Fundada como Escuela de Arte de Brighton en 1859, la Escuela de Arte y Medios de la Universidad de Brighton es una parte organizativa de la Universidad de Brighton , con cursos en artes creativas, comunicación visual, medios, artesanía y diseño de moda y textiles.
Es la parte más antigua de la universidad y ha funcionado con una cartera de disciplinas cambiante a lo largo de su historia. Además de su oferta actual, las materias que han sido fundamentales en su constitución y ética incluyen: educación artística, diseño, historia del arte y el diseño, fotografía y artes escénicas.
A medida que la escuela se convirtió en el núcleo de estructuras de facultades o colegios más amplios, estas disciplinas, junto con otras artes y humanidades de la universidad, se organizaron bajo nombres que reflejaban la nueva oferta y el cambio de políticas: Facultad de Arte y Diseño (1992-1999), Facultad de Arte y Arquitectura ( 1999-2009), Facultad de Artes (2009-2014), Facultad de Artes y Humanidades (2014-2017), Escuela de Arte (2017-2020) y Escuela de Arte y Medios (2021-).
La Universidad de Brighton ha apoyado las artes en su sentido más amplio durante muchas décadas. En 2009, su 150 aniversario celebró el trabajo de numerosos artistas, diseñadores, historiadores, fotógrafos y arquitectos que habían estudiado y enseñado en la institución.
La universidad ha formado a muchas figuras clave en el ámbito artístico. En 2009, una exposición, De la escuela de arte a la universidad: arte y diseño en Brighton 1859-2009 , rindió homenaje a muchos de ellos e incluyó ganadores del premio Turner , trabajos de diseño, danza para cámara e imágenes de rock y pop.
Allí estudiaron los ganadores del premio Turner Keith Tyson y Rachel Whiteread , al igual que los artistas Alison Lapper , Keith Coventry , Sylvia Sleigh , el diseñador Julien Macdonald y la escritora e ilustradora Emily Gravett .
Entre los estudiantes, profesores e investigadores que pasaron en Brighton se incluyen el escultor Anthony Gormley , Alexandra Gage, la vizcondesa Gage , Clive Gardiner , los ganadores de la medalla Kate Greenaway Emily Gravett , Raymond Briggs y Quentin Blake ; el artista Mike Chaplin ; la escritora e ilustradora infantil Lucy Cousins ; el fotógrafo de Magnum Mark Power ; los diseñadores de moda Barbara Hulanicki y Julien Macdonald . [1]
Entre las contribuciones realizadas a la cultura visual moderna por miembros de la universidad en el campo de las artes se incluyen los diseños de portada de The Dark Side of the Moon de Pink Floyd y varias series de sellos de Royal Mail del diseñador real para la industria George Hardie, y la funda de John Vernon Lord para Book of Taliesyn de Deep Purple .
La historia más larga de la escuela de arte de Brighton incluye a los artistas Conrad Heighton Leigh y Helen Chadwick , y al diseñador de carteles John Bellany .
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Las ideas para la creación de una Escuela de Arte en Brighton surgieron de una reunión pública celebrada en 1858, que dio lugar a la formación de un Comité para recaudar suscripciones y donaciones. El Comité pretendía “enseñar a los trabajadores a hacer mejor su trabajo, haciéndolo de forma ordenada y elegante, así como de forma útil, y así permitirles obtener el mejor precio por su trabajo y competir con más éxito con los trabajadores extranjeros”. [2] La mayoría de las escuelas de arte que se habían creado en Gran Bretaña en las décadas de 1840 y 1850 estaban vinculadas a industrias locales y regionales. Brighton no era un centro industrial en el sentido más obvio, pero, según Henry Cole, sus “industrias” eran “la salud, la recreación, la educación y el placer”. [3]
El lunes 17 de enero de 1859, la Escuela de Arte de Brighton abrió sus puertas a más de cincuenta alumnos y se instaló en una sala junto a la cocina del Royal Pavilion , cedida por el Ayuntamiento. El primer maestro de arte fue John White, que aportó su experiencia en un puesto similar en la Escuela de Arte Práctico de Leeds y que impartía clases para distintos grupos: personas con medios independientes que asistían a las clases diurnas y estaban segregadas por género; artesanos a los que se les proporcionaban clases nocturnas a un precio reducido; y profesores, para los que las tarifas eran aún más bajas.
