Ernst Wilhelm Nay (11 de junio de 1902 – 8 de abril de 1968) fue un pintor y diseñador gráfico alemán del modernismo clásico. Se le considera uno de los pintores más importantes del arte alemán de posguerra.
Nay procedía de una familia de funcionarios de Berlín. [1] Nació como el segundo hijo de seis hermanos. Su padre, Johannes Nay, murió en 1914 como capitán en Bélgica. Nay completó su formación humanística con el Abitur en la escuela provincial Pforta en Turingia en 1921. Durante esta época hizo sus primeros intentos de pintar. Comenzó un aprendizaje de librero en la librería berlinesa Gsellius, que abandonó al cabo de un año. Después de eso, se mantuvo con trabajos ocasionales y comenzó a pintar autorretratos y paisajes. Con tres de sus cuadros pintados de forma autodidacta, se presentó en 1924 a Karl Hofer en la Escuela Superior de Bellas Artes de Berlín. Hofer reconoció el talento de Nay, le dio una beca y lo incluyó en su clase de pintura. En la escuela superior, Nay conoció a su futura esposa Helene (Elly) Kirchner, que trabajaba allí como modelo. Terminó sus estudios en 1928.
Tras un primer viaje de estudios a París, el historiador de arte Georg Carl Heise le concedió en 1930 una beca para realizar una estancia en Bornholm, donde realizó los llamados "cuadros de playa". Un año más tarde recibió la beca Villa Massimo de la Academia Prusiana de las Artes en Roma , donde realizó cuadros surrealistas y abstractos de pequeño formato. En 1932, Nay se casó con Elly Kirchner. Al año siguiente participó en la exposición "Arte alemán vivo" en las galerías Alfred Flechtheim y Paul Cassirer. En un artículo crítico de los nacionalsocialistas en el Volkischer Beobachter del 25 de febrero de 1933, su cuadro "Liebespaar" fue ridiculizado en 1930 como una "obra maestra de la vulgaridad". Durante las estancias de verano de 1935-1936 en el mar Báltico, en Vietzkerstrand (Pomerania), surgieron durante una primera fase importante de los "Cuadros de Thin y Fischer", 1934-1936, también dibujos a tinta y pluma de gran formato, los llamados "dibujos de pescadores". En 1937, dos de sus cuadros se exhibieron en la exposición "Arte degenerado". Por mediación de Heise, Nay recibió apoyo financiero de Edvard Munch , que le permitió viajar a las islas noruegas Lofoten, donde pintó acuarelas de gran formato. Los llamados "Lofoten-Bilder" (1937-1938) fueron creados en el estudio de Berlín según los motivos de estas acuarelas.
En 1940 se vio obligado (sobre todo por motivos económicos) a realizar el servicio militar. Primero llegó como soldado de infantería al sur de Francia, después a Bretaña y en 1942 fue trasladado como cartonero a Le Mans. Allí conoció al escultor aficionado Pierre de Térouanne, que le proporcionó su estudio e incluso material para pintar. Durante esos años realizó varios óleos de menor tamaño y numerosas obras sobre papel. En 1944, Hans Lühdorf escribió un relato en forma de diario sobre el trabajo artístico de Nay en Le Mans. Ya en mayo de 1945 Nay fue liberado por los estadounidenses. Como su apartamento de Berlín, que al mismo tiempo le servía de estudio, había sido destruido por un atentado con bombas en 1943, se trasladó a Hofheim/Ts. Y pudo mudarse a una pequeña casa-estudio por mediación de la coleccionista y comerciante de arte Hanna Bekker vom Rath.
Después de la guerra, Nay creó entre 1945 y 1949 las llamadas "Hekatebilder", a las que siguieron entre 1949 y 1951 las "Fugal pictures". En 1946 conoció en Múnich a Elisabeth Kerschbaumer, asistente de su galerista Günther Franke, con la que se casó en 1949 tras un divorcio mutuo con Elly Nay. En 1950 tuvo lugar una primera retrospectiva del artista en la Kestner-Gesellschaft de Hannover. Un año después se trasladó a Colonia, donde vivió hasta su muerte. En 1953 dibujó una película abstracta ("Una melodía, cuatro pintores", dirigida por Herbert Seggelke) junto con Jean Cocteau, Gino Severini y Hans Erni. En los cuadros más conocidos del artista, los llamados "Scheibenbildern" (1954-1962), la forma circular del disco se convirtió en el motivo dominante en todas sus variantes. El ejemplo más destacado de ello es el mural de 1956 "Freiburger Bild" (2,55 x 6,55 m) para el Instituto de Química de la Universidad Albert-Ludwigs de Friburgo.
