vidrio de dos lados que colgaban de la pared con bisagras para que el espectador pudiera ver ambos lados del papel. Cada dibujo pasaba de gestos pictóricos brillantes y coloridos a formas geométricas lineales y una paleta apagada. Estos contrastes reflejaban los diferentes cambios psicológicos y ambientales a los que el artista y sus dibujos estuvieron expuestos durante largos períodos de tiempo. [30]

Exposiciones (selección)

El Museo de Arte Moderno de Nueva York presentó una muestra individual del artista en 1993 [31] y una exposición retrospectiva de mitad de carrera en diciembre de 2009. [13] La exposición viajó al Kunstmuseum Basel , el Centro Pompidou , París, y finalizó en la Tate Modern , Londres, en mayo de 2011.

Colecciones públicas (selección)

Su obra ha sido incluida en la colección permanente de varias instituciones museísticas como el Pérez Art Museum de Miami , [32] Florida con la obra Samurai Tree (Invariant 260) de 2020-21; el Museo de Arte Moderno de Nueva York ; el Museo de Arte de Aspen , [33] Colorado; el Museo Metropolitano de Arte , [34] Nueva York; el Museo de Arte de San José , [35] California; el Museo de Arte Contemporáneo de Los Ángeles (MOCA); [36] el Museo de Arte de Dallas , Texas; el Museo de Arte de Filadelfia ; [37] Pensilvania; el Museo Whitney de Arte Americano ; [38] Nueva York; el Museo Noguchi , [39] Queens; el Museo de Arte Contemporáneo de Chicago , [40] Illinois ; la Tate , [41] Londres; el Museo Reina Sofía , España. [42]

Bibliografía

Una lista de publicaciones seleccionadas incluye:

Libros de arte

Catálogos de arte

Filmografía

Referencias

  1. ^ Francesco Bonami, Muerte súbita: roughs, fairways y el juego de la conciencia — Gabriel Orozco , Parachute, 1998.
  2. ^ Enwezor, Okwui (abril de 2010). "Okwui Enwezor sobre Gabriel Orozco". www.artforum.com . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  3. ^ Gabriel Orozco . Ann Temkin, Anne Byrd, Benjamin HD Buchloh, Briony Fer, Paulina Pobocha. Nueva York: Museo de Arte Moderno, 2009 pp. 45–46, 95)
  4. ^ citado en 'Gabriel Orozco', de Jessica Morgan (Tate Publishing, 2011), p.9
  5. ^ Temkin, 2009, pág. 49
  6. ↑ «Gabriel Orozco, Conferencia (2001) traducida por Eileen Brockbank» en octubre Archivos: Gabriel Orozco . Editado por Yve-Alain Bois, Cambridge, Massachusetts, 2009, p. 85
  7. ^ John-Paul Stonard, revisado por Iván Ruiz. "Orozco, Gabriel." Arte de arboleda en línea. 10 de diciembre de 2000, revisado el 12 de febrero de 2020. https://www.oxfordartonline.com/groveart/
  8. ^ Temkin, 2009, pág. 17
  9. ↑ Gabriel Orozco: Clinton es inocente . Museo de Arte Moderno de la Ciudad de París.
  10. ^ "Gabriel Orozco". Galería Marian Goodman . Consultado el 16 de marzo de 2023 .
  11. ^ "Gabriel Orozco". The New Yorker . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  12. ^ Temkin, Ann (2009). Gabriel Orozco. Nueva York: Museo de Arte Moderno. pag. 95.ISBN​ 978-0-87070-762-9.
  13. ^ ab Sontag, Deborah (11 de diciembre de 2009). "Un regreso espectacular al MoMA". The New York Times . ISSN  0362-4331 . Consultado el 16 de marzo de 2023 .
  14. ^ Temkin, 2009, pág. 61
  15. ^ Temkin, 2009, pág. 56
  16. ^ "Gabriel Orozco en conversación con Benjamin HD Buchloh", 2004 en Archivos de octubre: Gabriel Orozco . Editado por Yve-Alain Bois, Cambridge: MIT, 2009, págs. 120, 142, 148.
  17. ^ Temkin, 2009, pág. 58
  18. ^ "Loco por Saturno: Gabriel Orozco entrevistado por Briony Fer", 2006 en Archivos de octubre: Gabriel Orozco , editado por Yve-Alain Bois, Cambridge: MIT, 2009 p. 158-160
  19. ^ Benjamin HD Buchloh, "Refuse and Refuge" (Rechazo y refugio), (1993) en Archivos de octubre: Gabriel Orozco . Cambridge: MIT, 2009, págs. 5-7
  20. ^ Temkin, 2009, pág. 67, 73.
  21. ^ Benjamin HD Buchloh, “Gabriel Orozco: La escultura como recuerdo”, en Gabriel Orozco, 2006 p. 177.
  22. ^ Temkin, 2009, págs. 81-84
  23. ^ Temkin, 2009, págs. 86-87
  24. ^ De juegos, lo infinito y los mundos: la obra de Gabriel Orozco. Dublín: The Douglas Hyde Gallery, septiembre de 2003. pp. 9–14.
  25. ^ Temkin, 2009, pág. 95
  26. ^ Ann Temkin, “Epílogo”, en Gabriel Orozco: Photogravity , 1999, pág. 173
  27. ^ Gabriel Orozco. Ciudad de México: Museo del Palacio de Bellas Artes, 2006. p.162
  28. ^ Temkin, 2009, pág. 123
  29. ^ Rye Dag Holmboe "Gabriel Orozco: Materia cósmica y otros restos" TheWhiteReview.org, consultado el 28/2/2013
  30. ^ Nota de prensa de 2011, consultada el 2 de marzo de 2013 en: http://www.mariangoodman.com/exhibitions/2011-09-14_gabriel-orozco/ Archivado el 9 de febrero de 2013 en Wayback Machine.
  31. ^ "Proyectos 41: Gabriel Orozco". Museo de Arte Moderno, Exposiciones y Eventos . Consultado el 16 de marzo de 2023 .
  32. ^ "Gabriel Orozco • Pérez Art Museum Miami". Pérez Art Museum Miami . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  33. ^ "Gabriel Orozco". Museo de Arte de Aspen . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  34. ^ "Gabriel Orozco | Vitral". El Museo Metropolitano de Arte . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  35. ^ "Otros Paseos: Gabriel Orozco | Museo de Arte de San José". sjmusart.org . 2 de noviembre de 2018 . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  36. ^ "Gabriel Orozco". www.moca.org . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  37. ^ "Estudios de museos 5: Gabriel Orozco". philamuseum.org . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  38. ^ "Gabriel Orozco". whitney.org . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  39. ^ "Gabriel Orozco: objetos giratorios". Museo Noguchi . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  40. ^ "MCA - Gabriel Orozco | Museo de Arte Contemporáneo de Chicago". mcachicago.org . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  41. ^ Tate. «Gabriel Orozco nació en 1962». Tate . Consultado el 11 de abril de 2023 .
  42. ^ "Gabriel Orozco | Museo Nacional Centro de Arte Reina Sofía". www.museoreinasofia.es . Consultado el 11 de abril de 2023 .

Lectura adicional

Enlaces externos