En 1877 se construyeron en Grand Parade, Brighton, nuevas instalaciones para la Brighton School of Science and Art, en un estilo neorrománico , con la fachada de ladrillo con remates y cornisas de piedra de Bath . Las columnas que flanqueaban la entrada principal eran de granito rojo pulido, y la fachada estaba enriquecida con una serie de paneles de terracota y lunetas que habían sido diseñados por el maestro de arte Alexander Fisher y ejecutados por los señores Johnson en el cercano taller de cerámica Ditchling . [4] La princesa Luisa, duquesa de Argyll , la más artística de los hijos de la reina Victoria y una escultora consumada por derecho propio, estuvo presente, al igual que el zar de la educación artística victoriana, Sir Henry Cole .
Como resultado de las nuevas oportunidades para las autoridades locales, el 20 de septiembre de 1897 se inauguró una nueva Escuela Municipal de Ciencia y Tecnología, diseñada por FC May, el topógrafo e ingeniero del distrito. Esto permitió una expansión de las actividades de la Escuela en Grand Parade. En Brighton, antes de la Primera Guerra Mundial , la cartera de cursos de la Escuela de Arte incluía tipografía , platería , joyería, marroquinería, tallado en madera, bordado y confección de encajes.
En 1915 se creó la Design and Industries Association (DIA), una organización nacional no financiada por el gobierno que se propuso establecer relaciones más sólidas entre los diseñadores y fabricantes británicos. El director de Brighton, William H. Bond, desempeñó un papel importante en la promoción de los objetivos de la DIA en la ciudad, explicando cómo Gran Bretaña se quedaba atrás de sus competidores, como Alemania y Estados Unidos, y afirmando que el tipógrafo « Edward Johnston era mucho más conocido en Alemania que en Inglaterra hace cinco años». [5] Durante la Primera Guerra Mundial , la Escuela de Arte brindó oportunidades a varios soldados discapacitados en el Brighton Pavilion Hospital , ofreciendo formación para ocupaciones como el corte de letras en madera y piedra, el dibujo mecánico, el troquelado y otras materias relacionadas que requerían instrucción en artes industriales . Bond también estaba preocupado por la apariencia de Brighton, reaccionando negativamente a muchos aspectos del entorno urbano, un tema que varios de sus antecesores en las artes y artesanías británicas, como John Ruskin y William Morris, habían perseguido con celo. Bond se quejó del "horror espantoso" del arco ferroviario de New England Road y comentó sobre los planes para convertirlo en una "entrada atractiva a la ciudad". También abogó por la preservación del "alma distintiva" del Brighton georgiano (cf Arquitectura georgiana ) y que el Ayuntamiento debería desistir de pintar el Royal Pavilion de " amarillo asilo de pobres ", ya que representaba el "último grito desesperado de color en su lecho de muerte, y en sus tonos estridentes podrían rastrearse algunas influencias diabólicas". [6] La Escuela de Arte estaba bien considerada en el ámbito internacional. El Daily Telegraph informó que en la Exposición Internacional de Artes Decorativas e Industriales Modernas de París de 1925 , recibió un Diploma de Honor por instrucción técnica, una Medalla de Oro por instrucción técnica en cerámica y Medallas de Plata por instrucción técnica en textiles y metal.
El arte mural era un campo en el que el personal de Brighton era ampliamente reconocido, ya que unía las bellas artes y el diseño de interiores. Un ejemplo notable fue el interior del Regent Cinema, Brighton, que incluía murales de Lawrence Preston, de la Brighton School of Art, y Walter Bayes , director de la Westminster School of Art . Otros proyectos murales de Lawrence Preston incluían su mural de la Primera Guerra Mundial en la St Luke's School, Brighton, restaurado en 2007 después de una campaña de recaudación de fondos de 30.000 libras esterlinas. Dorothy Sawyers, otro miembro del personal de la escuela, también era ampliamente conocida como muralista que trabajaba en proyectos cinematográficos.