En 1955, Nay publicó su manifiesto "Del valor gestáltico del color". En esa época, su obra encontró resonancia internacional. En 1955 realizó su primera exposición individual en los EE. UU. y un año después en el pabellón alemán de la Bienal de Venecia. Participó en la Documenta I (1955), II (1959) y III (1964). En 1960, el historiador de arte alemán Werner Haftmann publicó la primera monografía de Nay. Entre 1963 y 1964, Nay trabajó en las llamadas "imágenes de ojos". Por sugerencia de Arnold Bode, Nay pintó en 1964 tres grandes "imágenes de la Documenta" de 4 x 4 m, que se exhibieron en el techo de la Documenta III en Kassel (las "imágenes de la Documenta" se encuentran actualmente en préstamo permanente a la Cancillería Federal en Berlín). A partir de 1965, se crearon las "imágenes tardías", en las que Nay trabajó hasta el final de su vida. En 1968, Nay terminó los diseños para el "mural de cerámica" en el Centro de Investigación Nuclear de Karlsruhe, que, sin embargo, solo se realizó póstumamente. A principios de abril, se pintó el último cuadro "Blanco-negro-amarillo" (WV 1303). Poco después, Nay murió en su casa de Colonia a causa de un ataque cardíaco. Fue enterrado en el cementerio de Melaten en Colonia.
Las siguientes explicaciones se basan en los textos introductorios sobre las distintas fases de la obra de Elisabeth Nay-Scheibler en el catálogo razonado de pinturas al óleo.
Los primeros cuadros de Nay muestran paisajes y retratos pintados de forma autodidacta de su entorno inmediato, en los que se reconocen influencias de Henri Matisse y de su maestro Karl Hofer. Un lugar especial ocupa el cuadro "Retrato de Franz Reuter" (WV 6) de 1925, "la imagen en la que Nay se dio cuenta de que era pintor". Su apego a la abstracción se hace patente ya en los detalles de los cuadros y durante su estancia de nueve meses en Roma en 1931/32, Nay apenas tiene ojos para el arte "clásico" de esta ciudad, pero empieza a trabajar en naturalezas muertas de pequeño formato, extrañamente surrealistas, con larvas, conchas o gusanos para trabajar ("Gran concha con hombres", 1932, WV 110, "Gusanos que huyen", 1932, WV 128). En sus "Recuerdos de la vida y de la obra" recuerda esta época: "[...] En 1931/32 estuve en la Academia Alemana de Roma, molesto porque me atiborraban en la escuela con las reliquias de la educación humanística (... Pinté cuadros formales surrealistas, pero ciertamente míos y a lo largo del curso de mi arte imágenes bastante einzubauende."
Con sus imágenes de animales míticos, que se originaron alrededor de 1934 y las "imágenes de dunas y pescadores" ("Toro blanco", 1934, WV 148, "Mandril", 1934, WV 153), Nay desarrolló una nueva forma de diseño de imágenes. Las formas de animales delineadas por líneas negras a menudo se acompañan de formas simbólicas simples, como el círculo como signos del sol y la luna. Inspirado por las estancias de verano en el mar Báltico, donde llevó una vida sencilla con los pescadores, Nay reconoció en los constantes altibajos del oleaje una forma original de dinámica ("Dunas", 1935, WV 175). Ya en tiempos prehistóricos, la línea de olas o serpentina con sus arcos alternados hacia arriba y hacia abajo era un signo del movimiento eterno de muerte y renacimiento. Nay transmitió esta estructura formal del movimiento a las imágenes de dunas y del mar nocturno ("Mar nocturno", 1935, WV 182). En numerosos dibujos a pluma y tinta de gran formato, que traducen las entradas y salidas de los barcos y la actividad de los pescadores en arte de línea libre, Nay preparó sus llamados "cuadros de dunas y pescadores", que también muestran una fuerte dinámica en el movimiento de las olas, pero también se expresa en las verticales contrastantes de los mástiles y las velas de los barcos ("Ostseefischer I", 1935, WV 189). Las figuras de los pescadores son muy abstractas, sus cabezas esféricas o triangulares muestran solo un único ojo puntiforme en el medio.
Con el inicio del régimen nacionalsocialista, la situación vital de Nay empeoró considerablemente. Sus imágenes fueron difamadas como "degeneradas", se le prohibió exponer y ya no se le permitió comprar materiales de trabajo (lienzos, colores, etc.). A las preocupaciones materiales de aquellos años se sumó la tensión mental que resultó de la falta de contacto. CG Heise ayudó a esta angustiosa situación al ofrecerle a Nay dos estancias en las islas Lofoten noruegas, que tuvieron una gran importancia para el desarrollo artístico de Nay: "Las extrañas formaciones de las montañas y los fiordos, la luz cristalina, los colores brillantes sin sombras del lejano norte y el mundo primigenio de los pescadores y balleneros nunca dejaron de tener efecto en Nay, donde se encontró frente a una naturaleza que se correspondía en gran medida con la suya, y con esta experiencia, su complejo de colores se rompió por completo [...]". En comparación con las obras anteriores de "Lofoten-Bilder", el colorido cambió, Nay eligió colores y usos expresivos, como el de la pintura de las islas Lofoten. Por ejemplo, en lugar de nubes, en los cielos de los paisajes aparecen manchas de colores intensos que, en combinación con los demás colores del cuadro, anulan el efecto espacial del fondo del cielo ("Lofotenlandschaft", 1937, WV 218; "People in the Lofoten", 1938, WV 226). Las personas, que aparecen casi siempre, se disuelven en abstracciones rítmico-dinámicas ("People in the Lofoten", 1938, WV 240). Como figuras abstractas, se convierten en firmas de color expresivas, por lo que el paisaje y la figura aparecen como elementos iguales de la formación de la imagen cromática.
La mayoría de las obras del periodo de Francia muestran escenas temáticas legendarias en las que figuras abstractas parecen estar involucradas en un evento suprapersonal, trágico o eufórico. Incluso los títulos, como "La muerte de Eduardo I-IV" (1943, WV 311-314) o "El ángel" (1944, WV 323), reflejan la simultaneidad de la muerte inminente y la plenitud de la vida. Las formas peculiares de la cabeza y los ojos marcados como cerrados por un trazo recuerdan a las calaveras ("Liegende", 1943, WV 316). En contraste, la combinación de colores cálida y armoniosa de estas imágenes, en las que Nay ahora elige por primera vez el amarillo como color dominante y a menudo lo combina con rojo vivo, logrando así un sonido cromático brillante y vivo. Para unir los intersticios aparentemente perspicaces de sus composiciones pictóricas densas y de colores intensos, inventó un motivo de patrones de tablero de ajedrez repetidos y alternados, un elemento de diseño que siempre usaría más tarde. Nay escribió en su "Regesten": "Esas imágenes de la guerra eran en realidad algo único en mi arte. Nacieron de experiencias personales a las que me aferré porque no podía entender todo lo demás, una constelación que de otro modo nunca habría existido en mi arte".
A partir de 1945 se crearon en Hofheim am Taunus numerosas obras del llamado "Período de Hécate". Estas obras marcan una nueva etapa de desarrollo en el campo de la tensión entre los motivos figurativos que aún son reconocibles y su diseño casi enteramente abstracto en la obra de Nay, que refleja tanto la tragedia del pasado reciente como las esperanzas florecientes de esos primeros años después de la guerra. El término "imaginería de Hécate" lo acuñó Ernst Gosebruch (1872-1953) con referencia a "Hija de Hécate" I (1945, WV 337), de Nay, de la que Nay también hizo una segunda versión más pequeña (1946, WV 366). " Significativamente, hay una hija de Hécate -una hechicera de los cultos pregriegos, diosa de la luna y diosa de la muerte- en la mitología griega no es Esto es una alienación o invención de Nay, así como los títulos en general de este período de trabajo, en el que a menudo se utilizan obras antiguas o bíblicas. También es sorprendente que el estilo de pintura de Nay haya cambiado al mismo tiempo: la pintura se vuelve El artista elige ahora entre muchas imágenes una paleta de colores mucho más oscura. En retrospectiva, el propio Nay escribe sobre estas obras: "Una vez más, salieron a la luz ideas formales muy fuertes que se combinaban con otras míticas y mágicas. Los cuadros, pintados con mucha densidad, cuanto más viejos son, mejor. Donde los encuentro, me encanta. Pero soy una persona del presente, a quien el presente también determina su vida".