Tras el nombramiento en 1934 de EA Sallis Benney como directora, la Escuela de Arte de Brighton se dedicó a presentar su propio perfil fresco, moderno e internacional. Durante la Segunda Guerra Mundial , la Escuela de Arte pudo demostrar su utilidad para la comunidad en general mediante su participación en las campañas de propaganda , en las que el Departamento de Artesanía de Mujeres brindó un enfoque particular, especialmente en el espíritu de "arreglarse y remendarse" tras la introducción del racionamiento de ropa en el Reino Unido en 1941.
El Brighton College of Art no tenía vínculos industriales específicos como los tenían instituciones educativas similares en Manchester y Birmingham . No obstante, en la década de 1950 estaba bien posicionado para proporcionar conocimientos especializados en diseño comercial e industrial y trabajaba con la industria a través de una serie de comités asesores junto con asociaciones artísticas locales, regionales y nacionales. Esas actividades encontraron su aplicación en el desarrollo del plan de estudios. En 1951, por ejemplo, la primera cohorte de estudiantes completó el Diploma de la Asociación Nacional de Minoristas de Muebles, que se puso en marcha en el College en 1949 como el primer curso de este tipo fuera de Londres.
Tras el Informe Robbins de 1963 sobre la educación superior y el Libro Blanco "Un plan para las escuelas politécnicas", surgieron propuestas para la Brighton Polytechnic, junto con la Brighton College of Technology. El Comité de Educación de Brighton opinó que la Brighton College of Art debía conservarse como institución especializada en arte y diseño. Sin embargo, a pesar de la difícil conciliación de los diferentes puntos de vista en Brighton, las campañas nacionales más amplias contra la absorción de las escuelas de arte en las escuelas politécnicas continuaron hasta la década de 1970, una perspectiva ejemplificada por el artículo del pintor Patrick Heron en The Guardian en octubre de 1971, titulado "Asesinato en las escuelas de arte".
El Ayuntamiento decidió contratar al arquitecto municipal Percy Billington para el nuevo edificio, rechazando las consultas previas del Comité de Educación sobre la posibilidad de contratar arquitectos externos que simpatizaran con el estilo Regencia . Se había expresado un considerable enojo local sobre la posibilidad de demoler una hilera de casas Regencia catalogadas de Grado II , en contra del consejo de la Comisión Real de Bellas Artes . Michael Viney , sin embargo, fue más positivo: "Decididamente moderno y pseudo cualquier cosa, el edificio, no obstante, hace una transición gradual y fácil desde las fachadas en forma de arco Regencia adyacentes en Grand Parade a las líneas más nítidas, limpias y funcionales de 1958".
Desde sus inicios, la Escuela de Arte (y sus sucesoras) buscaron involucrarse con la ciudad y la comunidad regional, en áreas como las exhibiciones anuales de trabajos estudiantiles y en una relación cercana con muchos de los oficios de la ciudad. En un frente cultural más amplio, la participación del personal y los estudiantes en representaciones públicas comenzó en la década de 1860 y marcó constantemente su historia, ya sean los Carnavales y "Vision of Empire" para la Semana del Imperio en la década de 1920, las representaciones innovadoras y el "arte en vivo" en el club The Zap en la década de 1980, o una variedad de manifestaciones más recientes como "Dance for Camera" y "Smudged" en la Tate Modern dirigidas por Alice Fox.
El Art College Basement Club fue un importante catalizador del desarrollo de las artes escénicas y en vivo en Brighton. Allí se celebraban una amplia gama de actuaciones, como las asociadas al innovador Brighton Contemporary Festival Arts (1977-1979), organizado por Roger Ely y Neil Butler. Dave Reeves, junto con Butler, fue uno de los directores fundadores del club The Zap.