A finales de 1951, Nay se trasladó a Colonia, todavía marcada por los daños de la guerra, y se instaló en un loft en la Wiethasestraße de Colonia-Braunsfeld. Nay reacciona a este cambio de una residencia rural a la situación urbana y animada de la metrópoli renana con un nuevo diseño de imágenes, completamente no objetivo. Incluso bajo la influencia de la excitación musical (Colonia ya era conocida por sus importantes conciertos de música nueva), surgen imágenes en las que los contornos claros de las fugas se disuelven en un ritmo violentamente conmovedor, dando lugar a formas de color más finas, espontáneas y gestuales que expresan las estructuras de líneas en su mayoría negras. La musicalidad de estas imágenes se refleja en sus títulos: "Sonido vocal" (1952, WV 604), "Melodía plateada" (1952, WV 600) o "Ritmos negros, de rojo a gris" (1952, WV 629). En 1962, Nay recuerda este período: "Me interesaba especialmente el tono absoluto y las formas negativas, a menudo ampliadas, de la música de Webern. Eso fue alrededor de 1950. Más tarde se añadieron las composiciones de música serial y puntual. Después de Dallapiccola y Nono, Boulez es el que más me impresiona. En este caso, por su amplio trabajo en música electrónica, cuya técnica conocí aquí en Colonia".
En su período más conocido, más largo y más exitoso desde el punto de vista de la crítica, Nay hace de la forma redonda del disco –en todas sus variantes– el motivo principal de su pintura, que ahora refleja cada vez más teóricamente. En 1955 publica su libro “Sobre el valor del color en el diseño”, en el que describe los fundamentos de su “primer sistema” de “puntuación” del color. Nay descubrió el "disco" como elemento central del diseño, así lo describe él mismo: "Así empezó todo. Empecé con experimentos nuevos muy inofensivos y descubrí que si paso un pincel sobre el lienzo se forma una pequeña mancha, la agrando y obtengo un disco. Este disco, por supuesto, ya hace mucho en la superficie. Si añado otras rodajas, se crea un sistema de proporciones al menos coloreadas y cuantitativas, que ahora se pueden combinar y ensamblar en complejos de imágenes más grandes". Después de que Nay combinara las rodajas inicialmente con elementos gráficos, en 1955 se convirtieron en el único motivo de la imagen y, desde el punto de vista actual, surgen las obras "clásicas" de este período. A partir de 1957/58, Nay cambia el Ers exterior. Sus discursos se configuran de forma más abierta y más suave en sus contornos ("Rondo", 1958, WV 871), luego se desarrollan más a partir del movimiento circular del pincel ("Chorisch Grau", 1960, WV 971). y finalmente comienza con Gestos parcialmente violentos "para atravesar" ("Ecstatic Blue", WV 990, 1961). Detrás de esto estaba el hecho de que Nay sentía que tenía que "abrir" o "superar" en algún momento su hasta entonces estricto sistema de colocación selectiva del color, para no quedar estancado en una "academia moderna de pintura".
El cruce espontáneo de los discos lleva a Nay, hacia 1962/63, al descubrimiento del motivo ocular, que, como desarrollo ulterior del "disco" durante dos años, determina la imagen de las llamadas "imágenes oculares" ("ojos", 1964, WV 1092). A la luz de la intención del artista de "abrir", es característico que con este motivo del "ojo", por primera vez en años, vuelva a verse algo que recuerda al ser humano (Magda, p. 26). Este tema primigenio de ver y ser mirado juntos, que promete poderes mágicos y defensas fascinantes en símbolos arquetípicos, pero que también simboliza la luz y la conciencia espiritual, es un desafío abrumador para el diseño de imágenes completamente no objetivo de Nay. Pero no renuncia a la asociación del aura mágica de esta forma figurativa, sino que equilibra el efecto de las formas oculares a gran escala de sus imágenes con un lenguaje formal abstracto muy conmovedor, que incorpora en un apasionado desarrollo El cromatismo. Todos los registros de un colorido fuertemente contrastado, así como el énfasis en los delicados contrastes de colores claros y oscuros, hacen que Nay participe en este diálogo y, de este modo, aumenta la vitalidad y la libertad de su diseño de imágenes. Pero a pesar de la libertad pictórica recién adquirida y utilizada con entusiasmo, los detalles y la concepción general de estas pinturas tienen un orden controlado. En público, las nuevas imágenes de Nay, tan inusualmente expresivas, fueron percibidas como ambivalentes. Las tres "imágenes documenta" de 1964 (WV 1121, 1122 y WV 1123) fueron discutidas en la llamada "disputa documenta" de manera extremadamente controvertida y dieron lugar a algunas violentas polémicas contra Nay.
A partir de 1965, Nay dio un giro definitivo a su obra: abandonó la "monoestructura" de la "forma de disco" como elemento de diseño dominante y desarrolló su "segundo sistema" de "secuencias" de colores, que no sólo se caracteriza por un cambio de estilo de pintura (la pintura se vuelve fluida y uniforme), sino sobre todo por un repertorio de formas ampliado y formalmente muy claro. Por ejemplo, formas de huso definidas con precisión ("Huso - Rojo", 1967, WV 1260), cadenas de discos redondos u ovalados ("Cadena roja", 1965, WV 1180) y formas de arco ("Con forma de arco gris oscuro", 1966, WV 1208) y cintas, a menudo asociadas con asociaciones orgánicas de recuerdos. En los últimos cuadros aparecen incluso formas "figurativas", en parte incluso que recuerdan a las formaciones humanas, con lo que en estos cuadros, según Nay, más allá de la oposición tradicional "abstracto versus real", mentir, "representación humana hasta entonces desconocida" o una "nueva imagen visual del hombre" más allá de la oposición "abstracto" o "real", Nay encuentra con estas obras una nueva, casi tercera y por él mismo designada como "elemental" forma de imagen, en la que el tema siempre central de su arte -el ser humano- vuelve a la imagen de una manera completamente nueva. En 1967, en su último ensayo "Mi color", que él mismo publicó, escribe: "Vale la pena vivir hasta ahora para que la imagen del color real pueda surgir y el color suene de tal manera que sin una intención especial del artista lo humano se haga visible, humano y creatural en una formulación nueva, desconocida".
El patrimonio literario se encuentra desde 1979 en el Archivo de Bellas Artes del Museo Nacional Germánico. En septiembre de 2005 se fundó en Colonia la Fundación Ernst Wilhelm Nay, que gestiona y administra el patrimonio artístico de Nay.
1946: EW Nay , Galería Gerd Rosen, Berlín
1950: EW Nay (Retrospectiva), Kestner-Gesellschaft, Hannover
1955: Ernst Wilhelm Nay , Galerías Kleemann, Nueva York
1956: Ernst Wilhelm Nay. Deutscher Pavillon , 28 Bienal de Venecia, Venedig
1959: EW Nay (Retrospectiva), Kunstverein für Rheinlande und Westfalen, Düsseldorf
1964 : I. Internacional der Zeichnung. Sonderausstellung Ernst Wilhelm Nay , Mathildenhöhe Darmstadt, Darmstadt
1964/1965: Ernst Wilhelm Nay. Gemälde 1955–1964 , Kunstverein in Hamburg, Hamburgo/ Badischer Kunstverein, Karlsruhe/ Frankfurter Kunstverein Steinernes Haus, Frankfurt a. Principal
1969: EW Nay (Retrospektive), Wallraf-Richartz-Museum, Köln/ Nationalgalerie, Berlín/ Städelsches Kunstinstitut, Frankfurt a. Main/ Kunstverein en Hamburgo, Hamburgo
1970: EW No. Bilder aus den Jahren 1935–1968 (Retrospektive), Museum Städtische Kunstsammlungen, Bonn
1976: No. Un Maestro del Color. Obras die 1950 a 1968 , Museo de Arte Moderno, Instituto Nacional de Bellas Artes, México-Ciudad
1980 : EW No. Bilder und Dokumente (Retrospektive), Germanisches Nationalmuseum Nürnberg/ Haus der Kunst, München/ Bayer-AG Erholungshaus, Leverkusen/ Wilhelm-Hack-Museum, Ludwigshafen a. Rin/Neue Galerie, Kassel
1985: Bilder kommen aus Bildern. EW No, 1902–1968. Gemälde und unveröffentlichte Schriften aus vier Jahrzenten , Museum Haus Lange, Krefeld/ Westfälischer Kunstverein, Münster/ Kunstverein en Hamburgo, Hamburgo
1990/1991: Ernst Wilhelm Nay. Retrospektive , Museo Ludwig in der Josef-Haubrich-Kunsthalle, Köln/ Kunsthalle Basel, Basilea/ Galería Nacional Escocesa de Arte Moderno, Edimburgo
1998: Ernst Wilhelm Nay , Museo Stedelijk, Ámsterdam/ Gemäldegalerie Neue Meister, Dresde/ Museo Wilhelm-Lehmbruck, Duisburg
SE 2002/2003 No. Variaciones. Retrospektive zum 100. Geburtstag , Kunsthalle der Hypo-Kulturstiftung, München/ Kunstmuseum Bonn, Bonn
2009: EW No. Imágenes de los años 1960 , Schirn Kunsthalle, Frankfurt a. Main/Haus am Waldsee, Berlín
2013/2014 Ernst Wilhelm Nay. Imágenes , Michael Werner Kunsthandel, Colonia
2016: NAY 1964 , Aurel Scheibler, Berlín
2017/2018: Ernst Wilhelm Nay , Galería Almine Rech, Londres
2018: Ernst Wilhelm Nay. 1948-1951 , Jahn und Jahn, Múnich