Durante la dirección de Robin Plummer se puso en marcha una nueva dieta de cursos e innovaciones. Durante este período, la gama de cursos incluía Moda y Textiles con Administración, Diseño Gráfico e Ilustración, Artes Expresivas (que incluían música, danza, interpretación, teatro y estudios visuales) e Historia del Diseño, con el desarrollo de una serie de cursos de posgrado que incluían Grabado e Ilustración Narrativa y Secuencial. Se formó un nuevo Departamento de Historia del Arte, dirigido por Robert Haynes en 1977. David Vaughan fue nombrado líder del curso de BA (Hons) en Madera, Metal, Cerámica y Plásticos en 1979, convirtiéndose más tarde en director del departamento de Diseño Tridimensional. Otro nombramiento clave realizado en estos años fue el de Bill Beech, que fue nombrado director del departamento de Bellas Artes tras la jubilación de Gwyther Irwin en 1984. En septiembre de 1986, el Departamento de Humanidades se incorporó a la Facultad, lo que creó la oportunidad de desarrollar nuevas iniciativas curriculares.
Robin Plummer se dio cuenta rápidamente de la importancia de la investigación para el arte y el diseño, y la defendió a nivel nacional e implementó a nivel local, en particular en la conferencia Brighton Design History: Fad or Function? (Historia del diseño de Brighton: ¿moda o función?) de 1977. El doctorado de Evelyn Goldsmith, completado en 1978, dio lugar a su libro titulado Research into illustration: an approach and a review (Investigación sobre la ilustración: un enfoque y una reseña), publicado por Cambridge University Press en 1984. La fusión de la Politécnica con el Brighton College of Education en 1976 dio lugar a la transferencia del Departamento de Educación Artística a la recién creada Facultad de Educación de la Politécnica, durante mucho tiempo un aspecto distintivo de la Escuela de Arte en su rito de transición de Escuela de Arte a Facultad de Arte y Diseño. Sin embargo, varios académicos especializados en artes visuales y escénicas se unieron a la Facultad de Arte y Diseño. Esto, a su vez, condujo a la formación de un nuevo Departamento de Artes Combinadas bajo la dirección de Peter Rose. A pesar de algunas dudas por parte de varios profesionales de los campos disciplinarios más establecidos en la Facultad, esta resultó ser una iniciativa dinámica, desafiante y altamente productiva, con Liz Aggiss y Billy Cowie desempeñando papeles clave en las áreas de desempeño.
Desde los años 60, Brighton ha dado varios pasos muy importantes, apoyados por la mejora y el desarrollo de sus recursos intelectuales y materiales. Entre ellos, cabe citar la creación del Archivo de Pantallas del Sudeste, los Archivos de Diseño y el establecimiento del Centro de Investigación y Desarrollo; la organización del Centro de Arte y Diseño CTI (Computers in Teaching Initiative), la Bienal de Fotografía de Brighton , Cinecity y el Centro Nacional de Asignaturas para el Aprendizaje y la Enseñanza en Arte, Diseño y Comunicaciones y su sucesor, la Academia de Educación Superior: Centro de Asignaturas de Arte, Diseño y Medios, y el establecimiento del Centro de Excelencia en la Enseñanza y el Aprendizaje a través del Diseño (CETLD). También se han creado muchas otras redes, nacionales e internacionales, formales e informales.
En 1992, la institución pasó a llamarse Universidad de Brighton, con el profesor David Watson como vicerrector, lo que dio lugar a una serie de nuevas oportunidades. Desde 1992 se ha producido un cambio perceptible en la forma en que la escuela/facultad se ve a sí misma y en cómo la ve, a su vez, el resto de la universidad. El éxito en arte y diseño en la primera ronda de la RAE en la que la universidad pudo participar confirmó dos prejuicios persistentes: desde la perspectiva del arte y el diseño, todavía había un aura de la noción de excelencia como algo que se conocía desde los días de las escuelas de arte independientes prepolitécnicas; desde el punto de vista de algunas otras partes de la universidad todavía persistía la idea de que, de alguna manera, era más fácil para el arte y el diseño lograr el éxito académico y de investigación.